Cuenta Shostakovich en sus memorias que Prokofiev tenía dos palabras favoritas. Una era 'divertido' que, al parecer, "usaba para valorar todo lo que le rodeaba". La segunda era '¿comprendido?'. Ésta la usaba, según Shostakovich, "cuando quería saber si estaba explicándose con claridad". Ambas encajan perfectamente con el espíritu de su primera sinfonía, más conocida como Sinfonía Clásica. Tomando como modelo a Haydn, Prokofiev elabora una divertida recreación de la sinfonía vienesa del XVIII. Pero, no conformándose con repetirlos esquemas clásicos al pie de la letra, el compositor ruso introduce en momentos clave algunos elementos propios del lenguaje musical del siglo XX, dotando a la partitura de una originalidad absolutamente genial.
Junto a las espléndidas Variaciones Diabelli y otras dos composiciones menos conocidas, la Sonata para piano No. 32 es una de las últimas piezas escritas para este instrumento por el genial músico alemán. Aunque carece de la popularidad de otras de sus anteriores sonatas (como la No. 14, "Claro de luna"), ésta es una de las más influyentes jamás escritas por Beethoven. Sin ir más lejos, Chopin siempre la admiró, aludiendo directamente a ella en algunas de sus obras. Pero no sólo ha tenido una inmensa repercusión en piezas para piano. Sus ecos también llegaron a las obras orquestales de Wagner, Mahler y Prokofiev. En el caso de este último, hasta el punto de tomarla como modelo para la estructura de su Sinfonía No. 2.
De formación esencialmente autodidacta, sus precarios conocimientos técnicos no impidieron a George Gershwin convertirse en el compositor americano más célebre de la historia. Desde los veintiún años ya triunfaba en Broadway con sus musicales, aunque su propósito siempre fue ir más allá y convertirse en compositor. Por ese motivo quiso completar su formación junto a maestros como Ravel o Stravinsky, aunque nunca lo consiguió. El primero le preguntó por qué quería ser un Ravel de segunda, pudiendo ser un Gershwin de primera y le aconsejó que se dejara llevar por su excepcional instinto. Por su parte, Stravinsky, después de preguntarle cuánto dinero había ganado en el último año, confesó que debería ser Gershwin quien le diera clases a él.
Después de firmar dos obras de gran complejidad tonal y rítmica con sus primeros conciertos para piano, Bartók sorprende aquí con un planteamiento casi neoclásico. Dicen las malas lenguas que al ser un regalo de cumpleaños para su mujer, la también pianista Ditta Pasztory, necesariamente tenía que ser más sencillo, ya que ella carecía de técnica suficiente. Algunos críticos de la época también dijeron que Bartók quiso con este concierto adaptar su difícil estilo al gusto del público americano de su tiempo. Aunque es verdad que su trabajo no terminaba de obtener reconocimiento en los Estados Unidos y ciertamente Pasztory no alcanzaba su altura interpretativa, el desencanto del compositor con la exploración de la complejidad venía ya de lejos. El Concierto para piano No. 3 supone la culminación de este proceso.
Fecha de publicación: 22 de septiembre
Discográfica: Monkeywrench
Duración: 36:38
Una canción: "The Fixer"
Con su último CD, Pearl Jam, ya demostraron haber recobrado buena parte de la energía de sus inicios. Pero es en este Backspacer cuando, por primera vez, los críticos se han atrevido a pronunciar la palabra "diversión" para referirse a la música de Vedder y compañía. Aunque sin abandonar su tradicional punto de vista meditativo, la banda parece haber encontrado la fórmula para exponer sus sesudas reflexiones y pasárselo bien a un tiempo. Los que, al contrario que ellos, pensamos que el rock es, por encima de todo, diversión, se lo agradecemos. Un firme candidato a mejor disco del año.
Reseñas profesionales: allmusic 4,5/5, Rolling Stone 4/5, Pitchfork 4,6/5, Spin 4/5
Fecha de publicación: 14 de septiembre
Discográfica: Helium 3
Duración: 54:18
Una canción: "Guiding Light"
Matthew Bellamy ha conseguido impresionar a buena parte de la crítica internacional con The Resistance. No es para menos. Las inquietudes y habilidades de Muse siguen creciendo disco a disco. Exactamente igual que la grandilocuencia de su música, para algunos artificiosa y exagerada hasta el ridículo. Muse siempre han transitado peligrosamente junto a esa delgada línea que separa la genialidad de la vergüenza ajena. Afortunadamente, en The Resistance encontramos mucho de lo primero y muy poco de lo segundo (aunque algo haya en "Undisclosed Desires" y "I Belong to You").
