Por Jessica Jones
Hará unas semanas pusieron en la tele una peli que, aunque ya había visto varias veces, no pude evitar volver a disfrutar. Era además un momento ideal para su visionado, aunque en los próximos días también resulta muy adecuado, ya que la historia comienza cinco semanas antes de Navidad, si no recuerdo mal, y acaba justo en Nochebuena, un periodo de tiempo en que el amor parece que se respira en el ambiente... Se trata de una de mis películas favoritas, Love actually, y es obvio cual es su tema central. Quiero hablar aquí de ella, no como profesional de la crítica, que no lo soy, o para diseccionar sus aspectos artísticos y técnicos en profundidad (aunque me gustaría resaltar la banda sonora desde ahora mismo), sino sólo como espectadora a quien le gusta esta obra.
Por León Ocaña
Hace años que Mario se había "jurado" a sí mismo no volver a pisar una iglesia, pero allí está; ahora se encuentra ornamentado con una de esas corbatas que nunca aprendió a anudar, con el aire respetable que le otorgan sin remedio la blanca cabellera y las innumerables arrugas que disfrazan esos ojos que tanto han contemplado en su intensa vida. A su lado, a punto de ser bautizada, la bendita criatura inocente que encantado ha aceptado apadrinar, en brazos de su padre, y detrás, justo en el primer banco, Manuel, su mejor amigo y orgulloso abuelo.
No voy a sorprender a nadie si digo que el universo Star Wars es uno de los que más frikismo atesora en su seno. Hoy os pongo unos ejemplos de chorradas varias que la gente es capaz de hacer por y para sus míticas películas de culto. Que la fuerza nos pille confesados...
Como aficionado que soy, me encantaría no tener que soltar sapos y culebras cada vez que hablo de la industria del cine en mi país, pero es que, salvo excepciones (en todos los sitios las hay), el enfermizo afán por parecerse a Hollywood sin conseguirlo ni de lejos –reflejado en las lamentables ceremonias de entrega de los Goya de cada año-, la manía de politizarlo todo, y el cutrerío que cubre sistemáticamente las decisiones que se toman, no me dejan otro remedio que lamentarme eterna y amargamente de los acomplejados venidos a más que tiene nuestro cine como representantes.
Sobre todo en sus orígenes, el DVD ha tenido que batirse en duelo con reticencias, sombras y recelos; “el fin del cine como arte” o “el negocio que pervierte” han sido algunas de las lindezas que han apellidado al revolucionario compacto y a los soportes similares (por ejemplo el incipiente Blu-Ray, de la todopoderosa Sony, o el HD) que existen y que existirán -probablemente sustituyendo al actual- en el imparable futuro tecnológico.
Hola holita, vecinillos, que dirían el gran Ned Flanders y algún idiota que conozco. Hoy va la cosa de secuelas; no es muy complicado, teniendo en cuenta la sequía colectiva de ideas del cine estos tiempos que corren...
No puedo declararme entusiasta de Jaume Balagueró. Nunca he compartido su respetable estilo de hacer dinero con ese cine prefabricado, más dirigido a otros públicos vía DVD que al de nuestro país, abanderándose como el mayor exponente del miedo fácil. Sus mayores logros hasta hoy se llaman Frágiles, Darkness, y esa cosa llamada OT, la película, que da repelús nada más oírlo; el hecho de adaptar las monerías de los “triunfitos” al cine ya supone para el realizador catalán una marca de origen y toda una declaración de principios comerciales. Quizá por todo ello tiene un valor añadido que un firme detractor como yo alabe su último trabajo, triunfador en el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2007, cuyo estilo no aporta novedad (ahí está ya El proyecto de la Bruja de Blair, clavadita forma de impresionar al espectador), pero sí frescura y mucha naturalidad, algo muy importante en una cinta de terror de este tipo.
Vuelve a ir de cómics la cosa:
* Universal Pictures nos cuenta que Guillermo del Toro repite a los mandos de Hellboy II: The Golden Army, que se estrenará el 8 de agosto (excepto aplazamientos), donde también nos encontraremos con los actores de la primera entrega, encabezados por Ron Perlman. De momento nos van abriendo el apetito con el nuevo poster oficial.
Desde siempre el trabajo del doblador ha sido completamente ninguneado, y es más que justo reconocer la labor de unos profesionales que nos permiten entender películas de cualquier parte del mundo. Por lo tanto, es una obviedad resaltar la necesidad e importancia de estos "trabajadores de trinchera" de la industria cinematográfica. Salvo raras excepciones como la de Joan Pera, voz de toda la vida en nuestro país de Woody Allen -al que el genial director saca en su último trabajo, rodado en 
Barcelona, en agradecimiento a los servicios prestados-, nunca se harán famosos ni ricos gracias a este trabajo, y encima tienen que aguantar la reiterada intromisión de "famosetes" (especialmente en las cintas de animación). En realidad, más que intromisión es imposición con calzador de los productores, que piensan que así la película tendrá más gancho comercial. Porca miseria...
*Ya tenemos nuevas fotos del rodaje de la cuarta parte de Indiana Jones (de estreno aquí en mayo de 2008). Harrison Ford se vuelve, a sus años, a encasquetar con calzador el sombrero del aventurero más famoso de la historia del cine. En el reparto le acompañarán Ray Winstone, Karen Allen (de nuevo en el papel de Marion), Cate Blanchett (hace de mala), Shia LaBeouf (interpretando al hijo), John Hurt y Jim Broadbent. Steven Spielberg ha vuelto y ya puede ir frotándose las manos, porque se va a hacer de oro (más).
El último trabajo del director Robert Zemeckis, escoltado por el gran Neil Gaiman y Roger Avary a cargo del guión es visualmente impresionante, realmente portentoso y abrumador. Pero no seamos impresionables, no nos dejemos abrumar y analicemos el conjunto. Los más entusiastas, que son bastantes, ya echan las campanas al vuelo afirmando que la técnica que utiliza Zemeckis en esta cinta y que introdujo en el mercado el mismo realizador con Polar Express, es el futuro del cine; en la citada técnica, y por consiguiente en el futuro de la industria cinematográfica, los actores solamente serían necesarios para hacer de modelos a sofisticados mecanismos digitales de captura de movimiento.
*En agosto del año que viene vamos a tener ración de La momia por tercera vez. Advertido queda todo el mundo. Aquella película innovadora por los ramalazos de broma que tenía, se fue diluyendo como azucarillo en la segunda, hartando hasta límites inadmisibles. Pues tercera entrega al canto. El director es Rob Cohen (realizador de "maravillas" como A todo gas y XXX) y, ambientado esta vez en China, será interpretado por Brendan Fraser (que repite, cómo no), María Bello, Jet Li (que hace de malo), Michelle Yeoh, Isabella Leong y Luke Ford. Se cae del cartel Rachel Weisz, ella sabrá por qué, aunque nos hacemos una idea...
Cuando uno echa la vista atrás y se acuerda de figuras de talla mundial como Carlos V, Cervantes o Velázquez, se da cuenta de lo que ha sido España en otros tiempos. La muerte de Fernando Fernán Gómez nos hace hoy un poco más pequeñitos y nos arrebata el presumir de tener en casa viviendo a un Patrimonio Cultural de la Humanidad de la talla de este gran artista. Y digo artista porque llamarle actor sería pasar por alto su dilatado historial como director o escritor; y todo lo hizo bien. Algunos tendrán el mal gusto de colocar ahora encabezando sus méritos el haber puesto de moda la frase “¡a la mierda!”. Y bien es cierto que este pelirrojo desgarbado tenía fama de hosco y huraño, él mismo decía que a veces maleducado: igual de cierto es que siempre lo quisieron y respetaron sus compañeros de profesión.
El Alex de la Iglesia más internacional está a punto de estrenar nuevo trabajo (18 de Enero del año que estamos cerca de estrenar). Se llama Los crímenes de Oxford y cuenta en el reparto con Elijah Wood, John Hurt y la desaparecida en combate Leonor Watling, a la que Marlango le daja un hueco para seguir avanzando en su carrera de actriz.
En cuanto al argumento, un estudiante descubre el cuerpo sin vida de su casera -la cual, con un intenso pasado podría ser algo más que una casera convencional-. Poco después de ser hallado el cadaver, un profesor de lógica de Oxford recibe una nota advirtiendo que ese es el primero de una serie de asesinatos. Así, el estudiante y el profesor unen sus esfuerzos en la búsqueda del asesino. ¿Aire a El código da Vinci? Puede ser, pero esperemos que mejore el farragoso resultado...
Entre el veterano actor/director/lo que haga falta Robert Redford y Tom Cruise con el disfraz de United Artists se han guisado una cinta bastante interesante (sobre todo para aquellos que disfruten con el cine político), que no interesada, con el sensato sabor de la pluralidad. Sin llegar a tratarse de un trabajo completamente objetivo –ninguna buena producción sobre política debe serlo del todo si pretende tener algo que transmitir-, Leones por corderos puede ser visionada por distintos enfoques sin peligro de enrojecer de ira; y ello ya es mucho decir, teniendo en cuenta que el argumento de fondo es la realidad creada por la polémica Guerra de Irak, reflejada en una ficticia ofensiva estadounidense contra los talibanes en Afganistán.
Después de torturarnos hasta sangrar por los poros de nuestros cuerpos con odas al espanto crónico como House of the dead o Alone in the dark (ahí queda eso), "maravillas fílmicas" catalogadas como bazofia pura -shit por aquellos lares yankilandianos- y que han aportado el maravilloso reconocimiento de todo quisqui a Uwe Bolt como el peor del mundo (desde luego de los peores sí que es; el caso es hacer historia), aquí lo tenemos empecinado en que de mayor quiere ser director de cine.
Ración calentita de cartel y trailers de películas que han dado que hablar en Yankilandia y tendremos por aquí más o menos pronto.
