Definitivamente y con sólo cinco películas en el zurrón (Ciudadana Ruth, Election, A propósito de Schmidt y Entre copas) previas a la que nos atañe, Alexander Payne se lleva el calificativo de maestro en la tragicomedia humana. Su trabajo transforma al público en observador de una realidad creíble a través siempre de historias sencillas, que generalmente son aquellas que rozan el corazón si se saben narrar con delicadeza; Los descendientes lo es, y además de esa exquisitez narrativa cuenta con un estado de gracia de varios factores (artísticos más que técnicos) que confluyen en el proyecto y que han llevado al mismo hasta la nominación a cinco premios Oscar, algunos en categorías de peso como mejor película, dirección y guión adaptado (faceta que ya le aportó uno a Payne por la citada Entre copas).
Patriota, conspiranoico, pájaro de cuenta o visionario según opiniones, J. Edgar Hoover fue el fundador del FBI y uno de los mayores valedores de la palabra “antiamericano”. En cualquier caso, no sólo se le atribuye una encarnizada lucha contra “el enemigo bolchevique”, sino que organizó una facción importante de las fuerzas de seguridad estadounidenses y modernizó métodos de investigación y gestión en lo que desembocaría lo que ahora es ejemplo mundial de eficiencia.
Algo que he oído y leído hasta la saciedad sobre esta película en los últimos días es que se trata de una “revisión necesaria”, afirmación oficial con la que no estoy de acuerdo, reconociendo que el producto final en algunos puntos incluso supera a su hermana sueca. Sin embargo, me parece escandalosamente pronto para aportar una visión nada nueva de una historia calcadita que cuenta con energía y fidelidad la primera entrega de la saga literaria de Stieg Larsson. Eso sí, con la misma ausencia de complejos (el caso era darse prisa para que no acabara rodándola otro) y un estilo propio que encaja en este millonario encargo a la perfección, el director David Fincher, firmante de verdaderos estandartes como Seven, El Club de la Lucha, Zodiac o La red social, se adentra encantado en lo sórdido de la ambientación poco “made in USA” de las peripecias del periodista-estrella y la heroína moderna en la que se ha convertido la gótica atormentada Lisbeth Salander. No se corta tampoco Fincher en usar su maestría con las atmósferas oscuras y de oxígeno viciado al servicio de lo política y explícitamente incorrecto en el cómo de todo, lo que de verdad tiene de potente esta historia.
Como ya ocurriera con la primera entrega de esta particularísima revisión cinematográfica a cargo de Guy Ritchie (Snatch: cerdos y diamantes) del famoso personaje creado por Sir Arthur Conan Doyle, cualquier parecido con los cánones establecidos es fruto de la casualidad. Además del nombre y de una insuperable astucia y sagacidad para resolver los casos más intrincados, el Sherlock Holmes del siglo XXI parece dejar poco lugar a la elegancia de antaño y se ha convertido en un héroe de acción sin ningún tipo de rubor. El gran acierto de la propuesta actualizada es sin duda alguna su elenco; si bien muchos son los que dicen que los personajes protagonistas están intercambiados con los actores que los encarnan, el resultado es que tanto Robert Downey Jr. como Jude Law (estupendos los dos en esta cinta, sobre todo Law, que le da con brillantez una difícil réplica a Holmes en la piel de Watson) llevan con soltura el peso de la película a base de carisma arrollador y mucha química entre actores.
Tengo un buen amigo que hace poco y con la sombra de las navidades planeando ya sobre nuestras cabezas me comentó que le gustaría que eso de las amistades fuera siempre como en la serie Friends y no etapas de bonanza emocional que compartes con alguien afín a tu situación e igualmente necesitado de compañía. Obviamente, ambos éramos conscientes en el transcurso de la desalentadora conversación de que lo propuesto por el canon hollywoodiense edulcorado, amable e irreal, equivale sólo a cuando estás disfrutando de un momento de expansión con otros seres con los que tengas algo en común, saltándose a la torera todo lo demás (añadido a la fiesta) que forma parte del ser humano. El caso es que el tema parece haberme rondado los adentros desde entonces y varias de las respuestas que no se me ocurrieron en su momento se me han ido viniendo a la cabeza al toparme vía DVD con Pequeñas mentiras sin importancia; la cinta es una recomendable sátira deprimente a ratos y muy corrosiva sobre un grupo muy dispar de personas unidas por esa palabra que debería escribirse con A mayúscula y en negrita para distinguirla del resto de personajes que pasan por la vida de uno tangencialmente.
Es del todo paradójico observar que aquellas segundas o terceras partes de películas que han tenido mucho éxito llevan el número que ocupan en la saga con orgullo y como garantía de rentabilidad y, sin embargo, a partir de la tercera entrega, un pudoroso velo impulsa a sustituir dicho número por un sobrenombre que la desmarque del resto para evitar dar imagen de seudoproducto diluido por el tiempo. Si no fuera porque nada tiene que ver con que la cinta que nos atañe está protagonizada por Tom Cruise recreándose en sí mismo a tortas y tiros para desayunar, se podría decir que lo de Protocolo Fantasma le viene que ni pintado, pero dejando aparte bromas fáciles puestas a huevo, la adrenalínica patochada, como era de esperar, se aúpa a lo más alto del ranking taquillero.