Fecha de publicación: 8 de septiembre
Discográfica: Matador
Duración: 72:49
Una canción: "Nothing to Hide"
Se está hablando mucho estos días de los Beatles y de las razones de su éxito. Naturalmente, sus excepcionales cualidades para la melodía y su inagotable afán de superación tuvieron la mayor parte de la culpa. Sin embargo, en lo que menos imitadores han encontrado ha sido en la generosidad con que desplegaban esas virtudes en sus discos. Mientras otros parecen administrar la inspiración con cuentagotas a lo largo de su carrera, ellos encontraban sitio para decenas de nuevas ideas en unas pocas canciones. Dar con eso hoy en día es difícil, pero se puede. Un ejemplo: Yo La Tengo.
Fecha de publicación: 25 de agosto
Discográfica: Domino
Duración: 39:00
Una canción: "Cornerstone"
¿Y si resultara que al final su desproporcionada llegada en 2006 tampoco era tan desproporcionada? Sin duda entonces se exageraron sus cualidades, pero en estos años los Arctic Monkeys han crecido muchísimo. Sus integrantes han madurado como músicos, demostrando que están en esto por auténtica vocación. Lo confirma el hecho de que hayan pensado en Josh Homme como productor para su tercer disco (marcando las distancias, por ejemplo, con Franz Ferdinand y su disco-punk cutre). Incluso faltándole el ímpetu de sus anteriores discos, Humbug es un trabajo brillante.
Ningún otro grupo en la historia ha conseguido aunar tanto talento y tanta mala suerte como Urge Overkill. Teniéndolo todo para ser los reyes del mambo (grandes canciones, el beneplácito de la crítica y una estética estrafalaria), la gente decidió, sencillamente, pasar de ellos. En el momento clave, cuando podían haberse convertido en los nuevos Nirvana, el público le dio la espalda a su irónica visión del negocio musical. Pero la triste historia de su coqueteo con el estrellato, no empaña la brillantez de sus discos, especialmente de Saturation, su trabajo más redondo.
A este lado del Atlántico, 1994 era, sin embargo, el año del brit pop. Su cara más sofisticada la representaron a la perfección Blur. Escudriñando la historia del pop británico desde los años 50 para ir cogiendo cosas de un lado y de otro, crearon ese estilo inconfundible que Damon Albarn y los suyos llevaron a la perfección en Parklife. Artísticamente, es la obra cumbre del movimiento, pero también es un brillante álbum pop en el que la banda lo intenta todo (pop, disco, punk, music hall...) y todo les sale bien. Un disco de los que hacen época (literalmente).
Hace semanas que, entre unas cosas y otras, no encuentro tiempo para ponerme un poco al día con las novedades discográficas de este inicio de verano y veo aterrorizado cómo aumentan, apuntados por cualquier parte, los nombres de los discos que tengo que escuchar. El típico problema de los aficionados a la música en la era de Spotify. En momentos como éste, sin embargo, es cuando te das cuenta de los discos que realmente te gustan. Sólo hay un rato para escuchar música y hay que aprovecharlo al máximo. Solución: me pongo In Rainbows, el último disco de Radiohead.
Fecha de publicación: 23 de junio
Discográfica: Roadrunner
Duración: 75:25
Una canción: "A Nightmare to Remember"
No hay quien lo entienda. Cuando debutaron a finales de los 80 con When Dream and Day Unite, los neoyorquinos de Dream Theater le pusieron un toque de madurez y originalidad a un universo, el del heavy metal, marcado por los tópicos y la negativa de sus adeptos a dejar atrás la adolescencia. Pues bien, con el paso de los años, Petrucci y los suyos han ido dejando que esos tópicos y esa actitud infantil se abrieran paso en su música y hoy se han convertido en una banda más dentro de un género que, irónicamente, se podría decir que inventaron ellos, el metal progresivo.
Fecha de publicación: 18 de mayo
Discográfica: Lucky 7 Records
Duración: 59:00
Una canción: "The Liberty of Norton Folgate"
Y, de repente, vuelven Madness, un grupo moribundo durante más de diez años, con el mejor disco de su carrera (o, al menos, uno que iguala sus mejores plásticos). Pioneros del ska en los 70 y estrellas de la new wave con "Our House" en los 80, en 2009 Madness suenan más atemporales que nunca, con una producción popera y detallista que es una auténtica delicia. El álbum destila britanismo por los cuatro costados. Escuchándolo vienen a la cabeza Kinks, Who, Jam o Blur, otras bandas que hicieron de Londres el escenario perfecto para los personajes que desfilaban por sus canciones.