Aunque los orígenes del protagonista de esta cinta se parezcan mucho a los del esperpéntico “Punisher”, ya quisiera esta última tener algo en común con los fundamentos técnico-artísticos, la plasticidad y el dinamismo de Shoot ‘em up –que viene a ser en español algo como “dispárale a todo el mundo”: puñetera manía de no traducir los títulos cuando es conveniente y al revés…
Wanted será una cinta basada en las novelas gráficas de Mark Millar y J.G.Jones. Angelina Jolie, James McAvoy y Morgan "presencia" Freeman serán los protagonistas que dentro de poco se nos presentarán en la gran pantalla de España (4 de abril de 2008). Este film supone el debut en inlés del director ruso Timur Bekmambetov. Con respecto al argumento, el personaje de McAvoy será un joven a cuyo padre han asesinado, Freeman interpreta a Sloan, un asesino despiadado mientras que Jolie será otra intrépida asesina -el papel le viene como anillo al dedo- que debe enseñarle el oficio al citado joven, que acaba de descubrir a qué se dedicaba su progenitor y pretende seguir sus pasos. Guión a priori poco cerebral y muy adrenalínico...
El mundo del cine y el cómic siguen haciendo buenas migas y repartiéndose los beneficios. A ver qué tal sale esta cinta, que bebe de prestigiosas páginas...
Bueno, lo que es morir sí que se muere, pero eso no es suficiente obstáculo para que el ya archifamoso asesino Puzzle vaya a permitir que nos quedemos sin nuestra ración anual de la saga de terror gore. 
Cuando ya se veía todo más que acabado –en cuanto a historia, que no somos tontos y ya imaginábamos que mientras dé dinero, se buscarían la manera de alargar el negocio- con la muerte del psicópata en la tercera entrega de Saw, empieza esta cinta con los forenses que están haciéndole la autopsia encontrando en su estómago (ya ven que la tónica sigue siendo la de imágenes de lo más “agradable”…) una cinta envuelta en plástico, y que una vez en manos de la policía hará comenzar su enésimo jueguecito macabro, esta vez en grado póstumo. Para ello, el personaje nuevo que viene a revitalizar la investigación es un agente de policía con la cara de Scott Patterson, a quien conocerán aquellos que sigan la serie Las chicas Gilmore.
El Síndrome de Casandra, a grandes rasgos, consiste en conocer el resultado de algo y no poder evitarlo. Por ello da nombre a la última película de Woody Allen, con un argumento con final shakespeariano inevitable (por algo es su segundo trabajo en Londres; definitivamente parece haber emigrado de yankilandia, mejor para él). También le viene al pelo la definición a lo que le ocurre a todas las cintas del genio neoyorkino: siempre tan adoradas por sus fieles como repelidas por sus detractores (igual de fieles, con premeditación y alevosía). Pero con esta cinta ha sido especialmente significativa la división sin medias tintas entre los que creen que no llega ni al nivel de mediocre y los que, como yo, opinamos que está en plena forma.
El término precuela viene a dar una vuelta de rosca a las tramas ya cerradas y más acabadas que Chiquito de la Calzada. Son la panacea de los productores que quieren más pasta de una serie de películas de las que no se puede sacar más. ¿Acabada, eh? ¡Toma tres tazas!
Fiel adaptación de la onírica novela gráfica de igual título de Neil Gaiman, Stardust es un cuento para todas las edades con princesas, héroes, criaturas mitológicas, terribles brujas malas, espadas y otros muchos detalles que mandan los cánones de la fábula convencional. Pero no sólo eso vamos a encontrarnos en la realización de Matthew Vaughn (director de la tercera parte de X-Men y productor de Snatch: cerdos y diamantes)
David Cronenberg se encuentra en el candelero estas fechas por su último trabajo, aún en cartel en muchos cines, la exitosa Promesas del este. Aprovechemos que se encuentra de actualidad para repasar algunas curiosidades del cine de este autor con tantas luces como sombras...
Generalizar siempre es injusto, pero a veces no queda más remedio, y estoy convencido de que es la manera en la que hay que abordar la labor de comentar un film tan heterogéneo y tan complejo como Paris je t’aime, visión panorámica de la mítica capital de Europa desde el punto de vista de los dieciocho cortos -cada uno de ellos representa un distrito en concreto de la localidad francesa- realizados por una lista de directores e intérpretes tan prestigiosa como variada (en todos los sentidos).
No me gustan las películas de miedo, lo confieso. Nunca he sido de esos que disfrutan pasando un mal rato en la sala de cine (prefiero sentirme relajado), y la inmensa mayoría de los argumentos del género “efecto de sonido y susto” me suelen acabar aburriendo. Pero hay excepciones, y esta es una de ellas. No escasean los “malos ratos”, se lo aseguro, pero casi nunca son gratuitos, y el debut del realizador Juan Antonio Bayona, además de ser ya la película española más taquillera del año, tiene interés, excelente factura técnica y artística, y viene apadrinado por Guillermo del Toro, que es productor ejecutivo y aporta publicidad mediática dentro y fuera de nuestras fronteras. Además, es precandidata de la Academia Española de Cine al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, algo que me parece harto excesivo, ya que el resultado final de la cinta es bueno y relativamente novedoso en España, pero no se sale demasiado de lo ya visto en yankilandia.
No todo en nuestro cine son lloriqueos y lamentos o teta y culo. A veces nos topamos con buenas películas y grandes actores. En eso nos vamos a centrar en esta ocasión: en algunos de los buenos profesionales de la actuación del cine español (como siempre, lista que me viene ahora a la cabeza y personal e intransferible, expuesta a olvidos y críticas).
En su momento, tuve bastante interés por ver el debut en el cine del director Jaime Marqués Olarreaga, pero por diversos motivos (uno, aunque quisiera, no puede verlo todo) se me escapó. El trabajo del realizador novel, Premio Especial del Jurado en el Festival de Málaga, no era lo único que atraía mi atención hacia Ladrones, ya que así podría también seguirle los pasos a su pareja protagonista, dos actores jóvenes que me parecen de lo más prometedor de este país: Juan José “cara de pícaro” Ballesta y María Valverde, la febril flaqueza del bolchevique Luis Tosar (otro pedazo de actor, por cierto). Ahora se acaba de estrenar en DVD y por fin he logrado, desde casita y en mi sillón, echarle un minucioso vistazo. Maravillas de la tecnología.
Por Daniel Vicente
Darío nunca fue impuntual.
Hasta ese momento.
Quería que todos sus compañeros estuvieran sentados en sus puestos y lo consiguió.
El portero fue el más fácil de todos, ya que no se lo esperaba, y cuando lo vio caer desplomado se sorprendió al no sentir ninguna clase de remordimiento, y eso que alguna que otra vez habían comentado éste o aquél resultado de la liga como protocolario saludo. El Madrid no da una, decía uno. Y que lo digas contestaba el otro. Era su record de palabras en una conversación.
Finales felices, amargos, inesperados, cómicos, con moraleja, sencillos... todos valen si son buenos. Porque es increíble lo que puede llegar a estropear a una película su final, ese último sorbo que te puede amargar la copa, cuando todo lo demás merecía la pena.
Por ello hoy vamos a recordar algunos estupendos y de los más famosos, para que todos podamos compartirlos. No digo que sean tan siquiera los mejores, porque estas cosas son más subjetivas que los políticos en campaña electoral; sencillamente son algunos que me vienen ahora a la memoria como de los mejores que he visto...
Quién me iba a mí a decir que me quitaría el sombrero ante un trabajo de David Cronenberg –con adoradores y detractores por igual (obviamente, yo me encontraba hasta hoy entre los segundos)-, el mismo que firma películas como La zona muerta, La mosca o Crash (no confundir con la oscarizada homónima de Paul Haggis); el cine de Cronenberg ha retratado verdaderas odas al sexo gratuito y a llevar impermeable al cine para no mancharse con el baño de sangre y vísceras hiperrealista, hiperdesagradable e innecesario que desfila ante nuestros entornados ojos. Y en Promesas del Este tampoco se corta un pelo con escenas de violencia a veces suavizables, a veces idóneas para un entorno tan salvaje como el de los bajos fondos londinenses, pero se encuentra el realizador en una favorecedora madurez cinematográfica (a lo Almodóvar desde La flor de mi secreto) que ha construido una gran película de crímenes, realidades ocultas y personajes con fondo y forma.
Había gran expectación por catar lo último de Paul Haggis, guionista de la sublime Million dollar baby y a los mandos absolutos de Crash, la premiada hace dos años con el Oscar a la mejor película. El resultado, el guión para The last kiss, del ensombrecido director Tony Goldwin, es engañoso. Sacar de un grupo de amiguetes que rozan la treintena sobrepasados por sus hormonas e inseguridades un argumento decente, lejos de las gansadas lastimosas que se fabrican industrialmente con esos ingredientes ya supone un mérito. Sin embargo, Haggis ha realizado un trabajo de adaptación/calco de otra película italiana llamada El último beso, por lo que, si bien le ha salido un trabajo interesante para un proyecto interesante, habrá que esperar para saber si su meteórica carrera creativa sigue en el camino de las nubes.
Marga (Emma Suárez) es una chica que no ha tenido demasiada suerte en la vida: con su futuro encarrilado y embarazada recibe el mazazo de la muerte de su novio en accidente de tráfico. Sin embargo, es luchadora y tiene motivos para ello, así que pelea por un hueco en este mundo de codazos y empujones, y por huir de ella misma con su infelicidad atada a un tobillo como si fuera un ancla. Poco después conoce a Iñaki (Juan Diego Botto), un encantador artista con diez años menos que ella y con el que conecta como pensaba que sólo ocurría en las películas. Ambos se enamoran, y ahí comienza un nuevo problema, ya que Iñaki es gay…
Hasta las más rutilantes estrellas del firmamento holliwoodiense tienen que pagar las hipotecas de sus mansiones y de sus colecciones de lujosos coches, pobrecitos ellos...
El dilema llega cuando han de decidir si rebajarse a descender un par de escalones del olimpo de los inmortales, incotables y casi intangibles a costa de convertirse en imagen publicitaria o, por el contrario, mantener su halo inmaculado y evitar así la pérdida de respeto por parte del populacho. ¿Pasta o glamour? Evidentemente la respuesta suele ser pasta, pero como no son tontos (aunque gran parte sí que lo parecen a diario), se marchan a otros países a realizar sus spots, para evitar el pitorreo colectivo de sus compatriotas. Uno de los sitios más frecuentados es Japón, ya que pagan bien y sus anuncios no se emiten en yankilandia (¿o alguien pensaba que el argumento de Lost in Translation era ficción?). Afortunadamente existe Internet.
