Es del todo paradójico observar que aquellas segundas o terceras partes de películas que han tenido mucho éxito llevan el número que ocupan en la saga con orgullo y como garantía de rentabilidad y, sin embargo, a partir de la tercera entrega, un pudoroso velo impulsa a sustituir dicho número por un sobrenombre que la desmarque del resto para evitar dar imagen de seudoproducto diluido por el tiempo. Si no fuera porque nada tiene que ver con que la cinta que nos atañe está protagonizada por Tom Cruise recreándose en sí mismo a tortas y tiros para desayunar, se podría decir que lo de Protocolo Fantasma le viene que ni pintado, pero dejando aparte bromas fáciles puestas a huevo, la adrenalínica patochada, como era de esperar, se aúpa a lo más alto del ranking taquillero.
Como excusa para introducir a los robots, verdaderos objetivos de los focos de esta película, partimos de un futuro cercano en el que precisamente los robots son lo único diferente a nuestros días. En dicho escenario, el boxeo ha dejado de ser cosa de humanos porque el público “quería más sangre y violencia”, fíjense que “tontá” más gorda (si me dijeran que era en pro del espectáculo, que se trataba de una derivación más hacia la pirotecnia que al deporte, todavía, pero lo de buscar más sangre…); así las cosas, robóticos son los argumentos de púgiles que ahora ya no se enfundan guantes, sino que se colocan junto al ring, mando a distancia en mano, para jugar con su megajuguete a control remoto.
Hay un dicho popular, siempre verdades como puños, que asegura que el tiempo es oro, y partiendo de la condición mortal del ser humano, In time propone un futuro en el que se descubra un remedio contra el envejecimiento. Cuando se llega a los veinticinco se permanece con el aspecto que se tenga sin alcanzar la edad de la decadencia física, lo cual es todo un hallazgo; sin embargo, dado que no cabríamos todos en la Tierra y que la cosa no sería muy nuestra si no se lucrara alguien a costa de otros, el tiempo de vida se transforma en moneda de cambio y fuente de riqueza para que unos vivan con opulencia eternamente y muchos parezcan el conejito de Alicia en el País de las Maravillas con el tictac del reloj acercándole cada día a su final. La clave, dormir poco, trabajar duro a cambio de pocas horas que sumar a tu reloj y que nadie te lo arrebate.
Cuestión de sexo. En torno a ello giran todas las complejidades mentales y emocionales del ser humano, o al menos era lo que el ilustrísimo Sigmun Freud predicaba a gritos con sus teorías, doctrinas y experimentos. El director David Cronenberg, uno de los más reputados de la actualidad con trabajos como Una historia de violencia o Promesas del Este en su equipaje, se apunta a esta particular y recurrente obsesión (en realidad siempre ha sido una de los mimbres de su cine) rodando con convencimiento y seguridad una cinta hipnótica de actores y actrices en el punto álgido de sus carreras interpretativas.
Un spin-off, como seguramente sabrán, es un momento de gloria individual que se le otorga a un personaje secundario con gancho, algo que suele estilarse en las sagas de superhéroes y cuya fórmula permite a aquellos que exprimieron Shrek hasta hacer que se arrastrara por los cines con pena y sin gloria, colocar un clavo ardiendo en momentos de vacas flacas. La imaginación al poder para estirar el chicle, pero el caso es que El gato con botas mejora las últimas desventuras del ogro verde; eso sí, sin llegar ni por asomo a las cotas de mérito que copa Pixar.
Padezco una incesante compulsión que me arrastra a ver al menos una película a la semana y ante el peligro de convulsiones, espasmos y pérdida total de la cordura he evitado acercarme a menos de quince metros de cualquier sala que exhibiera algo relacionado con Crepúsculo, así que a falta de "estreno de la semana" en mi menú, me pareció buena idea dar con mis huesos en el último trabajo de William Monahan, a su vez primer intento en la dirección. Monahan, reputadísimo guionista ganador de un Oscar por Infiltrados (bajo mi punto de vista bastante arrastrado por una ola de sobrevaloración que invadió a Hollywood a favor de premiar a Martin Scorsese afrentas pasadas), y también firmante del libreto de la infame El reino de los cielos entre otras, muestra su sabiduría sobre los bajos fondos que suponen la pecera en la que nada a la perfección.