Para los que vivimos la adolescencia en los 90, la música de Nirvana, exultante y desoladora a partes iguales es, naturalmente, una referencia imprescindible. Nevermind es uno de esos discos que he escuchado desde el día que salieron y seguiré escuchando mientras pueda (hasta que prohíban la música o algo así, que con los políticos todo es posible). Una de las grandes virtudes de la música es su capacidad para capturar un momento concreto de la historia y hacerlo atemporal. Cobain y los suyos lo hicieron: así se sentía la juventud americana de principios de los 90.
Y luego me acusarán de "detractor" de U2. No sólo defendí (y sigo defendiendo) dos de sus discos más vapuleados, sino que alguna de sus grandes obras, como este Achtung Baby, se encuentran, efectivamente, entre mis discos de cabecera. Aunque no es un disco experimental en sentido estricto (por mucho que se haya vendido así en ocasiones), es una excepcional vuelta de tuerca (de ruptura nada) al sonido clásico de la banda. Hay que aguantar al soporífero Bono un rato, pero merece la pena aunque sólo sea por el excepcional trabajo de The Edge a las seis cuerdas.
Fecha de publicación: 12 de mayo
Discográfica: Second Motion
Duración: 50:28
Una canción: "Sunken Sun"
Desde aquel intento fallido de triunfar en el circuito comercial que fue Gold Afternoon Fix, the Church se decidieron por hacer la música que les ha venido en gana cada momento. Un privilegio que le deben, en gran parte, a “Under the Milky Way”, su éxito más internacional. Curiosamente, a medida que sus canciones pasaron de la perfección pop a la experimentación más radical, su música se volvió más y más interesante. Untitled #23 es su mejor disco desde el que inauguró esta brillante segunda etapa de su carrera, Priest=Aura (1992).
Fecha de publicación: 30 de junio
Discográfica: Nonesuch
Duración: 42:46
Una canción: “You Never Know”
Son una de las bandas más respetadas de la actualidad (como buenos salvadores del auténtico rock americano que fueron desde el principio). Aunque hace ya algunos años que abandonaron la vertiente más comercial del negocio, Jeff Tweedy y los suyos siguen despertando enorme expectación cada vez que se suben a un escenario o entran al estudio de grabación. En esta ocasión, los americanos han decidido dar un pequeño giro a su carrera volviendo, quizá como involuntario homenaje al tristemente desaparecido teclista Jay Bennet, al sonido más pop de sus inicios.
Fecha de publicación: 23 de marzo
Discográfica: Elefant Records
Duración: 49:40
Una canción: "Mi diario"
Basta con echar una ojeada al blog para constatar que el rock español me interesa más bien poco. No creo que sea un problema de falta de talento. Es más bien por culpa de la cerrazón de una industria que impone el modelo radiofórmula como el único posible, arruinando por el camino las expectativas de cualquier banda que no pase por el aro y convirtiendo la escena musical independiente en un enjambre de grupos hasta los que es difícil llegar sin estar muy en la onda. Internet, sin embargo, ha facilitado que los neófitos podamos conocer bandas tan recomendables como Cooper.
Los Pretenders han sido unos auténticos expertos en lo que a singles se refiere. Aunque entre su discografía hay varios LPs magníficos, las caras A y B contenidas en The Singles están tan bien construidas y ejecutadas que no necesitan contexto para funcionar. Todo recopilatorio suele tener el inconveniente de que distorsiona (en mayor o menor medida) la visión la carrera del grupo que dan sus álbumes. Algo de eso hay también aquí, pero si te interesa menos el grupo y más su música, como es mi caso, ésta es la forma ideal de degustar su inmenso talento como músicos.
El hecho de que Operation: Mindcrime sea el mejor disco de heavy metal de la historia puede ser discutible (o no, claro). Lo que, sin duda, no lo es, es el hecho de que es uno de los más ambiciosos proyectos jamás acometidos en ese género. Y, lo que es más llamativo, con estupendos resultados. La historia de un adicto a la heroína que es captado por una organización que conspira para asesinar líderes políticos en plena era Reagan no parece muy prometedora. Menos mal que acude al rescate la relación amorosa entre el protagonista, Nikki y Sister Mary, una antigua prostituta metida a monja. Brillante.
Fecha de publicación: 5 de mayo
Discográfica: Atco
Duración: 41:31
Una canción: "Lonely So Long"
La de los New York Dolls ha resultado ser una de las reuniones más convincentes (y menos jaleadas) de los últimos años. A pesar de que, sobre el papel, el proyecto cojeaba (para muchos, de hecho, unos Dolls sin Johnny Thunders ni son Dolls ni son nada), el tirón de David Johansen ha sido suficiente para que esta segunda encarnación de la banda se haya ganado el respeto de la crítica y la devoción del público. Su nuevo álbum, 'Cause I Sez So, demuestra que la cosa va en serio, replicando el éxito de One Day It Will Please Us to Remember Even This (2006).
