A veces uno no comprende del todo el criterio que las distribuidoras siguen para el estreno (o no) de sus productos. Es el caso de Los perdedores, una propuesta distinta y aprovechable que no ha llegado a exhibirse en cines y que ha ocupado directamente sitio en los estantes de DVD. Que esta cinta recuerde más que poderosamente al motivo principal por el que el mítico Equipo A se hizo famoso no debe pasar de anecdótico, ya que tampoco puede decirse que la exitosa serie televisiva inventara la vacuna contra la malaria precisamente; y es que el grupo militar de especialistas de élite que caen en un engaño de escalafones superiores y acaban pagando el pato del mismo sin ser culpables no es la cumbre de la inventiva humana, pero sí una buena fórmula para la acción gratuita y divertida al margen de la ley.
Me meto constantemente con los remakes, secuelas, precuelas, reborns y sucedáneos por lo nulo de su aportación real al espectador, que es lo que debería contar. Sin embargo, una película como Tron, con una puesta en escena tan osada, cuyos medios hacen recordar a La Guerra de las Galaxias, con un mundo de posibilidades por descubrir y explotar como el interior de esta Red informática que se nos plantea, estaba llamada a gritos para ser retocada por la tecnología abrumadora que nos rodea en el cine de nuestros días.
Hace nada menos que veintiocho años, Disney deslumbró a una generación con una película que se enmarcaba en el género de ciencia ficción con orgullo y en el mejor sentido posible del término, con una estética deliberadamente videojueguera y con efectos especiales que dejaron con la boca abierta; eso sí, si en los ochenta nos costó ensamblar el argumento, que pretendía y lograba abrumarnos con términos que han resultado ser palabrería y chorradas a mansalva para que nos focalizar en lo que estaba ante nuestras narices, definitivamente las explicaciones bien entrados en el siglo XXI nos hacen partirnos de risa cuando la revisionamos no sin grandes dosis de nostalgia.
Si hace nada teníamos de actualidad Gru: mi villano favorito, la apuesta de animación del nuevo sello de Universal Pictures, y como este tipo de proyectos aparecen a pares, pues Dreamworks pasa al contraataque y estrena su particular visión de las peripecias de un villano (porque el mundo le hizo así) destinado a vérselas con superhéroes que se llevan la gloria.
El asunto es que cuando Dreamworks ataca, muerde con fuerza, y la cinta cuyo firmante es el realizador Tom McGrath tiene un guión sólido, con unos diálogos que funcionan y bastantes momentos de comedia de muchos kilates, lo cual hará que toda la familia salga contenta si apuesta por ver esta cinta que, teniendo en cuenta las fechas que se avecinan, promete estar en cartel bastantes semanas.
En el cine hay géneros que no caducan y que existen prácticamente desde que se inventó eso de ver historias en una pantalla; uno de ellos es el de ladrones y policías (especial gustito parece dar en plena crisis mundial ver cómo una banda de tipos malos que caen bien se hacen con el botín de uno de esos bancos que nos tienen negadas las hipotecas), que conectaron, conectan y conectarán siempre con el espectador.
Sin embargo resulta muy curioso el fenómeno del cine cíclico, o las oleadas temáticas provenientes de una moda o que pretenden marcar tendencia de la misma. Sin inventar la pólvora, puesto que se trata de géneros muy recurrentes (por no decir desgastados en muchos de los casos), repentinamente aparece un año una salva de películas de gángsteres, al que responde un bombardeo de cine histórico, o de magos… Este parece ser año de latrocinio y mangamiento, así que a la segunda cinta de Ben Affleck, Ciudad de ladrones le sigue Ladrones a secas, la que hoy ocupa el foco de estas líneas.
Me deben perdonar los chicos de M Clan por parafrasearlos precisamente en este lamentable intento de sacar pasta rápida al incauto que va a ver una de ciencia ficción el primer fin de semana de su estreno sin saber que está siendo timado y sin que le haya dado tiempo a que le avisen; pero el comienzo de la famosa canción viene que ni pintado para comenzar a hablar de Skyline.
El azar en forma de manaza inocente haciendo click en “comprar” para el día equivocado ha dado con mis huesos el día del estreno de la última de Harry Potter en la primera sesión; prometo que ni soy tan fan ni tampoco tan ansioso, y si algo puedo sacar en positivo de aguantar durante más de dos horas grititos histéricos y alguna lagrimeja adolescente es que he podido sumergirme sin traje de buzo y vivir de cerca el fenómeno fan. Tremebundo.
Ya se va acabando lo que se daba y nuevamente David Yates es el elegido para exprimir lo que queda del zumo de la saga del mago más popular del cine. Este proyecto supone el “The” de “The End”, puesto que al rodar el libro final que J. K. Rowling ideó para Harry Potter, parece ser que se ha visto “mas adecuado debido a la extensión” transformarlo en dos económicamente suculentas películas en lugar de una sola.