Casi tan peligroso como encerrarse con un vampiro en una habitación para hacerle preguntas puede llegar a ser el hecho de entrevistar en los años sesenta en Mississippi a las criadas, todas de raza negra, por supuesto, de un entorno de clase alta determinado; se puede uno hacer cargo del peligro que esto conlleva, no sólo para las entrevistadas, que tendrán mil secretos que relatar, sino también para sus empleadores. Tampoco resultará sencillo si la entrevistadora es una muchacha de la zona también con criada y con amistades agraviadas que acaba de volver de la universidad y decide comenzar con semejante osadía su carrera de escritora profesional. Por supuesto, los cimientos sociales se verán sacudidos y las relaciones entre vecinos convulsionarán con el descubrimiento de “algún que otro secretillo”…
Tratándose de triunfadores tan dispares como Steven Spielberg, Peter Jackson y Hergé, pero a la vez con un espíritu aventurero puro y limpio en común, a la antigua usanza, los creadores de Indiana Jones, la trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos y Tintín se unen para dar a luz la primera adaptación animada en stop motion de la obra del reportero con tupé más famoso del mundo; ello ha sido bajo la batuta realizadora de Spielberg, aunque él mismo reconociera, ironías del destino, no haberse introducido en sus páginas hasta bien crecidito. Finalmente y tras darle varias vueltas a los roles finales, Peter Jackson, que parece más decidido a rodar la segunda entrega ya en proceso, se ha conformado con la producción de la cinta, ya que El Hobbit tiene demasiado acaparado su tiempo en la actualidad.
Dicen que la historia la cuentan los vencedores (aunque también se asegure de que todos salen perdiendo, es cierto que unos más que otros), pero en este país de artistas con tan activistas ideales son ellos los que se encargan de recordar de manera recurrente y desde su respetable punto de vista los horrores de una vergonzosa guerra fratricida que va quedando atrás con el paso de las generaciones. Cierto es que la subjetividad no tiene por qué ser un defecto en el cine, porque la verdad absoluta no existe y porque no es nada malo retratar un hecho histórico desde el punto de vista que al retratante le dé la real gana, faltaría más. Lo que ocurre es que en lo rigurosamente cinematográfico, que es lo que en realidad me interesa analizar de La voz dormida, la temática de la España de posguerra con ojos rojos de llorar antes de seguir llorando un poco más, de tan visto que lo tenemos se convierte en un inconveniente de salida.
Luis Tosar cuenta con la ventaja inicial a la hora de interpretar al malo de la película de un rostro que da miedito sin necesidad alguna de efectos especiales o de sonido. Aunque es perfectamente capaz de dar vida a personajes como el de La flaqueza del bolchevique, alejado de ese aroma a maldad que le suele acompañar, sus grandes éxitos profesionales podrían perfectamente compartir pabellón en una cárcel de máxima seguridad.
Hace tiempo que se me desgastaron los dedos de escribir que una película podía verse perjudicada por numerosos detalles, pero de ninguna manera tiene posibilidades si su guión no es tomado en serio. Y especialmente serios aunque suene raro a priori son los guiones de las comedias, por su dificultad y la facilidad de caer en el cliché o la risa tonta que toma al espectador por zombi que se ríe cuando le dicen que lo haga; peor aún es que la avalancha de risas de laboratorio con marca registrada logren maleducarnos para que sonriamos a lo que pasa por delante de nuestros babeantes morros porque toca, sin un mínimo de calidad exigible. Hay que recordar que Con faldas y a lo loco es una comedia de lo más académica y no insulta a la inteligencia de nadie. Todo lo contrario. Pero eran otras formas de concebir este negocio.
Asuntos de distribución hacen llegar a los cines españoles con casi año y medio de retraso y en una época bastante intempestiva (casi podrían haber esperado un mes más y tener las navidades en puertas) esta maravilla audiovisual del dibujante y animador Sylvain Chomet, nominada el año pasado al Oscar (se topó con Toy Story 3) y al Globo de Oro, además de ganadora del César y el Premio del Cine Europeo en la categoría de animación.
Desde la exitosa irrupción de Celda 211 no lograba una película española acaparar toda mi atención, y da la casualidad de que se vuelve a tratar de un thriller, lo cual no es poco, porque si el género suele dar con cuentagotas destellos de interés (en comparación con el número de producciones al año de factura industrial e idéntico rostro), especialmente tortuoso ha resultado el camino de la acción con suspense y credibilidad en el pasado del cine patrio.