Fecha de publicación: 15 de mayo
Discográfica: Reprise
Duración: 69:57
Una canción: "Peacemaker"
Cinco años son demasiados para estar esperando un disco que no cambia ni una coma del guión seguido en el anterior. En el caso de Green Day, la frustración es aún mayor, después de que nos hubieran acostumbrado a interesantes variaciones de su punk/pop tradicional con Warning y American Idiot. Incluso en su proyecto paralelo Foxboro Hot Tubs habían demostrado una versatilidad y un sentido del humor tristemente ausentes en 21st Century Breakdown. Aún así, es el mejor disco mainstream de lo que va de año. Además, lo lanzan gratis en MySpace y eso es de agradecer.
Fecha de publicación: 24 de marzo
Discográfica: Parlophone
Duración: 48:39
Una canción: "Pandemonium"
El veterano dúo británico (más de un cuarto de siglo entre la élite del dance-pop) formado por Neil Tennant y Chris Lowe está de vuelta con un de sus trabajos más fáciles de escuchar y disfrutar. Para mí la mayor atracción de los Pet Shop Boys siempre ha sido Tennant (las filigranas electrónicas de Lowe me interesan más bien poco). Así que si resulta que ha decidido tomar las riendas del asunto con el objetivo de hacer uno de los discos más poperos del grupo y además ha reclutado a Johnny Marr para ocuparse de las guitarras, definitivamente quiero escucharlo.
Por alguna razón que no me termino de explicar, hacía bastante tiempo que le había perdido la pista a este disco. Trasteando en Spotify recordé que existía y volví a escucharlo. A continuación, estuve repasando un poco la carrera en solitario de McCartney (los únicos que suelo escuchar con regularidad son Ram y Memory Almost Full) y creo que, sin duda, es uno de sus mejores álbumes. Mientras que otros de sus grandes hitos, como Tug of War, han envejecido bastante mal, la frescura de la mayor parte del material de Flaming Pie le permite hoy sonar tan bien como el primer día.
Fecha de publicación: 21 de abril
Discográfica: S-Curve Records
Duración: 35:47
Una canción: "Kind of a Girl"
Al fin un poco de diversión después de tanto tedio como venimos soportando este año en el panorama discográfico internacional. Y ha tenido que venir de la mano de un (super)grupo de viejas glorias del pop como Tinted Windows. Integrada por James Iha (guitarrista de los The Smashing Pumpkins), Taylor Hanson (cantante de los poperos Hanson), Adam Schlesinger (bajista de Fountains of Wayne) y el grandísimo Bun E. Carlos (batería de Cheap Trick), la banda tiene poco que demostrar. Así que se dedican a pasárselo bien y hacérnoslo pasar bien (lo cual se agradece).
Qué es: El Vivace es un prototipo de ordenador portátil musical diseñado por Young-Shin Lee y Hae-Jin Jung que permite el manejo de un teclado y varios controles de sonido a través de pantallas multitáctiles.
Fecha de publicación: 28 de abril
Discográfica: Columbia
Duración: 45:27
Una canción: "This Dream of You"
Teniendo en cuenta que muy pocas cosas de Dylan me gustan de verdad (Blood on the Tracks la que más) no esperaba mucho del trigésimo tercer disco del músico norteamericano. Su cacareada resurrección de la última década le ha devuelto ese punto de respetabilidad perdido en los 80 pero, salvo por un par de canciones, me sigue pareciendo el mismo tostón de siempre. Eso sí, los críticos encantados de recrearse ensalzando las virtudes de sus discos. Aunque está lejos de Love and Theft y Modern Times, Together Through Life también ha sido calurosamente acogido por la crítica.
He escuchado muchos discos a lo largo de mi vida, pero muy pocos han conseguido impresionarme como Heyday. El prodigioso e impecable despliegue de maestría pop aparentemente salido de la nada (aunque la banda ya había apuntado maneras anteriormente) es sencillamente asombroso. Los hits se suceden unos a otros como si de un "grandes éxitos" del grupo más exitoso del planeta se tratase. Naturalmente, ni the Church eran la banda más exitosa en el 86 ni Heyday es un "grandes éxitos". Ahí está la gracia. Imposible hacerlo mejor. Hay que escucharlo para creerlo.