Como excusa para introducir a los robots, verdaderos objetivos de los focos de esta película, partimos de un futuro cercano en el que precisamente los robots son lo único diferente a nuestros días. En dicho escenario, el boxeo ha dejado de ser cosa de humanos porque el público “quería más sangre y violencia”, fíjense que “tontá” más gorda (si me dijeran que era en pro del espectáculo, que se trataba de una derivación más hacia la pirotecnia que al deporte, todavía, pero lo de buscar más sangre…); así las cosas, robóticos son los argumentos de púgiles que ahora ya no se enfundan guantes, sino que se colocan junto al ring, mando a distancia en mano, para jugar con su megajuguete a control remoto.
Hay un dicho popular, siempre verdades como puños, que asegura que el tiempo es oro, y partiendo de la condición mortal del ser humano, In time propone un futuro en el que se descubra un remedio contra el envejecimiento. Cuando se llega a los veinticinco se permanece con el aspecto que se tenga sin alcanzar la edad de la decadencia física, lo cual es todo un hallazgo; sin embargo, dado que no cabríamos todos en la Tierra y que la cosa no sería muy nuestra si no se lucrara alguien a costa de otros, el tiempo de vida se transforma en moneda de cambio y fuente de riqueza para que unos vivan con opulencia eternamente y muchos parezcan el conejito de Alicia en el País de las Maravillas con el tictac del reloj acercándole cada día a su final. La clave, dormir poco, trabajar duro a cambio de pocas horas que sumar a tu reloj y que nadie te lo arrebate.
Cuestión de sexo. En torno a ello giran todas las complejidades mentales y emocionales del ser humano, o al menos era lo que el ilustrísimo Sigmun Freud predicaba a gritos con sus teorías, doctrinas y experimentos. El director David Cronenberg, uno de los más reputados de la actualidad con trabajos como Una historia de violencia o Promesas del Este en su equipaje, se apunta a esta particular y recurrente obsesión (en realidad siempre ha sido una de los mimbres de su cine) rodando con convencimiento y seguridad una cinta hipnótica de actores y actrices en el punto álgido de sus carreras interpretativas.
Un spin-off, como seguramente sabrán, es un momento de gloria individual que se le otorga a un personaje secundario con gancho, algo que suele estilarse en las sagas de superhéroes y cuya fórmula permite a aquellos que exprimieron Shrek hasta hacer que se arrastrara por los cines con pena y sin gloria, colocar un clavo ardiendo en momentos de vacas flacas. La imaginación al poder para estirar el chicle, pero el caso es que El gato con botas mejora las últimas desventuras del ogro verde; eso sí, sin llegar ni por asomo a las cotas de mérito que copa Pixar.
Padezco una incesante compulsión que me arrastra a ver al menos una película a la semana y ante el peligro de convulsiones, espasmos y pérdida total de la cordura he evitado acercarme a menos de quince metros de cualquier sala que exhibiera algo relacionado con Crepúsculo, así que a falta de "estreno de la semana" en mi menú, me pareció buena idea dar con mis huesos en el último trabajo de William Monahan, a su vez primer intento en la dirección. Monahan, reputadísimo guionista ganador de un Oscar por Infiltrados (bajo mi punto de vista bastante arrastrado por una ola de sobrevaloración que invadió a Hollywood a favor de premiar a Martin Scorsese afrentas pasadas), y también firmante del libreto de la infame El reino de los cielos entre otras, muestra su sabiduría sobre los bajos fondos que suponen la pecera en la que nada a la perfección.
Casi tan peligroso como encerrarse con un vampiro en una habitación para hacerle preguntas puede llegar a ser el hecho de entrevistar en los años sesenta en Mississippi a las criadas, todas de raza negra, por supuesto, de un entorno de clase alta determinado; se puede uno hacer cargo del peligro que esto conlleva, no sólo para las entrevistadas, que tendrán mil secretos que relatar, sino también para sus empleadores. Tampoco resultará sencillo si la entrevistadora es una muchacha de la zona también con criada y con amistades agraviadas que acaba de volver de la universidad y decide comenzar con semejante osadía su carrera de escritora profesional. Por supuesto, los cimientos sociales se verán sacudidos y las relaciones entre vecinos convulsionarán con el descubrimiento de “algún que otro secretillo”…
Domingo, 12 de febrero
Paulino Toribio
Julián Moreno Mestre
Antonio García Fuentes
Juan Fernandez Krohn
Padre Fortea
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Atticus-444
Juan Luis Recio
Patricio Peñalver
Chris Gonzalez -Mora
Juan Granados
Juan Carrasco de las Heras
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