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La colección de Juana de Aizpuru en el Patio Herreriano

Permalink 02.02.18 @ 07:25:11. Archivado en Artículos

Por José María Arévalo

( Sin título. 2015. Jiri Dokoupil en la colección Juana de Aizpuru. 250x300) (*)

El Museo Patio Herreriano dedica las salas 3, 4, 5 y 8 a “Juana de Aizpuru. Extracto de una colección”, hasta el próximo día 11 de marzo. Juana de Aizpuru es vallisoletana de nacimiento, y en Valladolid pasó su primera infancia, así que esta exposición es de alguna manera un homenaje como el que le dedicó la Casa de Valladolid en Madrid al concederle el Piñón de oro, que le fue otorgado en un acto en el Ayuntamiento de Valladolid, a fines de 2016. Fue la creadora de la Feria de ARCO en 1982 y su directora hasta el año 1986. Producto de su importante trabajo como galerista y como impulsora del arte contemporáneo más actual, tanto dentro como fuera de nuestro país, se le han otorgado muy diversos premios y reconocimientos a lo largo de su larga trayectoria profesional, entre ellos la Medalla de Oro de Bellas Artes de España, en 1998; y fue nombrada en el 2011 hija predilecta de Andalucía, por la Junta de esa Comunidad.

Actualmente Juana de Aizpuru es una de las personalidades más relevantes en el descubrimiento de nuevos talentos dentro del panorama artístico español, y ha sido reconocida por todo el mundo su gran labor durante décadas en el mundo del arte contemporáneo. Así que viene muy al caso de la serie de artículos que hemos comenzado con el título “El arte moderno, ¿es arte?”, reseñando el libro “¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos” de Will Gompertz, director de Arte de la BBC, que en su introducción ya decimos reconoce la dificultad de entender el arte contemporáneo y sostiene: “no pienso que la cuestión de fondo resida en juzgar si una obra nueva de arte contemporáneo es buena o mala: el tiempo se encargará de eso. Es más importante comprender de qué modo y por qué encaja en la historia del arte moderno”.

En folleto muy bien editado que facilita en la visita a la muestra el Museo de Arte Contemporáneo Patio Herreriano, la Comisaria de la exposición, Margarita Aizpuru, explica que “Nunca hasta ahora se ha llevado a cabo una exposición de su colección y creemos que el Museo Patio Herreriano de Valladolid, su ciudad de nacimiento e infancia, y la de su familia, es la entidad más adecuada para llevar a cabo este proyecto expositivo”.

( Sin título. 2007. Óleo de Marcus Oehlen en la colección Juana de Aizpuru. 250x270) (*)

“Una colección sui generis –escribe también-, toda vez que, a diferencia de otras colecciones de arte privadas no corporativas, esta está absolutamente interrelacionada con los artistas con los que Juana trabaja, al ser obras de ellos. Una colección que procede de obras de "sus artistas", de distintas generaciones, desde los años setenta hasta ahora mismo, e incluidas en las distintas tendencias, movimientos y contextos, tanto nacionales como internacionales, centrándose fundamentalmente en el ámbito europeo, y en cierta medida en el norteamericano y latinoamericano, con algún ejemplo de arte asiático, como es el caso de Yasumasa Morimura.

Para la exposición que ahora presentamos en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, , se ha llevado a cabo una selección de obras de algunos de los artistas con los que ha venido trabajando Juana desde los años ochenta hasta ahora, ya que una buena parte de las obras de los artistas de los años setenta que han formado parte de la colección, han sido donadas por ella, fundamentalmente al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), ya que estaban vinculadas con el contexto artístico de Andalucía.

Teniendo en cuenta la larga trayectoria como galerista y como coleccionista de Juana de Aizpuru, hemos pensado que es el momento para exhibir una selección de su gran colección, que muestre los intereses de una galerista y coleccionista por las obras de sus artistas representados, a lo largo de su intensa y densa trayectoria, habiendo aupado a muchos de ellos a la situación en la que se encuentran en el sistema del arte.