Def Leppard nunca fue uno de mis grupos favoritos. Si te gustaban Metallica y Iron Maiden, escuchar Def Leppard era uno de los pecados capitales. Así que nunca le presté mucha atención en su momento. Años después vi un documental de Classic Albums sobre Hysteria y me pregunté: ¿yo he escuchado ese disco? Lo había hecho, claro, pero con muy poca atención y muchísimos prejuicios. Era imprescindible volver a él y, desde entonces, se ha convertido en uno de mis imprescindibles. Ganchos para dar y tomar, melodías de toma pan y moja y una producción tan hortera como irresistible.
Tras la salida de Roger Waters en 1985, la marca Pink Floyd quedó en manos de David Gilmour. Acompañado por algunos pesos pesados como Tony Levin o Bob Ezrin, él y Nick Mason se pusieron a trabajar en un nuevo álbum que, aunque en principio no iba destinado a engrosar la imponente discografía de Floyd, terminó por hacerlo. Richard Wright se unió al proyecto a última hora como músico contratado. Aunque "Learning to Fly" es un auténtico clásico moderno y hay varios buenos momentos más, la excelencia de Dark Side of the Moon o Wish You Were Here no aparece por ninguna parte.
Nacer exactamente cincuenta años después que Mozart imprime carácter. Si a eso le sumamos una asombrosa precocidad para la composición y una prematura muerte, diez días antes de cumplir los diecinueve años, Juan Crisóstomo de Arriaga cumple todos los requisitos para convertirse en una leyenda de la música española. Aunque la muerte le alcanzó recién salido del Conservatorio de París y no llegó a conocer la maestría de Mozart, su tristemente escasa pero brillante obra le sitúa por méritos propios entre los grandes compositores de la época junto a Haydn o el primer Beethoven. Algunos críticos incluso han visto en él un anticipo de Schubert. Nunca sabremos de qué hubiera podido llegar a ser capaz con más tiempo, pero es seguro que ha sido uno de los grandes talentos que España ha aportado a la música.
(Especial para PS) Con unos siglos de retraso aterriza en España el cacareado biopic de Ian Curtis, alma máter de Joy Division. Un estreno "de estrangis" desafortunadamente, porque la peli llega mucho más lejos de lo esperado. Asusta la idea de ver casi dos horas de existencialismo y desesperación vital en riguroso blanco y negro, sobre todo si conoces la trayectoria de la banda de Curtis, quien desde luego no hubiera valido para triunfito. Pero el viaje resulta ser otro, mucho más ágil y emocionante de lo que acabaría siendo en manos poco adecuadas.
La banda sonora de la película West Side Story, es decir, la versión del musical interpretada por Natalie Wood, Richard Beymer, Russ Tamblyn, Rita Moreno y George Chakiris, con John Green a la batuta, es el álbum que más semanas (cincuenta y cuatro) ha permanecido en el número uno de las listas de ventas a lo largo de la historia. Fue el disco más vendido de los 60 en los Estados Unidos y ganó un premio Grammy. No faltan motivos que justifiquen su inmensa popularidad. La genial partitura es una de las piezas clave del impacto de la película, subrayando y matizando las emociones involucradas en cada escena de forma absolutamente magistral. La inagotable paleta sonora de Bernstein, que se mueve desde el pop hasta la música clásica, pasando por el jazz, el flamenco o los ritmos caribeños con asombrosa naturalidad, contribuye a reforzar la universalidad de la narración. "Jet Song", "America", "Tonight", "Maria" o "I Feel Pretty" son clásicos inolvidables del género.
El ingenio de algunos japoneses es tan inmenso como su falta de sentido práctico. Cada día llegan desde aquél país nuevos y sorprendentes ingenios electrónicos, la mayoría tan fascinantes como inútiles. Pero, sin duda, uno de los más sorprendentes ni funciona a control remoto ni se alimenta de baterías. Es el que se le ocurrió al ingeniero Shizuo Shinoda mientras conducía su coche por una carretera en cuyo asfalto se habían efectuado una serie de surcos con la finalidad de mejorar la adherencia de los vehículos en condiciones climatológicas adversas.
Aunque a mediados de los 90 ya hacía bastante tiempo que Metallica habían dejado atrás sus días de gloria, la popularidad del combo se había multiplicado notablemente gracias éxito de Metallica (1991). Su esperadísimo siguiente trabajo se hizo esperar. La banda pasó nada menos que cinco años en el estudio junto a Bob Rock, creando las nuevas canciones. Tenían tanto material que decidieron separarlo en dos álbumes, Load (1996) y Reload (1997). Sin duda, el punto débil de su discografía, superando de largo al vapuleado St. Anger (2003). Falta de interés y, sobre todo, de ideas.