En España el término “comedia ligera” va asociado irreverente e irremediablemente a caspa, teta, grosería, descerebramiento, falta de recursos y pretensiones de dinero fácil a base de gamberrismo y anarquía argumental. Todo vale; simplemente hay que juntar a un puñado de especimenes de telebasura que estén de moda y a vivir de la subvención…
Con estas evidencias sobre la mesa, queda explicado por qué la última cinta de Álvaro Fernández Armero es una comedia ligera “rara”, poco convencional, si se añade que ni el centro del espectáculo está en enseñar carnaza ni en decir burradas entre eructo y eructo.
Por León Ocaña
Jamás le habían gustado esos supermercados enormes. Odiaba el frío que desprendían: tanto el pasillo de los congelados que formaban parte fundamental de su dieta como el trato con los deshumanizados empleados. Pero este caso era distinto. En aquel lugar estaba ella.
Conoció por casualidad a la cajera de los días pares en la 7 -se había aprendido su horario de trabajo de memoria- hacía apenas un par de meses, pero parecían años. Él siempre iba a su caja argumentando que ella era la única simpática, y a la encantadora cajera nunca le había parecido raro, al contrario: siempre tenía una palabra amable que dedicarle. Aquella criatura desgarbada de cuello de cisne, tez pálida, rubio de bote y ojos del color del mar enfurecido era deliciosamente tímida, culta y educada. Parecía un hada salida de la imaginación de Shakespeare, recluida en la Tierra, castigada sin su glamour. Por ello siempre la llamaba Titania; por eso y por la sonrisa que le arrancaba cada vez que lo hacía.
Algunos tipos duros de Hollywood que se hacen llamar actores corroboran en estos documentos visuales que os dejo que en realidad han equivocado su verdadera vocación y su profesión. Pero las películas de tortas y tetas por doquier son una tentacion demasiado grande... para nuestra desdicha, ya que nos toca sufrirlos.
¿Español o castellano? Vivimos la época del políticamente correcto en el país de las susceptibilidades, y tanto tacto a veces se torna en chaladura colectiva. Parece que hayamos llegado a un punto que uno deba tener reparos a la hora de utilizar la palabra España o alguna relacionada. Viva la naturalidad.
El tema del idioma no se escapa de la psicosis, y la sombra de los radicalismos unida a la desinformación hace que el desconcierto y el miedo a meter la pata nos invada a la hora de hablar de la lengua en la que nos expresamos muchos millones de personas.
Imanol Uribe (El rey pasmado, Bwana, El viaje de Carol) firma a bombo, platillo y publicidad televisiva la película homónima del libro de Arturo Pérez-Reverte –que está de moda (más si cabe) desde Alatriste, y hay que aprovechar el tirón- en la que está basada. Se trata de una buena recreación de uno de los libros más flojos del autor de Cartagena, y se echa en falta bastante labor de adaptación a la gran pantalla; el trabajo del realizador guipuzcoano se asemeja mucho a la obra impresa, pero dista de tener estructura de film consistente.
Al grano. El “sutil” y “sofisticado” detective John McClaine, mito viviente del cine de acción, no se anda con chiquitas; al poco de comenzar la cuarta parte de sus explosivas y adrenalínicas aventuras, ya estamos inmersos en un mar de disparos, persecuciones frenéticas y muchas explosiones. Para qué se van a hacer de rogar, si es lo que el respetable ha ido a ver al cine…
El realizador Len Wiseman – director de las dos entregas de Underworld y, por lo tanto, familiarizado con los efectos especiales/digitales- y su equipo ponen el escenario apocalíptico adecuado para que Bruce Willis se encuentre en su salsa salvando a sus compatriotas de otra terrible amenaza y, de paso, demostrar que sigue en forma a pesar de ser cincuentón, y que nació para interpretar a este personaje.
Por Iván Torres
En el silencio, el de mi voz, es cuando siento. Es cuando imagino palabras y frases y cuentos. Es cuando camino hasta acercarme, y me veo tan cerca que no se si abrazarme o salir corriendo. Es cuando soy, y me alivio, y me asusto.
En el silencio de mi voz es cuando me percato de la ausencia de hombros en los que apoyar mi cansancio, que cada vez es más profundo y pesado; de la ausencia de voces que digan, de la ausencia de imágenes y drogas que me ayuden a ausentarme. En el silencio, el de mi voz, la ausencia me asesina poco a poco, y es un asesinato sin muerte, de horizonte que nunca deja de ser horizonte, y me voy desangrando, y yo lo veo y poco puedo hacer para impedirlo.
Quentin Tarantino consigue que en cada una de sus películas nos reafirmemos en llamarle rey del homenaje. Y el caso es que homenajear tus afinidades cinematográficas sin limitarte a copiar (que es lo que se suele esconder tras la definición) y creando algo propio con tu inimitable sello de identidad no está en mano de cualquiera.
Death Proof es la mitad del proyecto llamado Grindhouse (la otra parte es Planet Terror de su inseparable Robert Rodríguez, estrenada el mes pasado), en lo que reproduce las antiguas sesiones dobles de películas cortas de terror.
Pedro Almodóvar tiene la vitola de director serio. Nada que ver con otros talentos del tipo de Tarantino, pero casi todas las películas dan curiosidades...
-Penélope Cruz se convirtió en la primera española en ser nominada como mejor actriz en los Oscars.
-Según Pedro Almodóvar, en el cuerpo de Raimunda (Penélope Cruz)sólo existe un fallo: el culo. El director dijo que este tipo de personajes son normalmente gente con gran trasero, y el de Penélope está demasiado estilizado.
Voy a ser “original” hablando de una cinta de superhéroes y, a la vez, de una segunda parte. Así tenemos el panorama de la cartelera veraniega. Y, con todo, no toca quejarse demasiado en esta ocasión, porque Los 4 Fantásticos y Silver Surfer, si bien no es un ejemplo de creatividad, supera claramente a su antecesora, lo cual no suele ser demasiado corriente. Así que encima hay que estar de enhorabuena.
En esta entrega de la familia con superpoderes de la factoría Marvel, la adaptación se presenta mucho más sólida y entretenida que la primera entrega, con acción (por supuesto), pero también con minutos para las relaciones personales, las dudas, la comedia, e incluso algún toque de glamour en sociedad.
Lo llaman Bourne, Jason Bourne (sigue con su amnesia y ni siquiera recuerda su verdadero nombre), y es una mala bestia, “nasío pa matá”, y con cara de angelito que nunca ha roto un plato. Buena combinación. El realizador Paul Greengrass, que ya se encargara de dar vida a El mito de Bourne, segundo proyecto de la saga del espía desmemoriado, y también autor de producciones de gran calidad como Omagh o la maravillosa United 93 -lo único serio que se ha visto en el cine sobre los atentados del 11-S- se pone al mando también de esta tercera parte con un resultado que supera lo mínimo exigible a una cinta de este tipo.
El trabajo se nos presenta en forma de trepidante correcalles por todo el mundo entre el gobierno de yankilandia y Bourne (Matt Damon, que ha anunciado que ya anda harto del personaje y lo deja, pero de momento aquí lo tenemos otra vez encarnando al protagonista)
Por León Ocaña
Una vez leí que en algún sitio del planeta llaman a África el Continente Rojo, debido a que la aridez de gran parte del territorio tiñe la tierra de ese color. El nombre no está mal puesto, pero lo que en realidad tiñe la tierra de rojo es la sangre que se derrama a diario con el consentimiento y la desidia del resto del mundo que se hace llamar civilizado.
Lo había hecho en otras ocasiones, pero esta vez ha sido diferente. Siempre había calmado mi conciencia el saber que no hacía más que cumplir órdenes y el amor a mi país. Esta mañana me he sorprendido mirándome al espejo sin ser capaz de reconocerme.
Este año Pixar, la hija pequeña de Disney, le ha ganado holgadamente el pulso a la Dreamworks, su encarnizada competidora. Mientras esta última se ha subido al carro de exprimir hasta que no quede jugo, obligando a arrastrarse por las pantallas de cine a su personaje estrella con la prescindible Shrek Tercero, esta historia de un joven cocinero que llega lejos gracias a los sabios consejos de una simpática rata que cocina mejor que cualquier humano cautiva desde el primer instante. Este extraño binomio (adolescente torpón aspirante a chef-rata genio de la cocina) puede parecer excesivo y poco apto para mentes mayores de diez años, pero se evidencia todo lo contrario con el transcurso de los minutos.
Buceando por ahí me he topado con una lista que se ha realizado sobre las treinta películas más frikis de la historia. Ahí os la dejo y si os apetece contadme si os parece bien hecha. A falta de buen cine en estas fechas, hay que reciclarse o morir...
El brillante principio de la visita a la gran pantalla de la familia amarilla más famosa que existe hace pensar que nos vamos a encontrar con toda la mordacidad y la chispa de las primeras temporadas de la serie original.
Sin embargo, poco a poco la sucesión de gags se van desinflando hasta tornar en inexplicable la legión de guionistas que se han encargado de cada segundo de la cinta.
Los Simpson fueron ideados para emitirse en televisión, incluyendo una duración perfecta para que en la sucesión de corrosivas ocurrencias, el guión resulte completamente secundario. Y eso lo saben sus creadores.
Pulp Fiction es una película que encierra todo un mundo de códigos internos y guiños de su director. Ahí os dejo algunos de ellos...
-La espada que coge Butch en la tienda es la misma que utiliza Uma Thurman en Kill Bill.
-Cuando el Señor Lobo apunta los nombres en su libreta para acudir a la ayuda de Vincent y Jules, utiliza el mismo método que en Reservoir Dogs al asociar los nombres de los implicados a colores.
-Cuando Mia vuelve a casa tras el "percance" de la sobredosis, hace un pacto de silencio con Vincent, y lo firman dándose la mano, detalle que vemos en un primer plano. En el restaurante, cuando Vincent le pregunta por qué su marido tiró a Antoine por la ventana de un cuarto piso, Mia dice que no lo sabe, y que lo único que Antoine tocó de Mía fue su mano. Ese apretón de manos no fue otra cosa que otro pacto de silencio, y por eso Mía no cuenta lo que realmente pasó con Antoine. Ya véis que el honor es una máxima en el cine de Tarantino...