Él, un chico sensible, guapo y muy divertido al que constantemente dan ganas de achuchar; ella, el amigote perfecto para acompañar de juerga, pero en mujer. Ambos se encuentran casi por casualidad y conectan de tal manera que deciden no separarse, además de tener un espectacular sexo sin ningún tipo de compromiso como primer y más importante mandamiento. Tan ideal es la situación que si te lo cuentan, automáticamente piensas que es un sueño, la fantasmada de alguien o, vamos al quid de la cuestión, un guión manido de Hollywood.
Se hace insólito que apenas en los albores del curso cinematográfico (el verano, salvo raras excepciones, no cuenta) estemos hablando de una cinta que a buen seguro ocupará un merecido lugar entre las mejores del año. Esta apasionante película, a la altura de las mejores del género de espionaje, sorprende por la solidez y consistencia de un guión extremadamente cuidado y de un trabajo interpretativo de primera línea que impregnan de credibilidad una impecable adaptación a cargo de Matthew Vaugh (Stardust, Kick-Ass, X-Men: Primera Generación) del metraje israelí llamado Ha-hov (2007), y que dirige con cierta carencia emotiva el realizador John Madden (Shakespeare in love).
Aunque en la mayoría de las ocasiones se antoje tarea tan osada como difícil, ver una película sin tener idea de su argumento puede llegar a ser un gran placer, afirmación con la que coincide el famoso autor de La piel que habito; y es verdad que en el caso del siempre original cine de Pedro Almodóvar, ir con la mente limpia de polvo y paja suele ser un añadido. Es por ello que, fiel a esta idea, evitaré referencias argumentales que puedan convertirse en un incordio para futuros espectadores de la cinta.
Se pone uno a otear la cartelera, buscando sin demasiadas expectativas, que en estas fechas ya se sabe que no hay que ponerse exquisitos, pero aun así, el tema anda famélico tanto en calidad como en cantidad de estrenos. Se podrán hacer cargo, visto el panorama, de que no me salga del alma acercarme al cine y tire de salvadora videoteca cuando la actualidad no hace méritos para que le demos un repaso.
Hace tiempo que tenía ganas de visionar Una historia del Bronx, exitoso debut como director de Robert De Niro en 1993,
Se nota que Steven Spielberg se siente como Peter Pan con zapatos nuevos metiendo su alargada zarpa en este tipo de películas, porque su sello es innegable, pero parece demasiado ocupado los últimos tiempos con su próximo estreno de la esperada película de Tintín, o simplemente muy cómodo siendo "la mano que mece la cuna" de los trabajos que firman otros. En resumidas cuentas, se nos ha vuelto un productor de talentos y solo asoma los morros cámara en mano cuando el proyecto realmente le apetece mucho y cuadra en su agenda
El fundamento de la ciencia ficción reposa en dar rienda suelta a posibilidades irreales con la suficiente base racional como para que el espectador introduzca su mente en la trama abstrayéndose de que, como es normal, los tipos con disfraz de justiciero no acechan por las esquinas, los extraterrestres no campan a sus anchas por el jardín de nuestra casa o los simios no pueden dominar el mundo. El buen cine de este género se toma en serio lo que cuenta como base de la pirámide y, detalles que gusten más o menos aparte, el trabajo del realizador británico de nuevo cuño Rupert Wyatt (no hay que perderle la pista) cumple con lo expuesto con solvencia y gran descaro.
Capitán América era el único personaje que faltaba por presentar de la muy esperada y elaborada cinta de Los Vengadores, de estreno en un futuro cercano, y seguramente eso es así porque se trata de una figura altamente delicada de plasmar en la gran pantalla sin caer en la caricatura. Se nota que la labor de planificación previa al rodaje y el cuidado de los detalles han sido largos y dificultosos, ya que el resultado final logra captar la esencia del cómic en el que está basado sin rechinar demasiado, centrado el proyecto en una estética retro (gran acierto focalizar la acción en la Segunda Guerra Mundial sin caer en el "setenta años después…") impecable y polvorienta, así como en un divertimento puro del espectador; para ello se ha contado en una estupenda tarea de casting por parte de los productores (Marvel está cuidando mucho estos temas en sus películas últimamente) con Joe Johnston (Rocketeer, Jumanji) un especialista en atmósferas fabulescas de anticuario que encaja su sello personal a la medida del dedo del gran héroe americano que se convertirá en el alma del grupo de superhéroes más famoso, pero sin caer en patrioterismos peinados con brillantina.