Fecha de publicación: 17 de marzo
Discográfica: Yep Roc Recods
Duración: 155:20
Una canción: "Cruel to Be Kind"
Han pasado veinte años desde la salida al mercado de Basher: The Best of Nick Lowe (1989), el último grandes éxitos de Nick Lowe. Aprovechando el tirón de su último CD, At My Age (2007) y de la reedición del clásico Jesus of Cool (2008) con motivo de su treinta aniversario, su nueva discográfica, Yep Roc, se ha decidido a revisar y actualizar el material de Basher, aportando una visión más completa de la impresionante trayectoria de este "cantautor de cantautores". Y, ojo, porque salen más que bien prados de la engorrosa tarea.
Aunque forjó su leyenda como compositor durante la década de los 60 de la mano del director Sergio Leone y su nombre quedará por siempre identificado con el spaghetti Western (al fin y al cabo, la etapa a la que pertenecen la mayoría de sus mejores trabajos), en los años 70 Ennio Morricone comenzó a trabajar por todo el mundo con otros muchos directores para los que creó algunas de las partituras más innovadoras e imaginativas del cine. Sin embargo, no fue hasta 1986, con la nominación al Oscar por La Misión, cuando su carrera comenzó a disfrutar de auténtico éxito comercial.
El primer LP de Rush supone su contribución más olvidable a la música. Lo cual confirma que son un grupo en permanente evolución y que nunca ha desfallecido (muy al contrario que algunos de sus coetáneos). Aunque Geddy Lee y Alex Lifeson ya eran brillantes músicos, la parte creativa del proyecto cojea sin el batería Neil Peart (que se incorporaría a la banda un año después). Así las cosas, aquí los canadienses se dedican a pasárselo bien tocando una serie de predecibles imitaciones de Led Zeppelin. Aunque la interpretación es soberbia, las canciones simplemente no dan la talla.
Ahora que el CD tiene los días contados, los directivos de EMI Music han decidido que era hora de poner remedio a uno de los mayores despropósitos de toda la historia de la música. Por fin la discografía de los Beatles será remasterizada digitalmente y reeditada en CD en todo el mundo. Aún tendremos que esperar unos meses, ya que el lanzamiento no tendrá lugar hasta el 9 de septiembre (9/9/09), coincidiendo con la salida al mercado de la edición del videojuego Rock Band dedicado al combo de Liverpool. Termina así la larga espera de millones de fans que reclamaban la necesidad de que el catálogo del mítico grupo recibiese un trato acorde con su importancia. Su primera y única edición en CD data de 1987.
Hasta 1818, la tradición vienesa encarnada por Mozart y Haydn domina las sinfonías de Schubert. A partir de entonces el compositor austriaco siente la necesidad de saltarse los esquemas clásicos, creando algunas de las obras fundamentales del incipiente Romanticismo. Aunque la numeración de la Sinfonía "Grande" es motivo de cierta controversia entre los eruditos, parece demostrado que los primeros esbozos datan de 1825 y que en 1826 la partitura estaba completamente terminada (siendo después revisada en 1828). El problema es que no fue hasta 1839, once años después de la muerte de Schubert, cuando Robert Schumann, en un viaje a Viena, encontró la partitura. No descansó hasta conseguir estrenarla.
Si the Jam triunfaron en el pop, donde la mayoría de los grupos punk ingleses fracasaron, fue gracias a sus singles. En ese sentido, sus discos no nos cuentan toda la historia. Aunque faltan temazos como "To Be Someone" (que bastaría con haber sustituido por la nada esencial versión de "David Watts") o "But I'm Different Now", Snap! es el disco definitivo de la banda. No sólo es un recopilatorio impecable, es todo un clásico que, desde el trallazo de "In the City" hasta la sofisticación de "Man on the Corner Shop", nos muestra todas las caras de una banda excepcional.
Para la mayoría, Master of Puppets es el auténtico mejor disco de Metallica, incluso el mejor del heavy metal. Es posible que sea más homogéneo que Ride the Lightning, pero carece por completo de su frescura. Metallica reinventaron el metal con su primer disco, después sólo perfeccionaron la fórmula. Temas tan brillantes como "Fade To Black" o "The Call of Ktulu" demuestran que es en Ride the Lightning donde encuentran el perfecto equilibrio entre musicalidad y brutalidad. La fuerte distorsión de las guitarras puede intimidar al profano, pero la valía artística de Metallica es indiscutible.
Fecha de publicación: 27 de enero
Discográfica: Domino
Duración: 42:43
Una canción: "Ulysses"
En algún momento durante la gira de promoción del segundo álbum de la banda, Alex Kapranos decidió que el siguiente tenía que sonar "diferente". Aunque ya habían compuesto algunos temas, los descartaron y tomaron la decisión de empezar desde el principio. Cuatro largos años después, Franz Ferdiand regresan con este álbum conceptual que narra las vivencias de una noche de parranda y sus consecuencias a la mañana siguiente, a base de ritmos dance y toneladas de teclados. El problema es que cuando luego no te vas a atrever a cambiar de verdad, no conviene darse tanta importancia.