Por León Ocaña
La apatía se había convertido en la tónica de su existencia. Al principio todo fue divertido y excitante, pero ya ni siquiera el codiciado que había reunido con el tiempo la saciaba. Resultaba inaudito, pero podría decirse que incluso echaba de menos la época en la que era humana y tenía esas vanas y estúpidas preocupaciones mortales. Quién le iba a decir que lo que no había logrado la luz del sol, el fuego o sus enemigos, lo estaba consiguiendo la monotonía.
Sobre un argumento de Gary Goldman y basado en el relato "The golden man" de Philip K. Dick, Next llega a nuestras veraniegas pantallas con aroma a buen intento y regusto a “se podía haber hecho bastante más”. El compungido Nicolas Cage -que menuda cabellera luce, por cierto: mal consejero estilístico tiene últimamente…-interpreta a un tipo que, sin explicación racional aparente, atesora el don de observar los próximos dos minutos de su vida en forma de visiones. Pero como el propio protagonista dice en el transcurso del film, “cada vez que ves el futuro cambia, porque lo has visto y eso cambia todo lo demás”.
Indiana Jones vuelve a la carga, y el rodaje está en marcha. Por ello voy a recordar que Harry vuelve a la carga con sus sesenta y cinco añitos junto a Shia Labeouf, el muchacho de Transformers y Memorias de Queens, que hace de su hijo. Ahí tenemos una fotillo del evento...
Y para abrir boca, os pongo a continuación algunas curiosidades de entregas anteriores de Indy.
Recuerdo una época ya lejana en la que ver cine francés era símbolo de ser muy chic y entendido en la materia. El cine del país vecino, por definición, ya fuera maravilloso o vomitivo, era la releche en polvo: Truffaut, Renoir, Godard… los gabachos sí que sabían de arte, y no las “españoladas” esas.
Después, con la globalización, las fronteras de lo cinematográficamente maravilloso por decreto “de los que saben de esto” se ampliaron al cine europeo en el amplio sentido de la palabra. Más allá de los Visconti, Jeunet o Haneke, estamos poniendo el punto de mira en la Europa nórdica y del este con esos pedazos de realismo en forma de cámara en mano a pie de guerra de los ex yugoslavos como Kusturika o del nombrado sucesor de Dreyer en Dinamarca, el reaccionario Lars Von Trier.
Por Daniel Vicente
-Mi reino por un cubito de hielo.
Stephen estaba sentado en un sillón de cuero vestido con su mejor traje, un Armani que tenía preparado para la boda de su hermana y que no pudo estrenar.
Con algo de esfuerzo logró enfundárselo, y tras una mirada aprobatoria delante del espejo se sintió plenamente satisfecho.
Saboreaba un sabroso Cardhu en un vaso corto y ancho, de excelente cristal que le costó una pequeña fortuna y que guardó en la estantería durante años, esperando una ocasión que mereciera su primera toma de contacto con el líquido elemento.
De fondo sonaba con toda la potencia que permitían los altavoces de forma machacona 'Lying from you', de Linking Park que, si bien no era su canción favorita, era ideal dadas las circunstancias.
Harry Potter ha vuelto. Y se nos ha hecho mayor. En las cinco películas que han visto la luz sobre el mago más célebre que existe hemos visto crecer a Daniel Radcliffe y al personaje con él. Hagan una prueba y pongan si tienen oportunidad el DVD de la primera parte antes de ir a ver Harry Potter y la Orden del Fénix: verán qué cambio ha dado y qué pequeñín se le veía hace seis años… Y hablando de regresos, a estas alturas es un secreto a gritos que Lord Voldemort ha vuelto, pero en esta quinta entrega el ministro y sus magos de confianza van a negar la evidencia, ya sea por puro miedo o porque exista algún motivo oculto que podamos descubrir al final. El caso es que Harry se va a ver más solo que nunca en su cruzada y peligrará hasta su plaza como estudiante en la escuela de magia.
Uno nunca va a dejar de ver cosas curiosas mientras existan las mentes aquejadas de cachondeísmo agudo o de estupidez grave, que es la peor enfermedad que existe. Ahí os dejo algunas curiosidades y fricadillas varias.
El sudoku está, definitivamente, de moda. Vivir para ver...
Mirad la lista de las películas españolas (incluidas coproducciones) más taquilleras del año y morid del susto. Hay multiples explicaciones a esto, y eso teniendo en cuenta que están muy muy lejos del cine americano en recaudación. Entre todas ellas no alcanzan los beneficios de Spider- man 3, líder internacional en beneficios... A mí se me ha caído el alma a los pies.
Lista de las películas españolas con mayor recaudación:
1- Pérez, el ratoncito de tus sueños 2.146.363,85 €
2- El Ekipo Ja 1.601.879,04 €
3- La Caja Kovak 1.555.981,31 €
4- El Laberinto del Fauno 1.550.475,93 €
5- Lola, la película 1.147.421,20 €
6- Cándida 916.997,24 €
7- El perfume. Historia de un asesino 889.484,66 €
8- Teresa, el cuerpo de Cristo 634.915,77 €
9- Días de cine 549.391,13 €
10- El corazón de la Tierra 526.883,11 €
Como la esperanza es lo último que se pierde, no debemos rendirnos a la evidencia –antes morir que perder la vida-, pero sí que podemos ir asumiendo que en el cine de hoy lo que se impone, porque es lo más rentable, es transformar los buenos cámaras y directores de fotografía en virtuosos del ordenador y los efectos especiales. El cine que se lleva estos tiempos y especialmente estas fechas calurosas se realiza en gran medida desde una oficina delante de un monitor, y los personajes creados digitalmente cobran más protagonismos que las comparsas de carne y hueso que se hacen llamar actores y pululan rogando un poquito de gloria a los píxeles. Me niego a llamar cine a este engendro fruto del mercado, así que no usaré en ningún momento la palabra “película” a modo de protesta. Dicho esto, Transformers es una buena opción para pasar un rato divertido de un espectáculo visual de gran tonelaje.
Comentar una película sin haberla visto no es en absoluto profesional y, además, el colmo de la desvergüenza, así como un claro caso de cara más dura que el cemento armado.
Pero estamos en verano, época de vacaciones, y la cartelera se empeña en convencerme de que en estas fechas el sitio de un crítico de cine está en la playa tomando el sol. Y el caso es que yo lo he intentado. No es la cosa tan descarada como suena. Si me permiten explicar la situación estoy seguro de que se harán cargo.
Por León Ocaña
¡Brrrrrrr, brrrrrrrrrrrr, brrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrr! El sonido del móvil le hace salir de la inconsciencia en la que estaba sumido. Abre un ojo, saca el teléfono del bolsillo del pantalón que hace las veces de único pijama y aún lleva puesto desde anoche, y lo tapa con la almohada; no tiene la más mínima intención de contestar, pero la jodida llamada ha sido suficiente para despertarle. Se pregunta qué hora será y un rápido vistazo al reloj que tiene encima de la chimenea le confirma que con hoy ya son tres días los que lleva sin ver la luz del sol…
Este post va dedicado al ala friki (en el sentido no negativo de la palabra) de mis lectores, esa que tanto quiero. No todo va a ser cine de autor; prometo hablar pronto de "arte y ensayo".
Ahí van unas friki-noticias calentitas:
Érase otra vez un ogro verde que vino al reino de Muy, Muy Verano para volver a conquistar la taquilla. La tercera entrega de la saga (ya hay que hablar de sagas en lugar de trilogías: mientras dé beneficios…) se antoja con creces la de menos calidad, con un guión bastante lineal y poco que destacar en ningún otro aspecto; ni siquiera en el técnico o musical, puntales de sus predecesoras. No obstante el tirón de Shrek da para que esta película sea razonablemente entretenida y suponga lo más divertido en animación de los últimos dos años (así de mal está la cosa).
Seis de junio de 1944: la invasión aliada de Francia a gran escala está a punto de marcar el comienzo del fin de la hegemonía nazi sobre Europa. Tres millones de soldados, once mil aviones y cuatro mil barcos supusieron el mayor despliegue bélico de la Segunda Guerra Mundial. Y El día más largo supuso también uno de los mayores despliegues cinematográficos de su época –con dos Oscars en 1962 a la mejor fotografía y mejores efectos especiales-, y hoy es el gran clásico sobre el día D en Normandía.
Las tres horas que dura el metraje se dividen claramente en más de una de tensa y magistral calma que precede a la tempestad, con los soldados preparándose para la contienda, enseñando caras y almas de las personas que van a matar y morir; y por otro lado en otras casi dos horas de trepidante acción, ensalada de balas, barcos, aviones y cuerpos inertes.
Si vas a un buen restaurante y pides con la comida un vino de categoría, lo último que esperas es que te pongan un tetrabrick sobre la mesa, ¿verdad? Algo tiene que ver con esto el mayor defecto de Corazones solitarios: el primerizo Todd Robinson nos pone sobre la mesa una estupenda manera de contar historias, interesando al espectador, sirviéndose de una atmósfera de cine negro del bueno, y dando bastante libertad a los actores en la construcción de los personajes, contando a su vez con unas direcciones artística y de fotografía de verdadero lujo para la vista, dignas de película de muy buena cosecha. Sin embargo, todo este “vino cinematográfico de lujo”, aquí viene el defecto de Robinson, flaquea en su guión, y da la sensación de grandes conceptos y saber hacer envasados al vacío que sientes esperando de la historia algo más de lo que a los cinco minutos de metraje ya sabes que va a ocurrir.
Por León Ocaña
Tengo miedo; mucho. Me avergüenzo de mí mismo por ello. No soy digno de portar el estandarte del Emperador del mundo. Sin embargo no puedo sobreponerme a esa sensación, y sólo he sido capaz de enmascarar mis sentimientos a los legionarios que forman impecables detrás de mí, sujetando firmemente sus pilums con el semblante muy tenso. Pobres: les compadezco. La séptima es una cohorte de reclutas jóvenes e inexpertos, y deben de estar pasándolo aún peor que yo. Para colmo, empieza a llover de nuevo, como si en esta tierra demoníaca no hubiera bastante con la eterna niebla que te cala hasta las entrañas.