Me siento ante el teclado con la intención de no faltar a mi cita semanal con el cine y comentar uno de los estrenos que nos llegan a la pantalla y me topo con la desagradable noticia de la muerte del maestro Luis García Berlanga; ante el desdichado evento, cualquier repaso a alguna de las películas que tenemos en la actualidad y que no le llegan en talento al Berlanga más desafortunado resultaba tan desafortunado como trivial. Es por ello que ante una situación que debe ser de luto cultural, ustedes me perdonarán la tristeza, pero el cuerpo y la vergüenza torera no me pide a gritos otra cosa que aparcar las novedades que nos trae la gran pantalla para dedicarle un humilde y merecido recuerdo a quien dignificó eso de contar historias en una época de extremada dificultad creativa y austeridad presupuestaria.
Tras su flamante debut en la dirección con la exitosa Adiós, pequeña, adiós, Ben Affleck se embarca definitivamente en esto de orquestar con su segunda obra, una película cuyo título sólo parece un poco menos desafortunado que el latiguillo que le han añadido en español. Así las cosas, The Town (ciudad de ladrones) es ni más ni menos que una de atracadores de bancos y similares al uso, con algo de adrenalina, un poco de intriga y bastante de pasar el rato sin complicarse ni darle demasiadas vueltas a la vida.
Desde la retorcida mente prodigiosa de Alfred Hitchcock hasta numerosas cintas de terror, pasando por la brillantez de Tarantino, enterrar a un personaje (o encerrarlo en lugares claustrofóbicos, que para el caso viene a ser lo mismo) es una fórmula cinematográfica de éxito casi garantizado. El riesgo de la propuesta del orensano Rodrigo García reside en desarrollar la totalidad de los noventa minutos de metraje en dicho emplazamiento sin que ello resquebraje, más bien lo contrario, el interés y la tensión del espectador. Thriller psicológico en estado puro, tan efectivo y efectista como bien llevado a la penumbra de la pantalla por su intérprete principal, un Ryan Reynolds en estado de gracia, que contagia al público emociones a flor de piel.
Somos seres que vivimos en continua interacción con los demás, y por tanto la faceta social es una de las más importantes de nuestra vida, para bien o para mal, guste o no, nos resistamos más o menos. Internet se ha convertido en una herramienta vital para casi todo cuanto hacemos, y esa faceta grupal de la que hablamos no puede ser menos; las redes sociales son buena herramienta externa para el contacto humano, un potente instrumento al servicio de la comunicación, pero también guarida de inadaptados, aire que respirar para reprimidos varios y prioridad para más de uno con dudosa lista de prioridades. Todo se puede desvirtuar si no se entiende y utiliza correctamente para lo que fue concebido.
Los villanos son los grandes menospreciados del cine; tienen una dura tarea cayendo mal y, por si no fuera suficiente, deben construir el escenario de la gloria de los héroes, que luego se llevarán los aplausos y sitios de preferencia en las carpetas de los adolescentes, una injusticia a todas luces. Qué sería del soso Batman sin el Joker, que se lo merienda en pantalla cada vez que aparece (ya se apellide Nicholson, Ledger o Sutánez el que lo interprete, el personaje tiene poderío), de La Guerra de las Galaxias sin Darth Vader, el mejor malo de la historia, o del Oscar de Javier Bardem sin el papel tipo desquiciado del pelito indecente… Lo miremos por donde lo miremos, un actor que se precie es mucho más feliz cuando le ofrecen ser el malo de la peli (que se lo digan a Luis Tosar, que ha convertido en una bendición lo de tener cara de merendar niños de menos de tres años).
Robert Rodriguez es el amiguete fiel de Quentin Tarantino, su compadre, su alter ego de fiestas varias y su cómplice en ese tipo de cine gamberro y sanguinolento del que son fieles seguidores; cine de diversión pura y dura sin complejos. El estilo que comparten se puede odiar o amar profundamente, pero no son la misma persona, y si eres admirador de uno no tiene por qué gustarte el trabajo del otro. Me declaro incondicional de la maestría con la que rueda (por encima de cualquiera que sea el contenido) Tarantino, y pienso que hay que salvar bastante las distancias con las menores habilidades estrictamente cinematográficas de un Robert Rodriguez dos peldaños por debajo.