DC Comics, pioneros en sacar interés y beneficio a las adaptaciones en la gran pantalla con los recordados Superman y Batman allá por los ochenta, se ha visto relegada a hermana tonta de Marvel en los últimos tiempos, asistiendo a la hegemonía de esta última que, salvo excepciones, ha ido beneficiándose del imparable avance digital y tomándole el pulso a "churrear" sus personajes en el cine; ello está promoviendo que nos encontremos en lo que ya muchos llaman "era superheroica del cine", con estreno de varias cintas de este tipo cada año hasta llegar a un punto de exceso.
Agoreros según algunos, visionarios según otros, expertos en el ámbito del cine todos ellos, se ponen de acuerdo en pontificar sin que les tiemble la voz que el cine tal y como lo conocemos está condenado a morir y no se puede hacer otra cosa que retrasar lo inevitable. Los exhibidores son especialmente los que se quejan con mayor amargura y también los que se niegan a que la cadena de este arte centenario se rompa precisamente por su eslabón, pero lo cierto es que salvo monstruosas excepciones de diseño y bestiales presupuestos invertidos en publicidad que maquillan las cifras en todos los sentidos, el espectador pasa cada vez más olímpicamente de la concepción de cine para otra cosa que no sea engullir palomitas y matar un rato de aburrimiento combatiendo el clima de la calle. Pero casi mejor no buscar culpables de la falta de respeto a una palabra que ha sido y siempre será sinónimo de Ciudadano Kane, Bogart, Hitchcock, La diligencia o Tarantino, porque se trata de un círculo vicioso en el que creadores y público han acabado alimentando las actuales tendencias de mercado casi por igual.
Todo tiende a llegar a su fin, y por mucho que los productores lo retrasasen, tenía que ocurrir, y las aventuras del mago por excelencia del cine y la literatura (que empezó de niño y ahora tiene barba de varios días), o al menos el más popular, acaban en esta segunda parte de Las Reliquias de la Muerte, apocalipsis de cierre con mucha magia y un cierto aire épico a El Señor de los Anillos.
Resacón en Las Vegas es una película honesta y poco pretenciosa, con gancho y sentido del humor gamberro y de guante blanco que no daba peras recogidas de ningún olmo, pero que tocó de lleno la tecla del éxito con un guión ágil y unas situaciones delirantes de los sufridos protagonistas que solo pretendían divertirse en una despedida de soltero.
Desde su estreno en 2009 la cinta recaudó en todo el mundo más de 450 millones de dólares, siendo su presupuesto de unos 35: sobran las palabras. Con semejante resultado, la segunda parte era obvia, y tanto se ha querido respetar la fórmula del éxito que se ha prohibido claramente desde cúpulas financieras que se estropee el asunto variando un solo ápice lo que enganchó al espectador de a pie de igual manera que al experto que aportó alabanzas y numerosos premios. Eso hace que se vuelva a explotar la premisa de los amigotes que tienen un excesivo concepto de pasarlo bien y se van de desinhibida despedida de soltero (uno de los muy idealizados sueños masculinos de liberación; así de simples somos), con la consiguiente juerga histórica y la hora y media de metraje intentando rellenar las lagunas de memoria.
Si existe algún ser en la faz de la Tierra que haya disfrutado la tercera parte de Transformers, para gustos los colores, tiene todo mi respeto, aunque le recomiendo que no siga leyendo si sufre de ataques de susceptibilidad espástica, que no quisiera yo hacer mella en salud alguna. Generalmente no suelo comentar películas metralleta en mano, porque siempre doy el reconocimiento del esfuerzo a cualquier proyecto, aunque salga mal, pero esta vez haré una excepción. Con el demencial presupuesto que maneja esta saga y con los ilustres nombres que la firman (Michael Bay y Steven Spielberg), bien podrían haberse molestado en invertir algo (lo que fuera, ya mejoraría el resultado) de dinero y tiempo en redactar un boceto de guión, y no confiar en que la pirotecnia apabullante y espectacular, todo hay que decirlo, iba a nublar la razón del que la apreciara para que lo de menos fuera si se nos estaba contando algo o no.
El cine argentino, del que ya sabrán que soy incondicional, tiene algo cercano a la magia que es justamente envidiado en países como el nuestro, ya que no resulta tarea sencilla que el público en lo mayoritario de la palabra se muestre en comunión con el resultado que la industria (por pequeña que sea, es buena y conecta con las personas) plasma en la gran pantalla. Y el caso es que la gente no es idiota, y si estos datos son así, no es por otro motivo que un trabajo tenaz y creativo en el que las historias están bien hilvanadas, son ingeniosas y suplen falta de medios económicos con excelentes actores y pizcas de esa salsa agridulce que aliña a la vida y de la que, será por carácter, será por sufridores, por alma melancólica o por espíritu artista, los argentinos retratan como nadie. Por algo el film ha arrasado en la taquilla argentina y se está bañando en elogios del resto del mundo, el verdadero sueño dorado de aquellos que idean el asunto.