Neil Gaiman lleva dos décadas siendo uno de los referentes culturales en diversos campos. El versátil genio británico, además de ser uno de los grandes nombres del cómic, también es escritor y está empezando a dar sus primeros pasos en serio como cineasta. Comenzó su andadura profesional como articulista y entrevistador para revistas especializadas, y fue precisamente una de esas entrevistas, nada menos que a Alan Moore, lo que volvió a despertar el gusanillo de los cómics que tenía aplacado hacía tiempo. Y ya fue un no parar.
Entre sus trabajos más famosos podemos encontrar Orquídea Negra, su primera serie de cómic-book en Estados Unidos, que tuvo gran acogida y le abrió las puertas de la editorial DC, uno de los dos grandes titanes del negocio de la viñeta. Luego llegó Sandman.
Vivimos en una época en le que la originalidad, en general, brilla por su ausencia: no hay más que echarle un vistazo al día a día –y digo “vivimos” en vez “nos ha tocado vivir” porque todos somos responsables de nuestro borreguismo y tenemos elección, pero decidimos dejarnos llevar por la marea-. De esto, claro está, no se libra el cine, uno de los principales referentes de la sociedad. Este verano ha resultado ser el de las terceras partes y, en algunos casos como el que nos atañe, la de un remake (el rizo del rizo de la falta de inventiva). Todavía no he visto una de esas terceras partes ilustres que nos acosan estos días que mejore sensiblemente lo que ya había o que aporte algo nuevo, y Ocean’s thirteen, mira que lo tenía fácil para rectificar la chorrada que salió como segunda entrega, no se puede decir que se haya redimido. Es verdad que se antoja algo más seria, pero no creo que una mejora tan mínima merezca un macroproyecto como éste.
En términos cinematográficos, hablar de Katharine Hepburn es hablar de palabras mayores. Se encuentra en el selecto club de las más grandes. Yo me atrevería, con el permiso de Meryl Streep (con la que se llevaba fatal, por cierto), a ponerla incluso en cabeza de semejante club, aunque sobre gustos ya se sabe…
Coetánea del gran John Wayne, el pasado mes de mayo (el día 12) también habría cumplido cien años, pero se nos privó de su arrolladora fuerza vital en 2003, lo cual quiere decir que vivió nada menos que 96 años; fue obstinada hasta para resistirse a la muerte, habría dicho seguramente su amigo y también uno de sus directores favoritos George Cukor, que la conocía muy bien.
La habitación del hijo
Palma de Oro en Cannes en 2001, la más que solvente cinta del ególatra y a veces genial director italiano Nani Moretti, pretende (y en mi opinión logra holgadamente) mostrarnos una historia sencilla, aunque en absoluto simple, enormemente cargada de emotividad contenida sin caer en la sensiblería melodramática ni la lágrima fácil. Nos relata de manera verosímil y con exquisitez cómo una familia acomodada va a tener que enfrentarse a sus propios sentimientos y a un crucial acontecimiento que perturbará su quizá demasiado ideal armonía. Este hecho los cambiará a todos para siempre.
Vista y revista la repercusión mediática que ha tenido la saga de La Guerra de las Galáxias en estas tres décadas, vamos a frivolizar un poquito más de la cuenta y completamos el artículo con curiosidades sobre lo que la gente llega a adorar el universo de George Lucas. Mirad y alucinad. Ver para creer.
Al merchandising agresivo que ha conquistado cotas realmente espectaculares ahora hay que añadir el predominio de Internet en la sociedad actual. Quién iba a decirle a Darth Vader en la década de los setenta que iba a ser una estrella de la red que ni siquiera existía en un nuevo milenio...
En este 2007 nuestro (el 25 de mayo para ser exactos) se cumplen treinta años desde que a un loco visionario llamado George Lucas llevó a cabo la idea peregrina de hacer una película de fantasía espacial a la que llamó Star Wars, alias La Guerra de las Galaxias. Poco nuevo se puede decir del universo que aquel tipo estaba creando que no se haya dicho o escrito en estos treinta años de reinado en todo el mundo y parte del extranjero. Desde luego, lo que sí que hay que decir a toro pasado es que aquel chalado, hoy uno de los padres del cine moderno, le echó grandes dosis de riesgo a aquel proyecto, pero demostró ser mucho más que un soñador. Si no hubiera estado seguro de la viabilidad del macroproyecto que tramaba no habría luchado por abrirse paso en el entonces inexplorado camino del merchandising, quedándose como beneficio con los vitalicios frutos del marketing, despreciable por aquel entonces, pero que poco a poco lo harían muchimillonario. Bastantes se deben estar tirando aún de los pelos por permitírselo.
Por Iván Torres
El poeta y el amigo fueron a la guerra; porque elegir, por un motivo u otro, no pudieron. El poeta consigo llevó una pluma; el amigo, un fusil.
La guerra era una guerra cualquiera, que sucedió en algún año que no se sabe y en algún lugar que no importa. Absurda, inútil, descabellada; como todas las guerras de la historia.
Cuando las primeras bombas quebraron el sosiego de la noche y las primeras lágrimas salaron tristemente el aire, el poeta y el amigo no consintieron esperar tan solo, y partieron, cada cual con su bando, a las batallas, que los reclamaban a susurros y gritos.
No se sabe, tampoco, a qué bando pertenecía cada uno.
El poeta escribió y murió; el amigo vivió y mató.
El argumento de estos archifamosos Piratas del Caribe se acabó con la primera entrega de la saga. Aquello fue original y divertido, aunque nunca ha sido una película naval y menos de piratas -no hay que faltar el respeto a obras como La isla del tesoro, Motín a bordo o Master & Commander-, sino de aventuras, entretenimiento y efectos.
De eso vuelve a haber un montón, claro está, pero hasta en escenas de combate esta tercera entrega se hace más larga que la cuesta de enero en paro. Cerca de ¡tres horas! que, en lo que respecta a guión se podrían resumir en veinte minutos; todo lo demás, el humo más caro que una cantidad indecente de pasta gansa puede comprar (y después nos vemos decepcionados con los “proyectos de gran presupuesto” patrios…).
El veintiséis de mayo habría cumplido un siglo. Justo ese día de 1907 nació en Iowa el mayor icono del western que ha existido. Marion Michael Morrison –que así se llamaba: siempre se avergonzó de su nombre, que juzgaba poco viril; él, imagen del hombre rudo– nació como John Wayne en 1930 (La gran jornada), pero fue en La diligencia (primera obra maestra en la que trabajó con su inseparable John Ford, al que le debe gran parte de lo que ha sido), nueve años después, en la que empezó a escribir su nombre con letras mayúsculas en la historia del cine. Sus amiguetes le llamaban en broma Duke porque decían que ya existía un rey (Clark Gable), aunque el apelativo venía de mucho antes por una anécdota con su perro, y acabó quedándosele el sobrenombre.
Después de la polémica (en España gusta más una polémica estúpida que un mes de vacaciones) Teresa: el cuerpo de Cristo, Paz Vega estrena ahora una cinta sencilla (tanto que el argumento casi brilla por su ausencia), divertida y de bajo presupuesto junto a Morgan “presencia” Freeman -yo ya pagaría nada más que por eso si fuera actor, ¿suena muy mitómano?-. Nada intenta demostrar esta excentricidad caprichosa del propio Freeman, que es el productor, y por consiguiente, el que parte el bacon (que en yankilandia se estila poco el bacalao).
Os dejo un post visual que no tienen desperdicio y, además de ser curiosos o divertidos dejan claro que la gente se aburre muuuuuuucho.
Recomiendo encender los altavoces, ya que alguno de ellos pierde toda la gracia si no se oye...
Hace poco comentaba esta película con alguien que me decía que le parece un soberano tostonazo, que su protagonista es un asno y un chalado que no sabe ni expresarse más allá de su música, tan excéntrico como el director de la cinta, y que le dice muy poco una supuesta historia de amor en la que apenas ocurre nada y casi ni hay diálogos. Siempre he sido de los que dicen por convicción que el libro de los gustos está esperando la firma de cualquiera, y reconozco que en alguna de las exageradas afirmaciones comparto el enfoque; salta a la vista que la extensión del director dentro de la pantalla en la figura del actor británico David Thewlis es irreal a más no poder, y también se vislumbra algún “exceso de genialidad” en el abrupto y barroco montaje para una historia tan sencilla y terrenal como ésta. No obstante, en poco más puedo estar de acuerdo, ya que creo que en Asediada es una maravilla la naturalidad de la que Bernardo Bertolucci hace gala al dibujar con su característico don para el manejo de la cámara –de antología son el giro en el que la protagonista se queda dormida y el fundido de la espuma de cerveza- y una perfecta elección musical, esta tierna y humana historia de amor como mandan los cánones: poquito a poco, saboreando y sufriendo cada uno de los pequeños detalles.
El trailer es un protagonista indiscutible a la hora de vender una película –no se nos olvide que, teorías artísticas de la Ministra, Fernando Trueba o Cayetana Guillén aparte, este mundejo es, principalmente, un negocio–; siempre ha sido así, pero en los últimos tiempos, con los adelantos y el incremento de la espectacularidad visual, la relevancia se antoja aún mayor –algunos también dicen con sorna que cada vez es más útil que una cinta se venda todo lo posible en su primer fin de semana, antes de que la gente se dé cuenta de lo mala que es y se lo cuente a más gente–.
Por Daniel Vicente
El señor Allen se sentía satisfecho.
Sentado en la butaca, no paraba de hablar y de hablar, con la sonrisa en la cara y los ojos húmedos y cristalinos de felicidad.
-Tendrías que haberme visto, ¡a mis años! Jamás he sentido tanta alegría y satisfacción. Dejé a todos esos chavales con la boca abierta, pasmados, y seguro que a partir de ese momento con una mentalidad muy diferente respecto a los que lucimos canas y arrugas en nuestras caras.
El señor Allen permaneció unos instantes callado, saboreando en silencio su triunfo personal, y se recostó en la butaca buscando una posición aún más cómoda mientras tamborileaba la empuñadura del bastón con dedos alegres.