Como la suela de una alpargata tengo la lengua de meterme con la alarmante y generalizada falta de ideas en el panorama actual del cine que nos llega de yankilandia, pero ya que esta semana nos vemos inmersos en un incómodo vacío de estrenos (ir al cine sin nada que ver es tontería), con el permiso y la paciencia de quien me lea, aprovecharé para patalear una vez más; para eso estamos en época de RE-ivindicaciones…
Hay varios cineastas en el panorama cinematográfico internacional que pueden decir que tienen sello propio por una o varias características que hacen evidente que estamos ante una obra de dicho autor; véase los coloridos con los que Almodóvar envuelve sus delirantes guiones, la música sosegada de piano y el magistral dominio de las sombras de Clint Eastwood, los montajes sofisticados de Nolan, director que está partiendo la pana en la actualidad… Todos, detalles válidos, algunos incluso opuestos, pero elementos reconocibles siempre que hacen que hablemos de “una peli de…” con seguridad y sin haber visto siquiera los títulos de crédito. Sin embargo, Woody Allen va un poco más allá y no tiene detalles plásticos definitorios, sino que sencillamente, su cine es y no puede ser otro que “una película de Woody Allen”, por todo, de principio a fin; con lo bueno y lo malo, se trata de un autor único, y su prolífico cine no podrá (seguramente tampoco querrá) ser mimetizado por nadie cuando el neoyorkino decida dejar de rodar, a pesar de su avanzada edad esperemos que dentro de bastante.
Todos los arranques son complicados, y cuando George Clooney dio el salto definitivo al cine con su participación en Tres reyes, ya no podía dudarse de su elegancia natural y próximas portadas de mil revistas, pero lo que uno no podía tener en mente (supongo que ni él mismo) es que a estas alturas del pedestal se pudiera permitir seleccionar sus trabajos de la forma que lo hace. Porque no solo tiene nombre para ello, sino también un cuidado extremo a la hora de exigir un mínimo de calidad a sus proyectos; y es así como tenemos unos últimos años cargados de toques personales (delante y detrás de la cámara) y merecidos reconocimientos.
No imagino más ventura
que trazar con buena letra
el sinuoso camino
de una mente bien despierta.
Mas sea en verso o en prosa,
hay maneras y maneras;
el ingenio es una daga
bien afilada y certera:
Ya lo probaron Cervantes,
Quevedo o Lope de Vega.
Y en éstas viene a retratar un fragmento de la azarosa e intensa vida de nuestro Fénix de los Ingenios nada menos que un brasileño, Andrucha Waddington, que cuenta encabezando el reparto y en la piel de Lope de Vega con un argentino, Alberto Ammann; ambas figuras se tornan motivos de crítica por varios sectores muy patrios, deseosos de poner pegas y a los que seguramente les importa un señor bledo el Siglo de Oro de nuestra riquísima literatura.
El misterio envuelve el destino que sufrió la legendaria Novena Legión romana, conocida por su dureza y desaparecida como si se la hubiese tragado la tierra. La cinta del cineasta Neil Marshall (The descent, Doomsday: el día del juicio) aporta un posible y fatal desenlace para ellos y supone la excusa épica más que perfecta para una de romanos. Y ya que hablamos de excusas, llama la atención la efectiva inteligencia desplegada para que los hermosísimos escenarios forestales y agrestes (la fotografía, con semejantes posibilidades naturales, de lo mejor del film) camuflen la falta de presupuesto para escenas de multitud, siempre muy agradecidas en el género histórico-bélico.
La poco afortunada fecha que ha escogido la distribuidora para el estreno de esta película, coincidente con Origen, la última joya de Christopher Nolan, ha hecho pasar más desapercibido de la cuenta un trabajo interesante y altamente entretenido. Ciencia ficción con estética azulada es la fría atmósfera en la que se desenvuelven dos tipos con un empleo muy pero que muy peculiar. En una sociedad en la que la ciencia ha avanzado una barbaridad, los implantes artificiales sustituyen órganos vitales que van a morir y salvan vidas de personas desesperadas que acaban endeudadas hasta las cejas por el costosísimo procedimiento.
Sylvester Stallone ha decidido ser el Peter Pan del cine de acción y se ha vuelto a vestir de tipo duro para homenajear a todos aquellos héroes de acción de los especialmente mamporreros años ochenta y noventa (tres décadas lleva ya el tío…), empezando por él mismo, claro, que para eso dirige, escribe el guión, protagoniza, y va a por los cafés del desayuno si se tercia.
Cuando salí del cine, tremendamente sorprendido por lo que había visto (y eso que iba avisado, y también predispuesto a encontrar algún pero) me dije que en gran parte se debía a la emoción de toparme con algo bueno en pleno verano raquítico de cine (como siempre), con cintas cuya sesera parece haber sido abandonada a las inclemencias del sol, poderoso en estas fechas; es por ello que preferí dejar macerar mi opinión, y no caer en el entusiasmo del momento. Ya ha pasado un día con su correspondiente noche desde entonces y sigo pensando que Origen es una película redonda y exactamente, con la dificultad que ello encierra, lo que su director, Christopher Nolan, ha querido hacer con una esperanzadora trama también escrita por él.