Hasta que llegó Endless Wire en 2006, ésta era la triste despedida discográfica de los Who. Face Dances, el disco anterior, superó las expectativas tras la muerte de Keith Moon. Llegó a tiempo de beneficiarse de un puñado de buenas canciones que en It's Hard no hacen ni intención de aparecer. Vale, "Athena" y, sobre todo, "Eminence Front" se acercan un poco. Pero la tónica general del disco es bien distinta. Aunque en su día Townshend consiguiese cautivar a algún que otro crítico (de Rolling Stone, por supuesto) con su retórica, el tiempo ha confirmado la falta total de sustancia del disco.
El pasado 29 de marzo moría, a los 84 años, Maurice Jarre, uno de los grandes compositores de los años 60 y 70. Aunque últimamente renegaba de la "tacañería artística" de Hollywood, en aquellos años protagonizó algunos de los mayores éxitos de la industria. La ganadora de un Oscar, Doctor Zhivago, una de las bandas sonoras más vendidas, es su momento de máxima inspiración. A pesar de que disfrutó de muy poco tiempo para escribir la partitura, dio en el clavo con el célebre "tema de Lara" (al parecer compuesto en unos minutos en la habitación de un hotel).
Qué es: los Natural Resonance of Bamboo son unos sencillos altavoces fabricados con bambú que aprovechan las cualidades acústicas de este material.
Fecha de publicación: 31 de marzo
Discográfica: Capitol
Duración: 48:30
Una canción: "Why's It Feel So Long"
Keith Urban me cae bien; para qué negarlo. Así que ya advierto de que este texto no va a ser para nada objetivo. Fans de U2 y similares ya pueden ir pinchando en cualquier otro blog. Después del espectacular Love, Pain & the Whole Crazy Thing, no era tarea fácil estar a la altura con el siguiente álbum. Pero para escarnio de quienes esperaban que Urban se pusiera a hablar de "la crisis, la guerra o de su matrimonio con Nicole Kidman" (como Mark Kemp, crítico de la publicación humorística Rolling Stone), Urban sigue haciendo las cosas a su manera y las sigue haciendo genial. Aunque Defying Gravity es un punto menos brillante que Love, Pain... (era imposible hacer otro "grandes éxitos" como ése) confirma, una vez más, que Keith Urban es uno de los valores más seguros del panorama actual. Además de un excepcional guitarrista, sin exhibicionismos ni extravagancias, está demostrando ser un magnífico compositor (dadle una escucha a "Why's It Feel So Long" si no me creéis), versátil y convincente. Pero claro, como cualquier artista al que no le da la gana pasar por el aro de la progresía (al menos públicamente), no merece ningún respeto. Quizá sin pretenderlo, Urban ha desafiado algo más que a la gravedad con este disco. Pero al igual que se impone a ésta en la portada, también le gana la batalla a los que piensan que hay que ir con un carné en la boca (o un dedo en la ceja) para ser alguien.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 2/5
Fecha de publicación: 24 de marzo
Discográfica: Parlophone
Duración: 39:30
Una canción: "Broken Love Song"
Pete (perdón, Peter) Doherty inicia con Grace/Wastelands su carrera en solitario de forma llamativa. Ciertamente es un disco más propio de la madurez de un artista con varias décadas de trayectoria que de un jovencito que ha grabado media docena de discos con un par de bandas (the Libertines y Babyshmables) tan mediáticas como fugaces. Aunque ha vivido sus treinta años muy deprisa, el tono de Grace/Wastelands no termina de sentarle bien. Tiene algunos momentos muy brillantes, especialmente gracias a la colaboración inestimable de Graham Coxon, el guitarrista de Blur y que lleva aquí el peso del trabajo con las seis cuerdas, pero la mayoría del material parece conformado a base de descartes. Ése es, precisamente, el principal problema del álbum. Tantas canciones no terminan de funcionar que la buena idea que era sorprender al mundo con un disco acústico, íntimo se queda en eso, una buena idea. Algunas de las baladas, como "1939 Returning" (que iba a ser un dueto con Amy Winehouse) o "Sheepskin Tearaway" consiguen ese objetivo, pero las forzadas "Sweet By and By" y "Arcady", terminan por hacer el disco monótono. Quizá Doherty pensó que tenía tan buen material que podía permitirse hacer un disco con las sobras de tiempos mejores. Ha demostrado que tendrá que seguir esforzándose si quiere pasar a la historia por algo más que una ristra de escándalos en los tabloides.