Nuestro amigo y vecino Spiderman ha vuelto apabullando con el que ya es el mayor presupuesto de todos los tiempos para una sola película. Sam Raimi sigue demostrando que las historias de superhéroes pueden estar cuidadas y rodadas con dedicación, y que deben ir más allá de los efectos especiales. Suena raro decirlo en una cinta de este tipo, pero el estupendo plantel de actores representa, como debe ser, el alma de la producción, y sin ellos, no habría ordenador que le diera corazón al asunto (a Punishers y Elektras me remito…). Tobey Maguire está muy cómodo en el papel de protagonista al que se nota que le ha pillado la medida, y le da esos momentos de intensidad interpretativa que sólo un buen actor le sabe aportar a un personaje que suele ir vestido con mallas: esta tercera parte de la saga requiere de mayor entrega por su parte y Maguire está a la altura de las circunstancias.
De todo tiene que haber en esta vida para que podamos apreciar lo bueno, y uno tiene asumido que existe el cine más malo que el dolor de una muela picada con siete caries y la raíz afectada. Lo que me parece inaceptable es entrar de buena fe a ver un thriller de intriga, tal y como me lo han vendido, y que guionista y director me tomen por idiota y me manipulen para que no me mueva del sillón, cuando realmente no voy a encontrar nada de lo que el transcurso del metraje está prometiendo.
El gancho consiste en una joven familia bucólica políticamente correcta y perfecta que sufre un mazazo cuando el marido muere en un accidente de coche. Al día siguiente la dulce esposa (Sandra Bullock: la culpa es mía por darle otra oportunidad…) se levanta aún hecha polvo por la terrible pérdida y cuál es su sorpresa (y la nuestra) cuando ve allí a su marido vivito y coleando, como si no hubiera ocurrido nada y preparándose para ir al trabajo. Ahí comienza la interesante historia. Nadie excepto ella tiene idea de lo supuestamente ocurrido el día anterior, y nada tiene sentido. A partir de ahí, la vida de la joven se convertirá en una puñetera locura, e irá dando saltos del pasado al presente, de un día a otro, investigando qué narices está ocurriendo, e intentando evitar la muerte de su marido que ya ha vivido, y que sabe exactamente el día que acontecerá.
Por Iván Torres
Entre juguete y juguete, a Miguelito se le iban ocurriendo preguntas sobre la vida. Una tarde preguntó a su madre:
- ¿Y de dónde vienen las flores?
Ella, para no cansarlo con una soporífera clase de naturaleza, imaginó e inventó:
- Tras la primera lluvia llegó el sol primero, y tras él, el primer arco iris. Como entonces no había hombres, tampoco había fronteras, y el inmenso arco de colores cruzaba la tierra de polo a polo, sin altos ni aduanas. En el espacio exterior las estrellas se tocaban en el hombro y se susurraban entre ellas, ¿viste eso?, asombradas de tanta belleza reunida de una sola vez. El sol, celoso, no quiso pasar desapercibido, y quemó y quemó, hasta que el arco iris, achicharrado, comenzó a derretirse.
Todavía tengo la mandíbula desencajada del ataque de risa que me dio hace años, cuando algunos deseosos de nuevos mitos del cine, y aprovechando el apogeo de su trayectoria, osaron comparar a Hugh Grant nada menos que con el inigualable Cary Grant: además del blanco de los ojos, su origen británico y el apellido artístico, sobra decir que nada más tienen en común.
Creo que queda bastante claro que tengo algo atragantado al primero de ellos, pero lo que sí que le concedo es que lleva el encasillamiento profesional como nadie de bien. Encaja como pez en el agua en papeles de inmaduro talludito con cara (y pelo) de acabarse de levantar el día después de una despedida de soltero, y ha disfrazado sus muecas y tics varios con el traje de “sello personal”, lo que no deja de tener todo el arte…
Por León Ocaña
Se encontraba solo, muy solo, sentado en los escalones de la puerta de entrada al hospital, con la mirada perdida, tratando de asimilar que su corazón acababa de romperse sin remedio, y ya nada volvería a ser igual; su mundo estaba desmoronándose y quedaría anclado en este día para siempre.
Era su amigo, su socio, su cómplice, desde el mismo día en que nació y lo tomó en sus brazos. Sus miradas se cruzaron y se fundieron sus almas en una sola. Poseían edades tan dispares como pueden ser las de un abuelo y su nieto, pero nada de eso importó hasta el fatídico día en que su carrera juntos se acabó cuando se encontraban a medio camino de la meta.
Para que luego no digan que no se le da bola al cine español, seamos justos cuando hay que serlo. El último trabajo de Antonio Cuadri no ha cubierto las expectativas que en él se habían depositado, pero supone un muy buen intento de acercar al espectador español a sus raíces y a momentos interesantes y menos conocidos de nuestros antepasados. Lo que canta un poquito es que esté rodada en inglés y doblada al castellano si de verdad existe esa intención de acercar al paisano su historia, pero hay que entender que es un proyecto pequeño que ha necesitado de capital de infinidad de inversores, y la proyección internacional es lo que se impone. El realizador, más conocido por su Gran vida, comedia con Carmelo Gómez y Salma Hayek, con guión de Fernando León (que dejó por una vez aparcadas las tristuras), se ha embarcado en la adaptación de la novela homónima de Juan Cobos Wilkins, que relata las desventuras de la población de 1888 en Riotinto (Huelva), mineros y agricultores dedicados en cuerpo y alma a la explotación de las milenarias minas que todavía hoy allí se ubican. A su vez, éstos eran explotados por la compañía británica a la que entonces pertenecían dichas minas, que no tenían en cuenta los derechos mínimos de los trabajadores; y ello sin hablar de su política de mirar a otro lado con respecto a la contaminación ambiental y la lluvia ácida, que provocaba que nadie tuviera sanos los pulmones en toda la región. El asunto desembocó en una histórica revuelta en la que se centra la película.
El estreno en España de la tercera entrega de la mejor adaptación de los últimos tiempos de un superhéroe al cine ya es inminente, y la amenaza a la que se tendrá que enfrentar Spiderman se antoja la mayor de las tres películas.
Nada mejor que hacérselas pasar canutas a un personaje para que sus aventuras se nos vuelvan cercanas e interesantes. Yo siempre he preferido a los superhéroes que no son de plástico, que tienen emociones humanas y sufren sus vidas detrás de la máscara. Spiderman, con permiso de Daredevil (que lo del pobre abogado ciego es para ponerle un monumento), es el más sacrificado y por ello uno de mis favoritos. No en vano, de sus páginas sale la famosa frase “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. Pobre iluso…
Bastante poco seduce en realidad una cesta con, a priori, bastantes mimbres para poder hacerlo. Lo que ocurre es que casi todo aquí es mediocre disfrazado de glamour, y el género “peliculilla de intriga” se suele caracterizar por su interés por la venta del producto en el mercado del pasar el rato: interés inversamente proporcional al cuidado por la calidad del film.
Fotocopia de fotocopias, la trama pretende engancharnos con las osadías de una periodista que se infiltra en una prestigiosa agencia de publicidad con el objetivo de investigar al todopoderoso jefe, reconocido mujeriego y sospechoso del reciente asesinato de su mejor amiga. El planteamiento tiene tan poco de malo como de original, pero la torpeza y la mediocridad que predomina hace que tengamos la enorme sensación de estar viendo un telefilm (de los digeribles) de esos que nos ponen por la tarde, con la salvedad de que hemos pagado una siempre excesiva entrada para ello.
Por Silvia Laguillo
Se aferraba a sus rodillas con tanta fuerza que se hacía daño. Sentado con la cabeza entre las piernas parecía que estuviese a punto de vomitar en el suelo de mármol, y su balanceo enfermizo decía muy poco de su actual estado anímico. Pero no estaba loco, sólo era más receptivo que la mayoría, o que todos los que le habían rodeado alguna vez. La alegría le inundaba el pecho y la tristeza era un hachazo en la espalda, tan radical siempre, nunca a pequeños sorbos. Quizás podría haber sido tachado de bipolar, y hasta él mismo lo había pensado en alguna ocasión , pero sabía que no era así, simplemente era más sensible que el resto.Un hecho natural como el ver envejecer a sus padres le estaba matando de dolor...
¡Qué grande es el cine!, que pontificaba en su nombre de pila el denostado programa de José Luís Garci. En estas fechas en las que el nivel que se exhibe en los cines va sistemáticamente en picado hasta desembocar en el desastre veraniego de todos los años, agrada poder agarrarse a una película interesante de estreno tardío en nuestro país.
La obra (nunca mejor dicho) del realizador Richard Eyre, proveniente del mundo del teatro británico, la mejor escuela de interpretación del planeta, no sin cierto regusto folletinesco de sábado por la tarde en televisión pública, cuenta con delicadeza y sin amarillismo la historia de una profesora de escuela humilde (Cate Blanchett) que tiene un escarceo sentimental con uno de sus alumnos, menor de edad; a la acción hay que añadir cómo se aprovecha de enterarse del asunto una compañera de ésta (Judi Dench), una vieja solitaria que anda peculiarmente enamorada de la infractora maestra. El globo estallará y los acontecimientos irán arañando con buen gusto temas delicados que no llegan en ningún momento a herir ninguna sensibilidad, pero sí a hacerse con el interés del espectador.
Por León Ocaña
Abrumado por tanta cara desconocida (hospitalaria y amable, pero desconocida), aprovechó un momento de calma y fue conducido por su timidez en busca de un rato de soledad con la excusa de echar un vistazo curioso por el impresionante caserón: a fin de cuentas, era algo parecido a un turista, ¿no?
Andaba ausente, perdido en sus pensamientos caóticos y admirando la capacidad de aquella gente para mantener un pasillo tan largo sin una sola mota de polvo, cuando se percató de que aquello era tan enorme que no tenía idea de en qué parte se encontraba, así que con toda certeza, por si no se sentía suficientemente inseguro, necesitaría ayuda para regresar a la sala donde había estado tomando ese delicioso té, y de la que salió hacía un rato en busca de oxígeno. Pensó que ya que iba a volver a hacer el ridículo, al menos acabaría su interesante paseo, y con ello retrasaría unos minutos su vuelta al angosto mundo de la sonrisa cordial y estúpida del que no entiende una palabra de lo que oye; así que se decidió a entrar por aquella enorme puerta de madera oscura ornamentada a ver qué nuevo patio o salón le deparaba…
En el año 2003 la Academia de Hollywood decidió reverenciar al grandísimo Peter O'Toole otorgándole el Oscar honorífico por toda su trayectoria profesional. Ante semejante homenaje, el siempre polémico actor irlandés reaccionó con un soberano enfado, dejando de paso boquiabierto a todo el mundo, ya que según él, no era el momento de darle un reconocimiento que se convierta en su colofón profesional. No dudó en declarar que aún estaba en disposición de lograr un Oscar por su trabajo actual, y ya habría tiempo para los recuerdos. Finalmente se dignó a recogerlo, pero a regañadientes.