Estoy seguro de que esta incursión en el mundo de la acrobacia y la acción de fantasía se recordará en el futuro como una rareza en la filmografía de M. Night Shyamalan, que no se quitará nunca el cartel de “director de El sexto sentido” (esas cosas tiene que tu mejor obra también sea la primera). La carrera personal de este icono del suspense ha ido dando bandazos desde su incursión en el cine, alternando una obra de esperanzadora calidad con un sonoro desastre, hasta hace dos o tres, cuando dejó de levantar cabeza gastando toda la credibilidad y voto de confianza ganados en sus comienzos. Sin embargo, la sensación de soserío y “a medias de todo” de Airbender (podrían haberse ahorrado en España el sobrenombre de “El último guerrero”, que suena a lucha libre) no se puede enmarcar en nada personal contra su firmante, ya que al tratarse de una adaptación muy específica, el margen es muy estrecho, y es un trabajo muy encorsetado, bastante más de equipo que otras cintas que nos llegan al cine.
Tras Los Simpson y Los vigilantes de la playa, estamos con seguridad ante la revisión cinematográfica de la serie más repetida en prácticamente todas las cadenas de televisión. Mucho habían tardado en desempolvar esa furgoneta negra y las personalidades de “cuatro de los mejores hombres del ejército americano que sobreviven como soldados de fortuna: si usted tiene un problema y se los encuentra, quizá pueda contratarlos”. Apelar a la nostalgia del espectador con lagrimilla fácil era demasiado tentador…
Pixar tenía que cerrar su saga más laureada por la puerta grande del vencedor en la dura batalla de la animación digital. Cruzaron la frontera en 1995 con la originaria Toy Story, que fue la primera película rodada íntegramente por ordenador, y cuyo detalle quedó en segundo término gracias al brillantísimo libreto que hacía “real” una igualmente brillante idea. El director Lee Unkrich encabeza la perfecta guinda al pastel de Pixar, la niña bonita de Disney, que se destapa con una historia con contenido, rodada en intrascendente 3D (nuevamente se demuestra que no hay milongas ante un buen guión, que es lo que cuenta), con argumentos nuevos y un trabajo de animación realmente portentoso.
Tom Cruise, el histriónico Midas del cine, y la sosa Cameron Diaz se unen en un proyecto veraniego ligero y fresco de ver, que más bien parece un anuncio de dentífrico, pero que cumple sin pedirle más peras al olmo las muy bajas expectativas de alguien que se atreva (ya hay que tener valor) a introducirse en la sala que proyecte una peli de acción de gran estudio americano en estas fechas calurosas…
La tercera parte del bombazo, en su tiempo ejemplo de ingenio e innovación, y a la postre desgastado y maltratado cual producto industrial de serie, dejó sin fuelle alguno a la franquicia, repitiendo hasta la saciedad lo que había tenido gracia anteriormente sin aportar nada y flojeando hasta el hartazgo. El “unhappy end” del ogro más famoso de la historia del cine estaba cantado. Sin embargo, el signo del dólar que poseen por retina sus productores ha animado a “concluir decentemente la saga”, lo que traducido al idioma internacional viene siendo en realidad “exprimir a tope la naranja mientras exista un mínimo de jugo”, aunque ello conlleve llegar a la cáscara y que el zumo salga amargo, riesgo que hoy se toma con una ligereza pasmosa y una falta de responsabilidad equiparable: así se terminan arrastrando personajes e historias gloriosas, que acaban por dejar una injusta e inmerecida mala imagen por erosión.
La zarpa de Bradd Pitt en la producción y el caché intelectual del asunto hacen posible que una producción de barata (aunque encantada de conocerse) sin superhéroes ni vampiros adolescentes cuente con una interminable lista de estrellas en su reparto: ríase uno del bajo presupuesto y parte de sus ideales cuando ilustres amiguetes como Robin Wright, Keanu Reeves, Alan Arkin, María Bello, Winona Ryder, Blake Lively, Monica Bellucci o Julianne Moore se prestan a salir en tu película para darle lustre. La cinta, capricho personal e intransferible de su directora, Rebecca Miller (hija del célebre dramaturgo Arthur Miller), también guionista de la misma y autora del libro en la que está basada.
¿Venderías tu alma al Diablo? Para los poco leídos o desconectados de las historias populares (gustos hay de todos los colores), el relato que se adapta en esta ocasión por enésima vez al cine trata sobre un joven aristócrata británico que, tras criarse alejado del mundanal ruido de la urbe, vuelve a Londres hecho un hombre apuesto, rico e ingenuo (mala combinación) que decide dejarse llevar por los placeres de la vida. De la mano de su amigo lord Henry Wotton, Dorian Gray descubrirá la noche, la depravación que puede acompañarla y la mala vida en general; su obsesión es el Carpe Diem eterno, y con el paso de los años parece que lo ha encontrado: su juventud, a pesar de los pecados cometidos, nunca se marchita gracias a un enorme secreto en forma de lienzo que protege, nunca mejor dicho, con su vida.
