Ante la desesperante languidez de la actualidad cinematográfica, creo que es una buena ocasión la que brinda el cuarenta aniversario que se cumplió hace poco del estreno de La leyenda del indomable, y su salida en DVD conmemorativo, para aprovechar y matar dos pájaros de un tiro revisando una de las mejores películas carcelarias que se han rodado e ignorar unos estrenos que no merecen ni siquiera mención.
Sin ser una cinta redonda desde la óptica estrictamente artística, se trata de una obra tan legendaria en el mundo del cine como sugiere su título en español.
Parece mentira que el tiempo vuele de esta manera, pero han transcurrido ya veinte años desde que se estrenó Mujeres al borde de un ataque de nervios, el comienzo del idilio de Pedro Almodóvar con el espectador internacional que a día de hoy perdura. La cinta, con una estética claramente ochentera muy a lo Andy Warhol que tiene el estilo almodovariano, con esos característicos coloridos y los cuidadísimos escenarios -mención aparte merecen los maravillosos títulos de crédito y cartel, fiel e irrefutable seña de identidad-, fue coronada con los laureles de la Academia española con cinco Premios Goya –Película, Guión, Actriz principal (Carmen Maura), Actriz de reparto (María Barranco) y Montaje-, además de la nominación a otros once; pero el verdadero boom le vino por su nominación -comienzo de una gran amistad- al Oscar de Hollywood a la película de habla no inglesa, que finalmente no ganó.
Siempre me ha parecido que el pedante pontificado de muchos al calificar algunas producciones de Woody Allen como “trabajo menor” no hace más que reconocer el genio de esta histriónica figura con sombra alargada en el cine. Y es que cuando se dice que algo no está a la altura es, por definición, debido a que el listón está muy alto. Por supuesto, el prolífico realizador tiene obras mejores que otras, y siguiendo estrictamente la terminología, y aun con la lupa con la que se le suele mirar en la mano, se puede decir con total tranquilidad a prueba de detractores que Delitos y faltas supone una “película mayor” del neoyorkino.
El incisivo Billy Wilder clava con crueldad sus colmillos en el cínico y muchas veces hipócrita mundo del periodismo sensacionalista, que no se limita al mal llamado “del corazón”. El gran carnaval, tachada en su momento de antiamericana –como cada película cuya temática incomoda en yankilandia- supuso el primer gran fracaso en taquilla del genial realizador, pero el tiempo ha puesto a esta obra en su sitio.
Por Jessica Jones
Hará unas semanas pusieron en la tele una peli que, aunque ya había visto varias veces, no pude evitar volver a disfrutar. Era además un momento ideal para su visionado, aunque en los próximos días también resulta muy adecuado, ya que la historia comienza cinco semanas antes de Navidad, si no recuerdo mal, y acaba justo en Nochebuena, un periodo de tiempo en que el amor parece que se respira en el ambiente... Se trata de una de mis películas favoritas, Love actually, y es obvio cual es su tema central. Quiero hablar aquí de ella, no como profesional de la crítica, que no lo soy, o para diseccionar sus aspectos artísticos y técnicos en profundidad (aunque me gustaría resaltar la banda sonora desde ahora mismo), sino sólo como espectadora a quien le gusta esta obra.
Marga (Emma Suárez) es una chica que no ha tenido demasiada suerte en la vida: con su futuro encarrilado y embarazada recibe el mazazo de la muerte de su novio en accidente de tráfico. Sin embargo, es luchadora y tiene motivos para ello, así que pelea por un hueco en este mundo de codazos y empujones, y por huir de ella misma con su infelicidad atada a un tobillo como si fuera un ancla. Poco después conoce a Iñaki (Juan Diego Botto), un encantador artista con diez años menos que ella y con el que conecta como pensaba que sólo ocurría en las películas. Ambos se enamoran, y ahí comienza un nuevo problema, ya que Iñaki es gay…
Seis de junio de 1944: la invasión aliada de Francia a gran escala está a punto de marcar el comienzo del fin de la hegemonía nazi sobre Europa. Tres millones de soldados, once mil aviones y cuatro mil barcos supusieron el mayor despliegue bélico de la Segunda Guerra Mundial. Y El día más largo supuso también uno de los mayores despliegues cinematográficos de su época –con dos Oscars en 1962 a la mejor fotografía y mejores efectos especiales-, y hoy es el gran clásico sobre el día D en Normandía.
Las tres horas que dura el metraje se dividen claramente en más de una de tensa y magistral calma que precede a la tempestad, con los soldados preparándose para la contienda, enseñando caras y almas de las personas que van a matar y morir; y por otro lado en otras casi dos horas de trepidante acción, ensalada de balas, barcos, aviones y cuerpos inertes.