Tras esta aparente salida de tiesto, muchos fueron (fuimos) los que pensaron que a sus años, O’toole, que sin duda es uno de los pocos (poquísimos) grandes mitos clásicos vivos del celuloide, estaba chocheando, o quizá se había dejado llevar por los embriagadores efectos de un cóctel de nostalgia y soberbia.
Se antoja de lo más paradójico afirmar que John Ford, el incuestionable rey del western, se aleja de lo convencional del género en prácticamente todas las películas que le dedicó. Es precisamente su personal estilo de filmar, por encima de estereotipos y cánones lo que hace que hoy se recuerde como uno de los más grandes: soy “fordiano”, a la vista está, y lo afirmo sin ningún complejo.
La pasión de los fuertes, o mucho mejor My darling Clementine, su título original, que tiene mucho más sentido en el contexto de la historia, refleja de personalísima manera y con numerosas licencias una de las múltiples visiones del famoso duelo de O.K. Corral, acontecido en la no menos famosa ciudad de Tombstone, en Arizona. Henry Fonda, uno de los mitos del cine que menos venero, interpreta majestuosamente (es de justicia reconocerle este mérito) a Wyatt Earp, antiguo agente de la ley de Dodge City y ganadero junto a sus hermanos, que acepta el puesto de sheriff de Tombstone cuando en las afueras matan a su hermano menor y le roban el ganado. Allí hará amistad con Doc Holiday, un diestro y afamado pistolero, y conocerá a la guapa Clementine, que acaba de llegar a la ciudad con un propósito muy claro…
Con paso firme y al son de los tambores llega al fin a nuestras pantallas el último vistazo que el cine le ha echado a una novela gráfica de Frank Miller, uno de los grandes gurús del cómic de todos los tiempos. El con creces creador de viñetas más cinematográfico que hay, ha cedido su magnífico 300 al realizador Zack Snyder para que haga llegar hasta seguidores y/o adoradores del arte de Miller, y también a los profanos, la particular visión de éste sobre la famosa Batalla de las Termópilas; en ella, el rey Leónidas de Esparta, interpretado por Gerard Butler, se enfrenta con un puñado de fanáticos y leales guerreros a la inmensidad del ejército persa que lucha en nombre del poderoso Jerjes, también llamado el rey-dios. Gracias a la arrogante locura de estos soldados llamados a la gloria eterna, Leónidas logró contener al grandioso ejército hasta la reagrupación de todos los pueblos griegos, que finalmente plantaron cara y evitaron la entrada de los persas por las puertas de Europa.
En los últimos tiempos el cine alemán se ha puesto la historia de su país por montera y ha decidido afrontar con naturalidad el repaso de épocas, cuando menos, turbias, lo cual supone un verdadero síntoma de madurez y paz interior. Primero pudimos disfrutar de la sobrecogedora El hundimiento, en la que un soberbio Bruno Ganz se disfrazaba con el pellejo, el bigotito y la realidad de Adolf Hitler en sus últimos días de vida antes de suicidarse, y ahora es La vida de los otros la que se adentra en la oscurantista etapa de la antigua República Democrática de Alemania, de régimen tan comunista como opresivo.
Por Daniel Vicente
El capitán Francis Caracciolo observaba desde el alcázar con el ceño fruncido su barco.
La fragata HMS Circe surcaba con dificultad las aguas atlánticas frente a la costa gallega.
El apaño efectuado en el mastelero del trinquete parecía aguantar, pero con el fuerte viento que soplaba por aquellas latitudes no las tenía todas consigo.
El navío francés les había dado una buena paliza, y sólo la suerte y una acertada maniobra les había permitido escapar antes de que fueran rematados.
Aún se le ponía el vello de punta al recordar la persecución y los estampidos del francés desde popa mientras él se esforzaba en mantener el gesto inmutable.
Un lugar en ninguna parte
Es muy frecuente el hecho de tener idealizada una película que viste hace mucho, que con el paso de los años te replantees por qué narices te gustaba, y que ahora te resulte imposible de digerir. Sonríes nostálgico y te avergüenzas del pavo que tenías encima en tus años mozos para que te calara semejante pastelón, o aquella sobredosis de acción con protagonistas hasta las cejas de esteroides y la expresividad de una estatua de cera.
Vi por primera vez Un lugar en ninguna parte, del gran artesano Sidney Lumet (Serpico, Asesinato en el Orient Express, El abogado del diablo) cuando no era más que un crío, y se convirtió en una de mis obras-fetiche, muchas de las cuales he ido repudiando por sensatez o vergüenza torera con la edad. Hacía años que me apetecía volver a verla, con la misma intensidad que temía encontrarme con la fría realidad y descubrir una cinta diferente a lo que recordaba; y al fin, el otro día cayó en mis manos.
Por Jessica Jones
Una multitud de estrellas brillaba en la despejada noche, superando en esplendor a la pálida luna menguante. En la tierra era imposible observar esta escena, velada por la niebla que surgía del lago, la bruma nocturna y las oscuras nubes de humo, formadas a lo largo de semanas de incendios.
Por las orillas se encontraban diseminados numerosos cadáveres putrefactos. Eran de los soldados pertenecientes a las diversas facciones enfrentadas en la guerra que asolaba aquella región. La espesa niebla se arremolinaba, dibujando misteriosas siluetas que se asemejaban a fantasmas o espectros de los muchos caídos.
Nicholas Cage siempre se ha declarado ferviente fan de los cómics de superhéroes; más aun, yo añadiría que es un verdadero chiflado del mundo de la viñeta de capa y leotardo. Por ello se le ha relacionado con varios proyectos cinematográficos vinculados con el tema, pero no han llegado a cuajar, generalmente porque no daba el perfil. Eso, claro está, hasta que fructificó la idea de llevar al Motorista Fantasma a la gran pantalla. El personaje necesita una cara poco corriente, huesuda y que nada más verla te hagas cargo de que tienes delante a uno de los tipos más desgraciados del universo Marvel; y para ello sí que es perfecto el compungido Cage. Al fin había conseguido colarse en una peli de superhéroes. Ya puede morir tranquilo.
Puede que peque de injusto, pero nunca me ha parecido de recibo enarbolar la bandera de una buena causa para vender un producto. Tras haber visto Diamante de sangre, todo eso que ha soltado el director en las ruedas de prensa promocionales sobre las cosas terribles que ocurren en África con el contrabando de diamantes suena, a la vez que razonable, a milonga hipócrita que apela a la mala conciencia de los más favorecidos para que vayan al cine. Aquello que nos muestra la cinta sobre las salvajadas espantosas que se permiten en aquel continente y la de gente que muere para que nos colguemos los codiciados pedruscos los del primer mundo se nos presenta muy bien reflejado y sin escatimar en brutalidad que meternos por las retinas. No deja de ser una manera de expresar lo que hay, y muy correcta, aunque personalmente crea que no es necesario, si se tiene inteligencia y un buen guionista, enseñar abundancia de sangre y masacre (por mucho que ésta exista) para denunciar nada. Miren si no, lo elegantemente que nos insinuaba la guerra civil y nos ponía los pelos de punta Hotel Rwanda, cinta mil veces más honesta y con bastantes más "quilates cinematográficos". Cuestión de gustos…
El show de la entrega de los Oscar sirve siempre para que unos saquen pecho al ver su peli favorita del año encumbrada (si la escogen “los que saben”, por algo será, que se dice), o para que los que discrepen de las decisiones se acuerden precisamente en esa ocasión de que todo este tinglado no es más que una patochada subjetiva, cateta e interesada. Yo voy a procurar no posicionarme de forma tan radical, pero tengo que admitir que me he quedado con la sensación de “ni fu ni fa” que te provoca el no estar demasiado de acuerdo con mucho y tampoco haberte divertido demasiado, esto ultimo más grave, ya que se supone que de ello se trata.
Por León Ocaña
No estaba muy seguro de cómo había acabado en aquella situación. Se sentía como en una de esas películas de gángsters que tanto le gustaba ver cuando se colaba por las tardes en el cine de verano, en busca de la emoción de lo prohibido.
“¿En qué mierda de mundo vivimos?, ¿no tienen nada más importante en lo que emplear su tiempo?”, se decía mientras se adentraba en el mugriento callejón en busca del escondrijo entre cubos de basura y del abrigo de la capa de sombras. Por el amor de Dios, su único delito había sido el de robar algo de salchichón de esa furgoneta de reparto de aquel racista seboso, que lo denunció con sus gritos sin hacerse cargo en ningún momento de que su aspecto huesudo delataba que llevaba varios días sin comer.
Eastwood lo ha vuelto a hacer. Ha vuelto a colar una película con todo merecimiento en lo que puede llamarse mejor del curso cinematográfico.
Menuda racha lleva; a ver quién duda que esté en plena forma (más bien como nunca) a su edad.
Este film viene a repasar la otra cara de la misma moneda que nos planteó hace un mes con Banderas de nuestros padres, la primera de las dos visiones (la estadounidense) sobre la tremenda y trascendente batalla en la pequeña isla de Iwo Jima, de gran importancia estratégica. En esta ocasión, es el bando japonés en el que el realizador se adentra para mostrar desde la humanidad lo terrible e inútil de la guerra. En conjunto, estas dos estupendas películas se antojan uno de los mayores alegatos antibelicistas que ha dado el género. El realizador plasma con extrema sobriedad, colorido casi sepia y la maestría a la que nos tiene acostumbrados la cara cercana del soldado más desconocido, que a fin de cuentas es la misma que la de cualquier soldado con otro uniforme, en otro campo de batalla, o en otra época.
Es cierto que con Berlín Occidente no tenemos entre manos una de las obras consideradas más importantes de la filmografía de Billy Wilder. Claro que hay que tener en cuenta que ya quisiera hoy la mayoría de los creadores firmar cualquiera de los trabajos “de segunda línea” del gran maestro del cine.