La pugna entre el bien y el mal es el fundamento de casi todo lo que nos rodea, y el cine se hace constantemente eco de ello; pero qué ocurre si Dios, símbolo supremo del bando correcto, decide que está hasta el mismísimo gorro del ser humano (en caso de que una entidad divina tenga necesidad de cubrirse la cabeza), algo comprensible por otro lado, ya que no hay por dónde cogernos. Pues resulta que, según la cinta que nos atañe, el Creador de todo, haciendo exhibición de su infinita bondad y hartazgo de sus "criaturitas", se desentiende y dimite en eso de creer que "todo el mundo es bueno"; y puestos a hacer y, sobre todo, deshacer, hay que acabar las cosas con estilo y envía a sus legiones de ángeles a poseer humanos que exterminen a otros humanos: toma plaga gore. Pero ni para Dios las cosas son siempre así de sencillas, y Miguel, el general de sus ejércitos, le ha salido fan de las personas (yo diría que influenciado por las películas de Chuck Norris y Schwarzennegger), y se le ha revelado. La única posibilidad de supervivencia de la gente es la ayuda del mencionado ángel rebelde, "interpretado" por Paul Bettany (Master and Commander, Wimbledon, Dogville, El código Da Vinci) y un grupo de desgraciados que se han quedado atrapados en un bar de carretera situado en un lugar remoto de, por supuesto, Estados Unidos.
La avalancha de películas de superhéroes hace que sea prácticamente imposible que las haya para todos los gustos y que sus calidades igualmente suelan diferir. Pero algo que parece característica común en todas ellas son, gags y guiños o bromas aparte, los momentos de máxima tensión en los que el mundo suele andar caminando en el filo de la navaja y solo los buenos de turno pueden salvarnos con sus superpoderes y calidades humanas; en otras palabras, se toman muy (y casi siempre demasiado) en serio. Kick-Ass es el ejemplo de que se puede hacer una película seria en clave de comedia (eso sí, muy negra) y mofándose de tanta trascendencia con mallas: una delicia y seguramente de las mejores películas que podremos ver este verano que tenemos en puertas.
Soy un firme defensor de la idea de que la palabra “remake”, en un altísimo porcentaje de ocasiones, no significa otra cosa que oportunismo y dinero fácil, además de falta de respeto a aquello que copian descaradamente y que jamás igualan. En menor medida, remake significa actualizar una historia que ha envejecido mal y acercarla a las nuevas generaciones, en cuyo caso se hace como mínimo aceptable (en muchos casos incluso necesaria) la revisión. Es por ello que reconozco que al principio, cuando Robin Hood empieza a no tener mucho parecido con lo que uno está acostumbrado a ver, y esperando una copia actualizada de más de lo mismo, te sientes raro y removiéndote incómodo en la butaca; pero luego, cuando te das cuenta de que la cosa no va por esos derroteros y que se trata de una visión completamente distinta de la historia (es lo que tienen los mitos: no se falta a la verdad por verlos de otra forma), te vas relajando, asumiendo la circunstancia y, al menos en mi caso, aplaudiendo no volver a ver las andanzas de Kevin Costner con el pelo más corto y rostro de azote de los romanos (eso sí, la extraña sensación de ver a Gladiator con arco y flechas no te la quitas en ningún momento).
Una de las fórmulas más efectivas de la historia del cine, válida para un buen ramillete de géneros, es la de enredar al tipo corriente y moliente en un lío de marca mayor que le hace sentirse minúsculo y superado ante los acontecimientos que van precipitando una aventura que parece no tener escapatoria, peligrosa y para la que, por supuesto, no está preparado. Al público siempre le ha encantado meterse en el pellejo del pobre protagonista de los “desastres por casualidad”. Cuando la pareja protagonista de esta comedia de enredo y espionaje se hace pasar por otra para lograr reserva en un restaurante de lujo, uno piensa “¿pero es que no han visto Con la muerte en los talones?”; eso siempre sale mal. Regla número uno del buen superviviente en peli de intriga: nunca digas “aquí” cuando llamen a otra persona, porque supone el principio del fin de tus días tranquilos…
El sistema de justicia es el supuesto escudo protector de toda sociedad democrática y civilizada. Todos somos iguales ante la ley, que no distingue entre sujetos… o al menos, así está plasmado en los papeles oficiales. Bien es sabido que cualquier asunto que maneje el ser humano tiene oscuridades, e innumerables víctimas de justicia mal aplicada son testigos diarios de ello. En Estados Unidos se torna especialmente sangrante el asunto cuando una persona es menos vulnerable al peso de la ley si puede pagarse un buen abogado, cuando un fiscal está más preocupado por no estropear el número de condenas logradas en su carrera o cuando una sentencia absurda crea precedente y en este se ampara el mismo error.