( Nara on Rist. 2005. Óleo de Sandra Gamarra en la colección Juana de Aizpuru) (*)

En definitiva, esta exposición reúne una selección de artistas y obras que representan un significativo abanico de lenguajes, tanto técnicos como estéticos, de lo que hoy es el arte contemporáneo. En ella podrán verse obras de artistas españoles como Pilar Albarracín, Miguel Ángel Campano, Luis Claramunt. Jordi Colomer, Fernando Sánchez Castillo, Dora García, Alberto García Alix, Montserrat Soto, Cristina García Rodero, Cristina Lucas, Rogelio López Cuenca, Federico Guzmás. Y entre los extranjeros, los europeos: Art & Language, Miroslaw Balka, Pedro Cabrita Reis, Jiri Dokoupil, Tim Parchikov, Markus Oehlen, Albert Oehlen, Philipp FrbhLich, Heimo Zobernig, Josep Kosuth, George Herold, Pierre Gonnord, etc.”

Will Gompertz ofrece en el citado libro “150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos” una interesante explicación del salto que ha dado el arte contemporáneo. Refiriéndose a la primera compra por la Tate en 1972 de una obra conceptual, una escultura llamada Equivalent VIII, de Carl Andre, compuesta por ciento veinte ladrillos refractarios que, unidos según las instrucciones del artista, formaban un rectángulo de dos ladrillos de altura, las críticas de los medios informativos entonces fueron generalizadas. Treinta años después otra obra conceptual -que describe- adquirida por la Tate se acepta como algo normal: “no se levantó ni un murmullo: ni crítica, ni indignación, ni siquiera unos cuantos titulares mordaces por parte de los más agudos miembros de la prensa amarilla: nada. La única cobertura que se le dio a la adquisición fueron un par de frases laudatorias en los medios artísticos más consagrados al mercado del arte. ¿Qué había pasado en el transcurso de estos treinta años? ¿Qué había cambiado? ¿Por qué el arte moderno había pasado de ser visto por lo general como un chiste de mal gusto a convertirse en algo respetado y reverenciado en el mundo entero?”

“Algo tiene que ver el dinero en esto –continúa Gompertz-. En las últimas décadas, en el mundo del arte había entrado una buena cantidad de efectivo. Se habían gastado con generosidad grandes sumas de fondos públicos para poner al día museos anticuados y construir otros nuevos. La caída del comunismo y la liberalización de los mercados condujeron a la globalización y al surgimiento de una clase de megarricos internacional, y al arte en su inversión favorita. Mientras los mercados bursátiles caían en picado y los bancos quebraban, el valor del top-ten del arte moderno no hacía sino crecer, al igual que el número de gente que acudía a este mercado. […] La economía de mercado ha entrado en el juego: es un caso de oferta y demanda y la segunda sobrepasa a la primera. La cotización de obras de célebres artistas muertos (y por tanto ya improductivos), como Picasso, Warhol, Pollock y Giacometti, continúa subiendo sin parar.

El precio lo ponen los banqueros solventes y los oligarcas que operan en la sombra, así como ciudades de provincias ambiciosas y países orientados al turismo que quieren «convertirse en un Bilbao»; esto es, mejorar su fama y aumentar su caché a través de un centro de arte contemporáneo comisionado que resulte atractivo. Todos han llegado a la conclusión de que comprar un edificio o construir un museo dedicado al arte de ahora es lo fácil, pero llenarlo de obras medianamente decentes que hagan que los visitantes acudan no lo es: por eso no hay tantos.

( Room. 1995. Obra de Pedro Cabrita Reis en la colección Juana de Aizpuru) (*)

Si ya no queda en el mercado mucho arte moderno «clásico» y de calidad, entonces hay que acudir al arte moderno «contemporáneo»: la obra de artistas vivos. También en este caso, los precios de los artistas del top-ten han ascendido inexorablemente. […] Artistas que antes eran pobres son ahora tan multimillonarios como las estrellas de cine: amistades famosas, aviones privados y una atención continua de los medios de comunicación para dar cuenta de todos y cada uno de sus glamurosos movimientos. El sector en alza del papel couché de finales del siglo xx se dedicó en cuerpo y alma a ayudar a construir la imagen pública de esta nueva generación de artistas que sabían manejar los medios. Esas imágenes de individuos creativos y pintorescos que posaban junto a sus obras de vivos colores, expuestas en espacios deslumbrantes creados por diseñadores, en los que se juntaban ricos y famosos, se convirtieron en una especie de celebraciones visuales y voyeuristicas que los lectores aspirantes a sumergirse en ese mundo devoraban ansiosamente en las páginas de las revistas: incluso la Tate Gallery contrató al publicista de Vogue para su revista de socios. Estas publicaciones, al igual que los suplementos a color de los periódicos, crearon un público nuevo, atento a la moda y cosmopolita, para un arte y unos artistas nuevos, también atentos a la moda y cosmopolitas. Se trataba de una generación a la que aburrían las viejas y marrones pinturas que veneraba la generación anterior. No, los que acudían ahora a las galerías y centros de arte querían un arte que hablara de su tiempo. Un arte fresco, dinámico y excitante: el arte que trataba sobre el aquí y el ahora. Un arte que fuera como ellos: modernos y deseables. Un arte que tuviera un poco de rock and roll: ruido, rebeldía, entretenimiento y actitud enrollada.