La suavecita y poco convincente historia romántica entre un capitán de la armada americana asentada en Berlín tras la derrota alemana en la Segunda Guerra Mundial y una congresista que se traslada allí para observar la moral de las tropas no se encuentra a la altura de obras de arte como Con faldas y a lo loco, El crepúsculo de los dioses o, sobre todo, El apartamento. Sin embargo, la trama principal y base de la historia, no es el aspecto más interesante a tratar de este film.
Hace falta ser muy hábil y muy valiente para rodar esta obra maestra de la ironía en plena época de represión en España (los grises años sesenta), dándole un pase de pecho tras otro a la censura con el disfraz de la metáfora y el humor negro. La bien catalogada por la historia como la mejor comedia española que se ha hecho trata un asunto tremendo como la pena de muerte (vigente en el país en aquel momento sociopolítico franquista, no lo olvidemos) con exquisito humor, a la vez de con la seriedad que se merece el asunto, y una cotidianidad sólo alcanzable por catedráticos del cine como Berlanga y Azcona. Gran parte de la grandeza de la obra reside en que no es en absoluto necesario haber vivido esas convulsas fechas para entender las entrañas y la realidad de entonces en este país que nos relata el maestro por medio de esta tragicomedia costumbrista, pero también de total vigencia en nuestros no menos convulsos tiempos.
Son muchos los amigos que me habían dicho que no podía perderme esta película, y finalmente me he rendido y la he visto. Tarde, pero la dicha ha sido buena, así que según el refrán, quedo disculpado, ¿no?
Además de los problemas de fecha de estreno con los que me he encontrado, reconozco que he remoloneado más de la cuenta porque no me llamaba demasiado la atención una road movie protagonizada por una familia de lunáticos -el padre es insoportable, la madre no lo soporta, el hijo mayor no dice ni una palabra por rebeldía, el tío es un suicida, el abuelo esnifa cocaína, y la hija menor, única medio normal, les mete a todos en un lío de padre y señor mío-. Llamadme cerrado si queréis, pero cuando el cuerpo no me pide ver una película, me cuesta mucho no seguir mi instinto –estupidez por mi parte, porque si te paras a pensarlo, el planteamiento promete (cuando menos, originalidad)-. Como de todo hay que ver para comparar o reafirmarse, y ante la opinión popular que ha despertado mi curiosidad, un día de debilidad me he decidido a verla.
Por Iván Torres
Era un lienzo; un lienzo plasmado en el aire impasible, que lo mantenía petrificado en la mañana fría, espesa. Parecía pintado con una ceniza húmeda, ceniza surgida de su propio incendio, y restregada por una mano divina. Mano cansada, sin ganas.
Un hombre de barbas y pelo canoso, sentado en el desconchado banco de hierro de la plazoleta en la que las verduleras gritaban sus precios, más baratos que ninguno; a sus pies, meneando el rabo (rastro único de vida), un perro sin raza y canijo, de color canela, de mirada gacha; y pegado a él, una mochila gris y puerca, agujereada como una colmena, sólo que en vez de miel, seguramente, aunque no con certeza, albergaría ropa vieja o alguna cochambrosa radio.
A partir de hoy pienso abrir las puertas de mi casa bloguera a talentosos amigos que visitan este espacio y me hacen el honor y el enorme regalo de firmar el libro de visita en forma de pequeño relato.
De vez en cuando irán pasando por aquí y me honrarán con su firma de teclado y letra.
Muchas gracias a todos por vuestra deferencia y vuestra amistad.
Un saludo a todos y nos seguimos viendo en esta sala de cine frecuentemente (si os apetece).
En la entrega de los Goya más internacional que he vivido los premios han estado (como se preveía vistos los enormes candidatos) muy repartidos, y han dejado dos grandes triunfadores: la mágica y dura El Laberinto del Fauno y, sobre todo, Volver.
El estilo de la gala denota que el cine español sigue diciendo a gritos: “de mayor quiero ser Hollywood”, pero en lo más profundo, creo que este año han cambiado algunas cosas, y para bien.
La materialización de este antiguo proyecto de Sylvester Stallone va a suponer jorobarle a los coleccionistas el pack de la edición de lujo completa re-visada, re-masterizada y re-definitiva (con 7 discos de extras y una pegatina de regalo) de la saga en DVD del boxeador más famoso del cine. A buenas horas viene "Sly" a fastidiar la colección con su Rocky VI (¿quién se iba a imaginar un número tan poco redondo de entregas?); con lo bien que quedaban en la estantería todas las películas iguales… Porca miseria.
Lo que ocurre, dicho por el mismo realizador/actor principal, es que se pretende que Rocky se despida de su público con mejor sabor de boca que el que dejó la quinta y hasta ahora pretendida última entrega de la saga (eso además de lo obvio, claro está).
Definitivamente, la magia está de moda: primero Scoop, luego vino El Ilusionista, y ahora es el acreditado director Christopher Nolan (Memento, Batman Begins) el que trae a nuestras pantallas de cine esta historia de principios de siglo XX sobre una enfermiza y obsesiva rivalidad entre dos magos (en aquella época la magia en los teatros era como ver la televisión) vivida desde el respeto y la admiración recíproca. En esta ocasión el realizador cumple pero no encandila.
Los grandes estudios nos han vuelto a engañar. A estas alturas, el que no haya visto Eragon seguramente es porque no le interesa, pero por si acaso queda algún indeciso, hay que decir que la frase que mejor puede definir esta cinta está sacada de ella misma: “mejor pedir perdón que permiso”. Pues eso mismo.
Con un presupuestazo muchimillonario (con la cantidad de ideas buenas que se quedan en el camino por falta de liquidez…) y cimentada en la fantasía, esta película no aporta nada nuevo ni mejor que todas las demás de su género que se hayan rodado en los últimos años.
La entrega de este año de los Globos de Oro no ha traído nada que no se esperase desde hace meses. Lo único que llama la atención de la ceremonia es ver a las escotadísimas candidatas e invitadas tiritando de frío (este invierno ha venido traicionero por yanquilandia) mientras desfilaban por la alfombra roja con cara de póquer y sonrisa de plástico. Por lo demás, como cada año, lo esperado: se ha cumplido al pie de la letra la quiniela y no ha habido lugar a la más mínima sorpresa en la cada vez menos antesala e los Oscar.
Los grandes triunfadores de la noche han sido Alejandro González Iñárritu, Martin Scorsese y el gran Clint Eastwood.
El primero ha visto como premiaban a su tramposilla Babel como mejor película dramática; a Scorsese, le han otorgado el premio al mejor director para compensar el ninguneo de Hollywood cada año, porque nada más se ha llevado su película Infiltrados(tan surrealista como el Oscar de Ang Lee el año pasado); y por otro lado, Eastwood ha recogido el galardón a la mejor película extranjera
Si todos los trabajos que firme un gran autor tomasen el calificativo de obra maestra, el término estaría muchísimo menos valorado. Esta vez no ha podido ser. El último film en llegar a nuestras pantallas del realizador Clint Eastwood no alcanza en esta ocasión cotas tan elevadas como su Million Dollar Baby. Otra vez será. No obstante, sigue siendo un placer disfrutar de la sobriedad, elegancia y eficacia al rodar del más grande cineasta vivo. Eastwood se atreve con el más difícil todavía al realizar dos películas paralelas sobre un mismo acontecimiento, esta vez en compañía –aunque se impone la mano del director- a los mandos de producción de otra leyenda: Steven “pasta” Spielberg, indiscutible especialista en cine bélico. Juntos dan forma tanto a la visión japonesa (Cartas desde Iwo Jima), como la estadounidense, en Banderas de nuestros padres, la cinta que ahora se estrena, sobre la terrible batalla del islote de Iwo Jima y la parafernalia que trajo una foto que allí se tomó y que dio la vuelta al mundo.
Sin noticias de Dios
Agustín Díaz Yanes es posiblemente el cineasta menos español conceptualmente hablando del panorama cinematográfico de este país. Su visión macroscópica de los proyectos lo acerca mucho al “american style”, y lo separa del canon estándar patrio.
Es un incondicional de la ficción de entretenimiento amable (que no dulzona, porque otra de sus características es el constante retrato de la crudeza de personajes caracterizados por su relativismo moral), de espectadores en la cola del cine sin necesidad de reivindicaciones políticas o sociales.
Hace tiempo que dejé de creer en la magia: uno deja de creer en muchas cosas cuando se le escapa por primera vez a un ser querido la vida en tu presencia impotente y desolada. Y es que los seres humanos somos egoístas por naturaleza, y en estas fechas (bendita inocencia infantil excluida) más que agradecer la suerte de compartir unos días con la gente amada, acabamos a menudo entristecidos por el recuerdo de los que ya no volverán.
Como últimamente se me acusa con mirada reprobadora de escasez del obligado espíritu navideño de rigor y quiero demostrar que también sé cumplir con la tradición, este año me he decidido después de tanto tiempo a retomar mi correspondencia anual con sus majestades.
Todos tenemos la sangre igual de roja y nadie tiene ningún interés en oír los problemas de los demás. El realizador mejicano Alejandro González Iñárritu viene a recordarnos con su último trabajo que la sociedad sufre en todas partes una alarmante falta de comunicación en la que no tiene nada que ver la diferencia de idiomas. Cuenta historias muy terrenales usando un idioma común muy terrenal, precisamente por ello no exento tampoco de demagogia. Cuatro son los puntos a seguir en tres escenarios tan dispares como las pedregosas montañas de Marruecos, la cálida y festiva Méjico y la hermosa composición urbana de Japón. Poco a poco, y mediante oportunos saltos de tiempo y espacio (nada mareantes, no teman), se van entrelazando historias desastrosas y fortuitas de personajes igualmente dispares, para acabar teniendo algún tipo de nexo entre ellos.
Sábado, 2 de junio
José Lozano Galera
Juan Luis Recio
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Antonio García Fuentes
Chris Gonzalez -Mora
Julio César Izquierdo
José Pómez
Julián Moreno Mestre
Manuel María Ventura
Juan Granados
Patricio Peñalver
Juan Carrasco de las Heras
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