Jon Favreau y Marvel Entretaintments proponen una secuela coherente en lo argumental con lo ya narrado y muy conscientes de que encaje en todo un universo que la multinacional se está montando en la gran pantalla, con el estreno de, al menos una macroproducción superheroica al año; y muy bien que hacen.
Hace algún tiempo ya dediqué unas líneas a la fantástica labor que realizan los grandes profesionales del doblaje que tenemos la suerte de disfrutar en España. Un trabajo bastante complicado, fundamental y anónimo a partes iguales, que si sale bien pasa desapercibido y que en caso contrario puede destrozar el mejor metraje.
Profesión artesanal que tiene unos ochenta años de saludable vida (se comenzó en Barcelona en la década de los treinta), el mejor elogio que se les puede otorgar es el del buen árbitro que ha pasado completamente desapercibido en el partido, desviando protagonismo hacia los actores principales. No solo se trata de modular la voz, sino de mimetizar y aportar tu propia personalidad al personaje.
Hablemos ahora de las veteranas grandes voces del doblaje en español y a quiénes prestan su talento.
Desde que tengo uso de razón, aunque solo fuera por no sentirme rarito, he intentado conectar con la obra clave de Lewis Carroll, pero debo reconocer que, si bien le reconozco gotas de delirante genialidad, nunca ha dejado de parecerme una chifladura demasiado pesadillesca (espero no ser demasiado blasfemo). Sin embargo, supone el escenario soñado para uno de los despliegues visuales de Tim Burton, maestro indiscutible de todo lo relacionado con las pesadillas en el mundo del cine, siempre acompañado por su socio Danny Elfman a cargo de la banda sonora; y mucho ha tardado en afrontar el proyecto, aunque ello le haya proporcionado la oportunidad de (por los pelos y adaptando lo que ya estaba acabado de rodar) apuntarse al carro de las tres dimensiones.
El hasta ahora último trabajo de Roman Polanski, uno de los pocos directores clásicos que quedan en activo, muestra una indudable querencia por divertirse rodando y una ausencia de presión que desemboca en un estupendo resultado final. Si bien el guión no dejará a nadie con la boca abierta, salvando las distancias el toque hitchcockiano sabe a thriller de categoría, del que te tiene atrapado de principio a fin; y es que la fórmula “tipo normal y corriente que se ve envuelto en trama que le supera”, si se narra con inteligencia, tiene el éxito y la complicidad del espectador garantizados.
El año pasado irrumpió Avatar con suma fuerza en un panorama cinematográfico extremadamente necesitado de emociones. Ciertamente supuso una puerta abierta con un futuro lleno de posibilidades. James Cameron ha hecho historia con su cinta al ser el primer trabajo en carne y hueso rodado con intereses en el suculento mundo de las tres dimensiones. Gastándose un capital obsceno en su elaboración (fundamentalmente en el aspecto técnico), que ha resultado una magnífica inversión, puesto que ha devuelto con creces ese montante y mucho más tras un éxito abrumador, la película mira de reojo también a un guión atractivo aunque simplón que da lo justo como para que podamos tener los ingredientes mínimos para un rato de diversión casi garantizada.
Quién le podría haber dicho al gran Francisco de Goya que alguien se acordaría en el siglo XXI de su obra en referencia a un conflicto bélico moderno que ni siquiera sabría situar en el mapa el ilustre maestro; pero las guerras son terroríficas, eso es inapelable, y quien sabe reflejarlo, de alguna manera está contactando de una forma completamente atemporal con aquellos que ni conoce ni conocerá. Mientras haya personas dispuestas a acabar con otras personas (y, por desgracia, no parece que eso vaya a cambiar nunca, ya que va en nuestros cromosomas), la historia del ser humano irá ligada a sensaciones desoladoras que esta recomendable película expone con bastante esmero.
Esta faraónica producción (la película más cara de la historia de China) se convierte en el proyecto más ambicioso realizado por el prestigioso John Woo, a la vez que pretende conectar con el espectador occidental; en su versión original, Acantilado Rojo estaba formada por dos películas (una estrenada en 2008 y otra en 2009), llegando entre ambas a la friolera de 280 minutos. Para su apertura al exterior, se ha optado por realizar un montaje alternativo y crear una única película de 148 minutos de duración, una "edición internacional" que añade a lo largo de diez minutos una descripción mediante voz en off para situar al espectador en la época y el escenario (Dinastía Han, 280 a.C.).