El enorme atractivo que envolvió la primera entrega de Kung Fu Panda fue ese equilibrio constante entre la comicidad y la seriedad, ambas facetas con gancho para recoger los aplausos de todas las edades, el resultado que en realidad persiguen (lográndolo sólo unas pocas afortunadas que pasan a formar parte de un exclusivo club) todas las producciones de este tipo.
Saoirse Ronan, la chiquilla cuyos casi inexpresivos ojos glaciales llamaron la atención de los espectadores de Expiación o Camino a la libertad, tiene ahora algunos años más y se ha convertido en una muchacha que encarna un brutal personaje de acción como raramente se había visto con anterioridad; y lo hace de la mano de Joe Wright, el director que precisamente sacó lo mejor de ella en la citada Expiación y también responsable de Orgullo y prejuicio (significativo cambio de registro el que da con esta obra de acción por los cuatro costados).
Para tratarse de la precuela de una saga (casi nada), uno podría esperarse que los orígenes de los mutantes más famosos del cómic y también del cine salieran bastante peor parados que en esta Primera generación que corre a cargo de Matthew Vaughn (Stardust, Kick-Ass), realizador británico bastante competente que da buen uso al enorme presupuesto de la empresa.
El negocio de las macrosagas con presupuesto mareante y mayores beneficios taquilleros funciona de la siguiente manera: una primera parte con gancho, que salga bien, la publicidad (mucha) adecuada y un merecido boca a boca viene a enlazar con tantas secuelas como dicte la ley del exprimidor; mientras la gente se acerque al cine a ver la sucesión de entregas, sin darle demasiada importancia a arrastrar el producto, todo perfecto, hasta que finalmente en la penúltima entrega el público sale del cine indignado y jurando en arameo que no volverá, aunque haya picado hasta ahora. Ello se traslada a un bajón enorme en los beneficios de la siguiente entrega, lo cual significa el final del jugo del limón y la muerte de la susodicha saga. Una pena que las cosas acaben yéndose por la puerta de atrás, pero ya se sabe lo que prima.
A estas alturas, muy pero que muy original tiene que ser una película de abogados e investigación para que sorprenda con algo nuevo, y no es el caso, pero es un verdadero gustazo asistir sin movernos del asiento a un proyecto interesante y bien llevado en todos los aspectos como El inocente.
Me juego los gayumbos de la suerte a que más de uno de aquellos ofendidos de profesión que en su momento echaron aceite hirviendo a Woody Allen para que saliera pies en polvorosa de España ahora harán ejercicio de coherencia aplaudiendo esta cinta por el sencillo motivo de que a todo el mundo le ha gustado. Los argumentos que hacían que Vicky Cristina Barcelona "fuera un desastre" porque parecía una guía turística en vez de retratar los encantadores escondrijos menos conocidos internacionalmente de la Ciudad Condal (como si los protagonistas no fueran precisamente eso, turistas) seguramente serán más correctos vistos desde la óptica foránea, con un poquito más de perspectiva; porque la sucesión de postales parisinas con la que comienza esta exquisita comedia existencialista, unida a una música que llama la atención por su protagonismo, es toda una declaración de intenciones, impregnando de nostalgia y romanticismo a los que estamos al otro lado de la pantalla y a los que este simple empujoncito nos basta para entregarnos a la historia.
Actor, guionista, productor y lo que se tercie, John Wells explora ahora su faceta de director a los mandos de una oportunista realización sobre el apenas de actualidad mundo del desempleo.
The company men trata el asunto que afecta a tantísimos millones de personas desde la óptica de un alto ejecutivo que vive a cuerpo de rey y se sabe o cree un gran triunfador… hasta el inesperado e impactante día en el que le llaman de la sección de recursos humanos para darle una patada en el trasero, agradecimientos y los mejores deseos futuros: en otras palabras, ponerle de patitas en la puñetera calle por recorte de personal y para que los cargos más altos aún que él cuadren números y los beneficios (y consiguiente ritmo de vida) no dejen de crecer. Por algún sitio se tiene que romper la cuerda.