El problema al que se enfrenta este público -el problema al que se enfrenta todo público- tiene que ver con la comprensión. No importa que se sea un marchante de arte bien establecido, un académico de renombre o un comisario de museo: todos ellos se pueden sentir algo desorientados si se enfrentan a una pintura o una escultura recién salida del estudio de un artista”.

Pero volvamos a “Juana de Aizpuru. Extracto de una colección”. En el folleto de mano de la misma, en apartado que titula “Juana de Aizpuru como coleccionista”, la Comisaria de la exposición, Margarita Aizpuru, explica que “Desde que Juana de Aizpuru se afinca en Sevilla, y sobre todo a partir de los años sesenta, ha ido comprando obras de los jóvenes artistas visuales de aquel tiempo, empezando una colección que se iría agrandando con el transcurso de los años. Puede decirse que antes que galerista fue coleccionista, y es a raíz de esta labor, su amor por el arte, y contacto asiduo con Los artistas, cuando decide abrir su galería de arte en Sevilla”.

( Hermes Maindemform. 2000. Mixta sobre tela de Rogelio López Cuenca en la colección Juana de Aizpuru) (*)

Tras su infancia en Valladolid, sus padres se habían trasladado a vivir a Madrid y es en esta ciudad donde estudia Filosofía y Letras y donde empezó a interesarse por el arte. Posteriormente, al contraer matrimonio, en los años cincuenta, se trasladó a vivir a Sevilla, donde Juana entró en contacto con el arte de vanguardia, frecuentando los círculos artísticos. Es en Sevilla donde, en 1970, abrió su galeria, "Galería Juana de Aizpuru" que se convirtió de inmediato, no solo en un vanguardista espacio expositivo, sino en un foco de acontecimientos artísticos que dinamizaron la escena cultural sevillana, en un contexto artístico tradicional del tardofranquismo. A ella acudían intelectuales, artistas, políticos y personas con inquietudes, deseosos de asistir a las exposiciones, conferencias, debates y a las reuniones que allí se celebraban, con gran asistencia de público.

“Su compromiso –continúa el folleto- con el arte contemporáneo siempre ha ido más allá de su pura actividad galeristica, emprendiendo, poco a poco, una actividad de coleccionista, adquiriendo obras sobre todo de los artistas con los que trabajaba, y casi exclusivamente de estos, configurando así una colección muy especial, muy personal y entrañable.

( Encantador de serpientes, de la Serie Marruecos. 1986. Óleo de Luis Claramunt en la colección Juana de Aizpuru. 160x180) (*)

Una colección que se ha ido ampliando, modificándose y moviéndose con el transcurso del tiempo, vendiendo obras que le han ido interesando menos, y adquiriendo otras nuevas de los artistas con los que trabaja y/o representa, incorporados a las distintas fases de su galería.

El coleccionismo ha sido y es pues una actividad artística muy importante de su trayectoria profesional. y el que dió origen a todo Lo demás, a la galería, a los comisariados, a las becas otorgadas, a la dirección de ferias y/o certámenes artisticos, y viceversa. Es decir, si bien empezó siendo coleccionista, su trabajo como galerista, y su vinculación a determinados artistas, ha configurado su propia colección, toda vez que ambas funciones artísticas han estado íntimamente interrelacionadas.

Ese trabajo de décadas, La ayuda a la producción de obras, La interrelación intensa con los artistas, han favorecido la adquisición de obras, a Lo largo de Los años, por parte de Juana de Aizpuru, y le han permitido configurar una densa e importante colección de arte particular, donde se encuentran incluidas obras de algunos de Los artistas transcendentales del panorama internacional y nacional. Pudiendo decirse que dicha colección es una de las más importante privadas, no corporativas, del Estado español”.