Bien sabe Jason Bourne que la colaboración Matt Damon-Paul Greengrass funciona y a la gente le parece atractivo lo que ve en la pantalla del cine. Esta vez han ido un poco más allá y se han reinventado en un escenario interesante y provocativo, pero demasiado visto, y eso que el suceso que recrea lo tenemos ahí al lado en 2003. El cine va por rachas: como un tema vaya bien en taquilla, aparecen luego infinidad de cintas con la misma temática. Ciertamente el asunto bélico ha sido rodado toda la vida, pero parece que estemos ante una enésima revisión del género, coincidiendo con la guerra de nueva generación (que por desgracia está de moda, sobre todo en Yankilandia) y la era de las telecomunicaciones.
Una de las fórmulas mágicas del cine que siempre han dado resultado a los guionistas para entretener al personal es la del “grupo fugitivo que pretende combatir al opresor con lo poco que tiene”. Este caso no es ninguna excepción, y a los Spierig les ha valido para que su último trabajo sea digerible y a ratos interesante, aunque poco consistente y claramente mejorable.
Si no fuera por el protagonismo absoluto de Leonardo DiCaprio, con el que el director mantiene desde Gangs of New York el romance profesional (supongo) más mediático del cine actual, no sería capaz de afirmar que Martin Scorsese ha dirigido esta cinta. Seguramente su trabajo más comercial, Shutter Island es también un paseo por la psique, además de un ejemplo evidente del subgénero “peliculilla de intriga”. Tramposa y con vericuetos fruto de los recursos de un viejo zorro, la adaptación de la novela de Dennis Lehane juega la baza de no desvelar el misterio al espectador hasta el final; y lo consigue a ráfagas álgidas, en las que el metraje acapara toda la atención y avidez del que la está visionando, pero mezclado con otros momentos de decepcionante falta de ritmo, escenas superfluas y reiterando hasta el infinito en paranoicos delirios que llegan a aburrir en la intención de mostrar demasiado explícitamente lo intrincado del cerebro humano.
Si tuviera que definir con una palabra la estupenda obra de Kathryn Bigelow, la cineasta de moda, esta sería “tensión”. Más por su trabajo que por ser la ex de James “el rey del mundo” Cameron (al que se ve profesionalmente enfrentada este año en la carrera por los Oscar), Bigelow se ha ganado que su nombre se extienda como la pólvora, y nunca mejor dicho, porque plasma con precisión, veracidad y elegancia la inusual vida cotidiana de una brigada estadounidense especializada en desactivar explosivos que se encuentra destinada en Irak, con la misión de “controlar” la zona de post conflicto bélico. Sin opinar sobre asuntos que pueden nublar la visión artística de la película, se realiza un trabajo sensorialmente poderoso, muy nítido y cuyo retrato a pie de calle (contando con una iluminación que casi nos hace sentir el sol del desierto) atestigua que uno puede meterse con facilidad en la piel de un soldado sin tener que hacer el pino por culpa de los movimientos enloquecidos de la cámara en mano tan de moda en el género; y es que a base de talento se puede prescindir de lo vertiginoso sin renunciar a la emoción o la incertidumbre de aquello a que se exponen personas que tienen que capear la guerra de guerrillas, el terrorismo, el no saber quién es amigo o enemigo, la paranoia, la ansiedad, e incluso la adictiva adrenalina de jugarse la vida a cada minuto que pasas “en terreno hostil”.
Zafarrancho en el rancho no podía ser de ninguna de las maneras la película con la que Disney se despidiera de la animación tradicional, y por mucho que el ordenador se imponga, ello no excluye que sea bien recibida una buena propuesta de vez en cuando para este formato que nunca debería pasar de moda. Primera cinta en la que la protagonista es afroamericana, destaca también por impulsar valores apreciados en una sociedad moderna. Tiana, una chica de Nueva Orleans de clase baja, lucha en sus dos trabajos para alcanzar el sueño de tener un restaurante propio, y por el camino se cruzará una rana muy especial: se trata Naveen, príncipe de un país imaginario, también de raza negra (un asunto interracial habría sido ya demasiado “moderno”), que ha sido transformado en batracio por el ambicioso encantamiento de un hechicero maligno cuya voz pone Javier Gurruchaga, siempre un lujo de villano. Ya podrá todo el mundo imaginarse en qué consistirá el método para desfacer susodicho encantamiento, puesto que dudo a estas alturas que alguien desconozca el cuento popular que la película revisa…
Original y despiadada, dos calificativos que se enfrentan a la anestesia neuronal que actualmente sufre el cine, son la atractiva carta de presentación de una cinta, basada en la novela de Walter Kirn, que pone de manifiesto algunas de las enormes vergüenzas de nuestra sociedad interesada y de plástico. Nutrida con pinceladas de la más acuciante actualidad (como es el caso de la crisis o la seguridad en los aeropuertos), Up in the air se las apaña para aparecer con aspecto atemporal, malabar ciertamente difícil; y es que la habilidad de la producción del ya importante icono indie Jason Reitman (Gracias por fumar, Juno) revisa la asepsia social con la misma naturalidad con la que utiliza los recursos del humor o el drama, sin llegar a caer del todo en ninguno para conformar entre todos los elementos un global singular difícil de etiquetar.