Que Marvel en su faceta cinematográfica ha optado en los últimos tiempos por la coherencia y la seriedad se evidencia cada año, y los aficionados tanto a cómics como al cine agradecemos el esfuerzo, ya que, con mejor o peor resultado, no se puede acusar a nadie de incoherente o de falta de recursos en cada una de las empresas.
Es tan así que ya desde Iron Man vamos viendo enlazarse, eslabón por eslabón, a las cintas que cada año pone la compañía superheroica en las salas de cine, diría yo que para desembocar en un éxtasis final llamado Los Vengadores, cuya puesta de largo se está preparando con el mimo y la tranquilidad que se merece, y a las presentaciones de un gran Iron Man en la piel de Robert Downey Jr., añadimos este mismo año el estreno de Capitán América, y de Thor el personaje que hoy nos atañe.
Ciencia-ficción con teorías inexplicables, tecnología punta y saltos temporales nos aborda con esta historia en la que Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain, Zodiac, Hermanos), un condecorado héroe de guerra, se pone en la piel de Bill Murray en Atrapado en el tiempo, pero a lo dramático, y en su particular Día de la Marmota es enviado una y otra vez al vagón de un tren a punto de explotar para localizar al terrorista responsable del acto. La dificultad reside, aunque puede intentarlo en repetidas ocasiones, en que el protagonista sólo dispone de ocho minutos para la empresa.
Una pequeña pastillita es capaz de cambiar la vida de toda una sociedad. Generalmente los adelantos más populares suelen ser de tipo copulativo (es nuestra naturaleza, qué le vamos a hacer), pero imaginen por un segundo que exista una píldora que nos permita desarrollar el lado desaprovechado del cerebro, nada menos que el ochenta por ciento (también va en nuestra naturaleza lo de desaprovechar las cosas, desgraciadamente).
En varias ocasiones se ha comentado desde este rincón la tendencia que tiene el cine a moverse a ritmo de modas temáticas; cuando “toca” una ambientación concreta, tenemos como mínimo dos cintas que parecen primas hermanas, ya sea de robos, magos, persecuciones o, como el caso que nos atrae a nuestra cita semanal con el a veces sobreestimado séptimo arte, de legionarios, pero que a nadie se le venga la cabra a la mente, que nos referimos al cine de romanos, y más en concreto, a la querencia que casualmente (originalidad al poder) han mostrado dos coproducciones británicas por la novela que relata la desaparición en tierras bretonas de la mítica Novena al servicio del emperador Adriano. Nos referimos a La última legión, cinta de hace un par de años que pasó de puntillas por la cartelera, y La legión del águila, que focaliza nuestra atención y que sospecho que gozará de idéntico éxito.
Cuando una película se define como “comedia romántica” lo normal es echarse a temblar, porque seguramente se trata de la ficción sin orden ni concierto zambullida en clichés que estamos saturados de aguantar; simplemente se suele hacer un trabajo cuidadoso de casting, se somete a los personajes a una historia que haga sonreír y se busca que la química entre ambos con final feliz cale en el indefenso centro sensible del espectador al que pille tontorrón. Pero no son suficientes argumentos, como en cualquier género, si verdaderamente no existe un buen argumento detrás. Ivan Reitman, director en tiempos mejores de la gloriosa Cazafantasmas, se pasa tras unas décadas de irregular trayectoria al cine dietético con esta burda comedia facilona que se ampara en una de las mayores mentiras de la humanidad: los amigos con derecho a roce y sin ataduras de ningún tipo.
Kathy, Tommy y Ruth son tres muchachos que residen en un internado muy británico a los que unen unos lazos emocionales que van creciendo cada día que pasa casi al mismo ritmo que ellos mismos. Los sentimientos afloran irremediablemente y acaban siendo los vértices de un tortuoso triángulo amoroso, y ya se sabe que esas cosas no suelen acabar muy bien.; por otro lado, a medida que vamos observando detalles de la cinta en sus primeros compases nos damos cuenta de que hay algo muy, muy extraño que se oculta como trasfondo y que tiene las vidas de los tres protagonistas más que controlada y decidida. Así van haciéndose adultos y complicándose sus relaciones con el entorno cada vez más…
El western es un género paradójico, ya que lleva muchos años en serio peligro de extinción, pero cuando alguien se atreve a ponerle el gorro y las espuelas a los actores, suele salir algo de éxito y, si me apuran, también de calidad casi asegurada. Bailando con lobos, Sin perdón, Open Range o Valor de ley entre otros premiadísimos ejemplos son los grandes bastiones de una ambientación que ha pasado a ser una delicatessen que se niega a morir.