La habitación del hijo
Palma de Oro en Cannes en 2001, la más que solvente cinta del ególatra y a veces genial director italiano Nani Moretti, pretende (y en mi opinión logra holgadamente) mostrarnos una historia sencilla, aunque en absoluto simple, enormemente cargada de emotividad contenida sin caer en la sensiblería melodramática ni la lágrima fácil. Nos relata de manera verosímil y con exquisitez cómo una familia acomodada va a tener que enfrentarse a sus propios sentimientos y a un crucial acontecimiento que perturbará su quizá demasiado ideal armonía. Este hecho los cambiará a todos para siempre.
Hace poco comentaba esta película con alguien que me decía que le parece un soberano tostonazo, que su protagonista es un asno y un chalado que no sabe ni expresarse más allá de su música, tan excéntrico como el director de la cinta, y que le dice muy poco una supuesta historia de amor en la que apenas ocurre nada y casi ni hay diálogos. Siempre he sido de los que dicen por convicción que el libro de los gustos está esperando la firma de cualquiera, y reconozco que en alguna de las exageradas afirmaciones comparto el enfoque; salta a la vista que la extensión del director dentro de la pantalla en la figura del actor británico David Thewlis es irreal a más no poder, y también se vislumbra algún “exceso de genialidad” en el abrupto y barroco montaje para una historia tan sencilla y terrenal como ésta. No obstante, en poco más puedo estar de acuerdo, ya que creo que en Asediada es una maravilla la naturalidad de la que Bernardo Bertolucci hace gala al dibujar con su característico don para el manejo de la cámara –de antología son el giro en el que la protagonista se queda dormida y el fundido de la espuma de cerveza- y una perfecta elección musical, esta tierna y humana historia de amor como mandan los cánones: poquito a poco, saboreando y sufriendo cada uno de los pequeños detalles.
Se antoja de lo más paradójico afirmar que John Ford, el incuestionable rey del western, se aleja de lo convencional del género en prácticamente todas las películas que le dedicó. Es precisamente su personal estilo de filmar, por encima de estereotipos y cánones lo que hace que hoy se recuerde como uno de los más grandes: soy “fordiano”, a la vista está, y lo afirmo sin ningún complejo.
La pasión de los fuertes, o mucho mejor My darling Clementine, su título original, que tiene mucho más sentido en el contexto de la historia, refleja de personalísima manera y con numerosas licencias una de las múltiples visiones del famoso duelo de O.K. Corral, acontecido en la no menos famosa ciudad de Tombstone, en Arizona. Henry Fonda, uno de los mitos del cine que menos venero, interpreta majestuosamente (es de justicia reconocerle este mérito) a Wyatt Earp, antiguo agente de la ley de Dodge City y ganadero junto a sus hermanos, que acepta el puesto de sheriff de Tombstone cuando en las afueras matan a su hermano menor y le roban el ganado. Allí hará amistad con Doc Holiday, un diestro y afamado pistolero, y conocerá a la guapa Clementine, que acaba de llegar a la ciudad con un propósito muy claro…
Un lugar en ninguna parte
Es muy frecuente el hecho de tener idealizada una película que viste hace mucho, que con el paso de los años te replantees por qué narices te gustaba, y que ahora te resulte imposible de digerir. Sonríes nostálgico y te avergüenzas del pavo que tenías encima en tus años mozos para que te calara semejante pastelón, o aquella sobredosis de acción con protagonistas hasta las cejas de esteroides y la expresividad de una estatua de cera.
Vi por primera vez Un lugar en ninguna parte, del gran artesano Sidney Lumet (Serpico, Asesinato en el Orient Express, El abogado del diablo) cuando no era más que un crío, y se convirtió en una de mis obras-fetiche, muchas de las cuales he ido repudiando por sensatez o vergüenza torera con la edad. Hacía años que me apetecía volver a verla, con la misma intensidad que temía encontrarme con la fría realidad y descubrir una cinta diferente a lo que recordaba; y al fin, el otro día cayó en mis manos.
Es cierto que con Berlín Occidente no tenemos entre manos una de las obras consideradas más importantes de la filmografía de Billy Wilder. Claro que hay que tener en cuenta que ya quisiera hoy la mayoría de los creadores firmar cualquiera de los trabajos “de segunda línea” del gran maestro del cine.
La suavecita y poco convincente historia romántica entre un capitán de la armada americana asentada en Berlín tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial y una congresista que se traslada allí para observar la moral de las tropas no se encuentra a la altura de obras de arte como Con faldas y a lo loco, El crepúsculo de los dioses o, sobre todo, El apartamento. Sin embargo, la trama principal y base de la historia, no es el aspecto más interesante a tratar de este film.
Sábado, 21 de noviembre
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Juan Fernandez Krohn
Siro López
Marie-José Martin Delic Karavelic
Juan Luis Recio
Julián Moreno Mestre
Ángel Sáez García
Carlos Ferrer
José Donís Català
Chris Gonzalez -Mora
Juan Carrasco de las Heras
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