Por supuesto, no todo lo que Clint Eastwood ha hecho es perfecto, y hay sombras en su filmografía que sobran, pero aun sin saber qué me voy a encontrar, para mí es todo un acontecimiento el día del año que puedo asistir al estreno de una cinta del último gran clásico vivo. Con esa mezcla de entusiasmo y peligrosa expectación acudí a ver Invictus, un encargo de y para Morgan Freeman, que ha nacido para interpretar el papel de Nelson Mandela y que ya adelanto que no defrauda a nadie. Me topé con una cinta eminentemente inteligente, en la que, al igual que la obra en la que está fielmente inspirada, se huye de la biografía para centrarse, con el ágil recurso del cine deportivo, en la victoria de Sudáfrica de la Copa del Mundo de rugby en 1995; dicho evento, en el que el director (quizá demasiado enamorado de un personaje histórico fascinante) deposita excesiva influencia, supuso un golpe de mano político y emocional para la construcción de un nuevo país en el que hacían (y siguen haciendo) falta alegrías populares y grandes dosis de buena voluntad para perdonarse los unos a los otros por barbaridades pasadas, presentes y futuras.
Reconozco que me cuesta ser objetivo con una cinta diseñada fundamentalmente con el objetivo prioritario de acaparar Oscars, y aun así salí de la proyección con buen sabor de boca ante un espectáculo detenidamente diseñado y cuidadosamente elaborado, con números musicales que enriquecen lo que vemos (en cuyo éxito final influye una imponente fotografía), y que, sin ser un fan del género en cuestión, se me pasó el tiempo volando. Todo ello es innegable. El buscaéxitos Rob Marshall (Memorias de una geisha, Chicago) vuelve a dar banda sonora a las ansiadas nominaciones en esta digna adaptación del musical de Broadway Nine, a su vez adaptación de 8 1/2, trabajo de un Federico Fellini al que se rememora y cuya sombra acompleja sin necesidad este trabajo.
Aquel que sea fiel al personaje mítico y no acepte verle distinto con la excusa de la “revitalización”, conserve los libros como oro en paño y vea las películas del detective más famoso de la historia una vez al mes para darse un homenaje, no debería atreverse a otear siquiera el resultado de la reiniciación de la saga, con más fines económicos que otra cosa. Dicho sea esto ante todo. Ahora bien, no se puede negar que el aire de entretenimiento puro y duro (sobre todo duro), el giro a la acción (ya avisé a los puristas que se aislaran de esta entrega) y la enorme química que tienen tres intérpretes como Jude Law, Robert Downey Jr. y Rachel McAdams resulta del todo efectiva para las rudimentarias intenciones del proyecto.
Shane Acker hace su irrupción en esto de contar historias largas (su anterior trabajo fue una versión en cortometraje de esta misma historia, nominada al Oscar en 2006, por cierto) de la mano de Tim Burton; y digo de la mano del cineasta que parece un personaje de historia de terror porque, además de encargarse de la producción de la obra (junto a Timur Bekmambetov), la influencia visual y artística se hace evidente desde los mismos títulos de crédito del inicio, ya que, nunca mejor dicho, su sombra es demasiado alargada cuando Burton forma parte de un proyecto.
No sé por qué será, pero el maltrato sin medida hacia nuestros semejantes, si se contempla en el cine y se tiene el pretexto de la ficción siempre desata los más bajos instintos cainitas y tiende uno a pasarlo en grande ante el espectáculo. Zombieland (que así se llama la producción: manías de añadir apellidos para estropear un nombre perfecto que tenemos por estos lares) es una fusión de gore, terror, homenaje y altísima dosis de comedia que, mezclado sin agitar, son elementos perfectos para un buen cóctel con aceitunita y todo de entretenimiento sencillo, directo y sin remilgos.
Jueves, 16 de febrero
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Antonio García Fuentes
José Pómez
Padre Fortea
Ángel Gutiérrez Sanz
Chris Gonzalez -Mora
Juan Luis Recio
Juan Fernandez Krohn
Ángel Sáez García
Carlos Ferrer
José Donís Català
Paulino Toribio
Juan Carrasco de las Heras
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