Completamos la biografía de Juana de Aizpuru desde la apertura de su galería en Sevilla, en 1970: “En el año 1977 crea La Beca Juana de Aizpuru para artistas andaluces, que durará hasta 1984, consistente en una estancia de un año en la Casa de Velázquez de Madrid, además de una cantidad mensual que Juana proporcionaba a los artistas. Además, en 1979, realiza una muestra en El Cairo y en Alejandría con obra gráfica de los más destacados artistas españoles vivos, por la que recibe la medalla de Bellas Artes del Ministerio de Cultura Egipcio. Y en estos finales años setenta, concibió la idea de hacer una Feria de Arte Contemporáneo en España iniciando las gestiones para llevarla a cabo. Inaugurándose la primera edición de la Feria de ARCO en 1982, con gran éxito de participación de galeristas internacionales. Siendo Juana de Aizpuru su directora hasta el año 1986 inclusive, consiguiendo situar a nuestro país en el esfera ínternacional del arte contemporáneo, y que esta feria, que además suponía una ventana abierta al mundo artístico, se caracterizará, desde un principio, por la masiva acogida de público.

Un año después, en 1983, Juana de Aizpuru abre galería en Madrid, paralela a su galería de Sevilla, aunque esta sede la clausurará en el año 2006, y su reconocimiento internacional crece. Representa a un elenco de artístas muy consolidados en el campo de la fotografía, de la que es pionera en nuestro país, como Alberto Garcia ALix, Cristina Garcia Rodero, Carmela Garcia,... o los internacionales Pierre Gonnord, Wolfgang TiLlmans, Yasumasa Morimura. Andrés Serrano..., junto a grandes escultores de la talla de Miroslaw Balka. Jordi Colomer, Pedro Cabrita Reis, Georg Herold, Sol LeWitt, Fernando Sánchez Castillo o Franz West. Entre sus representados también se encuentran pintores de la calidad de Miguel Ángel Campano, Sandra Gamarra, Jiri DokoupiL. Rogelio López Cuenca, los hermanos Markus y Albert Oehlen, o Heimo Zobernig. entre otros, que exhiben sus trabajos codo con codo con otros artistas que usan nuevos medios tecnológicos: Eric Baudelaire, Dora Garcia, o Tania Bruguera.

Juana también estuvo muy concienciada por el corporativismo profesional de los galeristas, lo que le llevó a fundar la Asociación Española de Galerías de Arte Contemporáneo, de la que fue la primera Presidenta. Más tarde se crea la federación Española de Asociaciones de Galerías de Arte, de la que es cofundadora. Así mismo participó activamente en una movilización contra la nueva Ley de Patrimonio, efectuándose una huelga de Galerías de arte y consiguiéndose la reforma de la Ley en el Parlamento. Más tarde se crea la federación Española de Asociaciones de Galerías de Arte, de la que es cofundadora. Con el transcurso del tiempo, Juana. entre sus muchas facetas, ha sido miembro de comités internacionales y jurados de concursos, siguiendo ampliando además su trabajo al comisariado de exposiciones fuera de su galería, sobre todo en los años 80 y 90, en los cuales le fueron encargadas varias exposiciones por distintas instituciones, como, entre otras: “17 fotógrafos y la moda”, “17 artistas - 17 autonomías”, “Andalucinaciones”, etc. Además en el año 2003 crea la Fundación Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla (BIACS), de la cual fue directora gerente, teniendo lugar la primera edición en el año 2004, con un enorme éxito.

Producto de su importante trabajo como galerista y como impulsora del arte contemporáneo más actual, tanto dentro como fuera de nuestro país, se le han otorgado muy diversos premios y reconocimientos a lo largo de su larga trayectoria profesional, entre otros: el premio Dédalo de las Artes, en 1988; la Medalla de Oro de las Bellas Artes de Andalucía, en 1995; la Medalla de Oro de Bellas Artes de España, en 1998; siendo distinguida en el año 2007 con el nombramiento como Chevalier dans l'Ordre des Artes et des Lettres por el gobierno francés: en el 2009 con el Premio GAC de las Galerías de Arte de Cataluña; en el 2010 con el Premio a la Galería por la Fundación Arte y Mecenazgo; siendo nombrada en el 2011 hija predilecta de Andalucía, por la Junta de Andalucia. En los últimos años le ha sido otorgado el Premio al reconocimiento Arte Contemporáneo otorgado por la Asociación de Mujeres por las Artes Visuales 2014, y el Piñón de oro concedido por la Casa de Valladolid en Madrid, que le fue otorgada en un acto en el Ayuntamiento de Valladolid, a fines de 2016”

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(*) Para ver la foto que ilustra este artículo en tamaño mayor (y Control/+):
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