El visionario (y loco por igual) artífice de un western de animación con protagonistas animales es Gore Verbinski, conocido por ser el director de cintas como The Mexican, El hombre del tiempo o las tres entregas de Piratas del Caribe, y a lo excéntrico de la premisa, ya puestos a ser raros, hay que añadirle unos bandazos argumentales surrealistas que la convierten a la vez en deliciosamente única y desesperante en más ocasiones de las tolerables.
Minority report, Desafío total o Blade Runner son poderosos ejemplos de que la mente de Philip K. Dick ha sido siempre un filón para el mundo del cine, y con mayor o menor acierto, sus relatos son fuente de la que siempre está bebiendo el cine de ciencia ficción. Con claros toques a lo Show de Truman, Matrix y Con la muerte en los talones a la vez (aunque la mezcla se antoje algo difícil), el trabajo que firma George Nolfi (Ocean´s Twelve, La sombra de la sospecha, El ultimátum de Bourne) se rodea del el atractivo de una idea resultona aunque un tanto pueril y un interés que es inversamente proporcional al conocimiento que se tiene de lo que realmente está ocurriendo ante nosotros; en otras palabras, que se acaba el misterio y la cosa pierde alarmantemente la gracia, pero mientras dura el mismo, todo funciona muy bien (como la vida misma).
Pasada la resaca de la sucesión de los estrenos señalados como los mejores de un año que ha acabado siendo realmente satisfactorio por la cantidad de trabajos con notable calidad, llega la hora de volver a la fría realidad de lo menos excelso, no siempre desechable, y de vestirse de explorador para escarbar en la cartelera en busca de emociones, evasión, entretenimiento o lo que quiera que cada uno le saque de positivo al sano ejercicio de pasar un rato en el cine. Precisamente puede que tenga alguna influencia esa comparación con los pesos pesados del curso cinematográfico pasado la defenestración sin paliativos a la que la cinta que nos atañe ha sido sometida por la crítica, en especial medida la estadounidense, lo que resulta más llamativo; sin embargo, la opinión del que suscribe es algo más comprensiva, reconociendo de igual manera tanto los burdos defectos de la producción como ciertos toques “aventurescos” a lo Robin Hood, príncipe de los ladrones agradables de seguir durante el nudo de la historia.
Inquietante y muy turbadora se presenta la última producción del talentoso Darren Aronofsky (saltó al estrellato con The wrestler, redención de Mickey Rourke con su carrera interpretativa). La complicada (que no compleja) historia apunta sus focos hacia una bailarina de élite de una importante compañía de ballet en Nueva York; compite por el papel de protagonista en El lago de los cisnes, y la presión que ello supone, el esfuerzo extenuante, su tortuosa relación familiar y una obvia inestabilidad emocional previa están haciendo que su psique sucumba y mezcle peligrosamente la realidad con el fruto de una mente que comienza a dar signos de estar claramente perturbada. Todo ello se refleja en un torbellino apabullante de ilusiones y sombras chinescas que hace removerse al espectador en la butaca de igual forma que lo desconcierta, lo hace odiar la producción e igualmente cautiva a aquel que se atreva a dejarse llevar en el psicotrópico viaje inverosímil de situaciones demencialmente desmedidas.
Esta original propuesta de terror psicológico de ínfimo presupuesto supone la inauguración de un proyecto del género conformado por varias cintas que abriga la capa de M. Night Shyamalan con su idea y dinero, que para el caso específico, es lo que importa. El eficiente jornalero escogido para rodar el asunto ha sido John Erick Dowdle (Quarantine), con escasos méritos hasta la fecha y buen hacer a la hora de plasmar la tensión de una cinta que si no se hubiera tratado con suma inteligencia en su elaboración y tratamiento del ritmo podría haber caído fácilmente en el tedio.
El día que un emocionado John Wayne subió a recoger su único Oscar (sin contar el honorífico) dijo en su discurso que “si lo llega a saber se tapa el ojo antes”, y es que el papel de Rooster Coghburn es un caramelo listo para comerse, que le otorgó el preciado galardón a un Wayne imperial e inolvidable y que, de momento (que le quiten lo bailado) ya ha aportado a Jeff Bridges, muy digno heredero, una nominación cuarenta y dos años después. Como para discutir que el personaje tenga fuerza…
Inspirada en hechos reales, The Fighter (título con obvio doble sentido) supuestamente narra la montaña rusa en la que se convirtió la vida de Dick Eklund, un boxeador que pasó del estrellato al abismo de las drogas y la delincuencia; pero, en realidad, en lo que se centra esta producción es en el tortuoso camino de su hermanastro Micky, a la sombra de una familia (sobre todo por el citado hermano adicto, también su entrenador) que le dicta el destino con tanto cariño como mal ojo. Es por tanto la pelea del protagonista en dos frentes: llegar a ser lo que siempre ha soñado, alguien en el mundo del boxeo, y por otro lado el sentimiento de arraigo familiar que le está perjudicando seriamente hasta el punto de obstaculizarle de manera casi irremediable su carrera deportiva. Se trata pues de una dramática exploratoria de superación y de las siempre delicadas relaciones familiares, amor a fin de cuentas, el gran punto débil del ser humano.
Desde tiempos de La fiera de mi niña, con los inmensos Katharine Hepburn y Cary Grant, el término “comedia ligera” ha sufrido significativas variaciones de concepción, si bien sigue siendo sinónimo de buenos resultados en taquilla. ¿Dónde reside el éxito de un producto industrial que siempre se sale con la suya? Seguramente la clave está en un final feliz a toda costa, un guión que tenga hilarantes momentos clave que poner en el tráiler y, sobre todos los demás ingredientes, un cuidado reparto con caras reconocibles y química entre ellos: efímero o no, eso depende de la calidad final, afluencia masiva garantizada.
Una de las grandezas del ser humano es el hecho de que, mucho más allá de género, raza, aspecto, educación, clase social, religión (o ausencia de ella) o cualquier otro distintivo que tanto nos gusta potenciar entre las personas, existen ciertas características universales que borran de un plumazo cualquier frontera física o mental; aunque reaccionemos de distinta manera, el dolor se siente por igual, así como el miedo, el amor o la inquietud ante la muerte, que tampoco distingue entre cascarones. ¿Qué hay más allá? ¿Cómo es la experiencia del tránsito? Son preguntas sin respuesta demostrable que siempre nos han perseguido y que el octogenario Clint Eastwood, pasmosamente lúcido, retrata con su habitual sensibilidad y metódica fluidez, sin prisas y sin efectismos baratos (que sí efectos, puesto que al comienzo de la cinta somos apabullados por un espectacular tsunami de marca mayor).
Supongo que deberíamos encuadrar esta cinta en lo que llamamos drama histórico si nos ciñéramos a categorizarlo todo, manía muy recurrente; y por ello acabaríamos reprochándole que se pasa de puntillas por el momento político que sirve de escenario al transcurso del relato o que se le da excesiva trascendencia a una dificultad anecdótica en el habla del rey Jorge VI. Si nos liberamos de clichés y simplemente dejamos llevar nuestras ganas de ver sin tapujos una estupenda película, El discurso del Rey supone la enésima exhibición de la escuela británica de actores (siempre sostengo que es la mejor del mundo), con una historia sencilla y maravillosa de amistad tortuosa y superación personal, sin necesidad de épicas ni fanfarrias: como la vida misma.
El oficio cinematográfico de Paul Haggis ha sido amamantado por Clint Eastwood, y eso son palabras mayores. Guionista habitual y socio de éxito en cintas como Million Dollar Baby o Cartas desde Iwo Jima, lo tenía muy difícil para “independizarse” en la dirección, pero llegaron éxitos rotundos como En el valle de Elah o la oscarizada Crash que le dieron, con estilo sosegado y detallista como su maestro (por qué va uno a renunciar a lo bueno que ha aprendido) un nombre propio en el panorama fílmico mundial.
Director y guionista con nombre de desembarco en Normandía, Florian Henckel von Donnersmarck se pone a los mandos absolutos de una película-trolebús que no disimula su orgulloso origen hollywoodiense. El caso es que el autor que señaló su nombre con subrayado en rojo al firmar la estupenda cinta La vida de los Otros ha caído en la mundana tentación de dirigir a un elenco de infarto en el que destacan los dos guapos oficiales que el mundo quería ver trabajando juntos, eso sí, con muy poca chicha argumental.
Sábado, 2 de junio
Chris Gonzalez -Mora
Juan Luis Recio
Julio César Izquierdo
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Antonio García Fuentes
José Pómez
Julián Moreno Mestre
Manuel María Ventura
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