Reseñas profesionales: allmusic, NME 7/10, Rolling Stone 3/5, Pitchfork 5,7/10, Spin 4/5
La "Heroica" es una de las obras clave en el desarrollo de la música clásica, ya que es el momento en el que el Clasicismo comienza su declive para dar paso al Romanticismo. Aunque la historia no empieza así. En 1802, Beethoven se trasladó a las afueras de Viena a descansar, como parte de un nuevo tratamiento para mitigar su sordera. Pero el implacable avance de la enfermedad llegó a desesperarle. Aunque, de hecho, llegó a plasmar este sentimiento en su célebre Testamento de Heiligenstadt, finalmente renunció a terminar con su vida, según sus propias palabras, "antes de haber producido todas las obras que siento la necesidad de componer". La primera de ellas fue la Tercera Sinfonía.
Al menos eso piensan en Thompson, donde creen que pueden ganar la eterna batalla al popular formato con el mp3 HD. Se trata de un nuevo formato de compresión de audio sin pérdida de calidad que se supone responde a las nuevas demandas de los usuarios que, como hoy en día pueden almacenar mayor cantidad de datos en los discos duros, así como descargarlos a mayor velocidad (esta parte no es aplicable a España), exigen más calidad.
Trust es la mejor prueba de la asombrosa versatilidad de Costello y los Attractions. Aunque superficialmente se mantiene siempre en el terreno del pop, a diferencia de su último disco pop, Armed Forces (1979), incorpora con acierto todo el ingente repertorio de estilos por el que Costello y su banda se mueven como peces en el agua y que van desde el rockabilly hasta el country, pasando por el soul o el rock & roll primitivo. Un auténtico despliegue de sabiduría musical que adornan unas canciones simplemente brillantes.
Posiblemente sea el mejor recopilatorio de historia. No en vano ha conocido más ediciones (con ligeros cambios en el orden de las canciones y la portada) que ninguno, convirtiéndose en el disco más vendido de la legendaria banda británica. Aunque muchos de sus primeros discos no merecen ser reducidos a meros singles, el resultado de juntar todas sus mejores canciones en un único CD funciona mucho mejor de lo que se podía esperar y supera con mucho a la producción posterior de la banda (más orientada hacia el single). De los que nunca te cansas de escuchar.
Qué es: los HD 800 son unos nuevos auriculares de alta fidelidad desarrollados por la marca alemana Sennheiser que pretenden aproximarse lo más posible a "las condiciones acústicas básicas de la audición natural" a través de una tecnología y unos materiales extraordinarios.
A pesar de las severas críticas que ha recibido durante años, tachándola de pretenciosa y hueca, Pinos de Roma se ha convertido en la obra más popular de la ya de por sí célebre trilogía romana escrita por el compositor italiano Ottorino Respighi. Discípulo de Rimski-Korsakov y seguidor de la corriente neoclásica italiana que recuperó la tradición del canto gregoriano, Palestrina y Monteverdi, Respighi sentiría también auténtica fascinación por el colorido de la música de Wagner y sus discípulos. Se propuso sintetizar en un estilo propio las influencias de contemporáneos como Richard Strauss o los impresionistas franceses con las de la tradición italiana. Pinos de Roma es una de las obras en las que consiguió adoptar un lenguaje personal, lleno de imaginación e inmensamente estimulante, de manera más brillante e imperecedera.
Hace un par de días leía un artículo en tuexperto.com sobre el estado de salud de las ventas de música en Estados Unidos. El texto hacía referencia al último estudio de la empresa NPD Group sobre el asunto, que arroja unas cifras no por esperadas, menos reveladoras. Resulta que durante el año pasado, ocho millones de nuevos usuarios se sumaron a la compra de música online en aquel país. Aunque iTunes sigue liderando este tipo de servicios, le ha salido una dura competencia con los portales que ofrecen música gratuita en streaming.
Desde finales de los 80, nos hemos acostumbrado a que cada nuevo álbum que lanzan los Stones sea su mejor disco desde Tattoo You (1981), el último de sus trabajos que puede llegar a ser considerado uno de sus clásicos. Pues bien, después de tantos años, en 2005, finalmente lo consiguieron. A Bigger Bang es, en efecto, su mejor álbum en más de veinte años. Y lo es porque la banda consigue recuperar el espíritu de Some Girls (1978), que inauguró su última etapa creativa de auténtico interés. La clave, tanto entonces como ahora, es saber burlarse de su propia decadencia.
Qué es: The Ovei es una cápsula multimedia que nos permite aislarnos por completo del exterior para escuchar música, ver películas, navegar por Internet, practicar con nuestros videojuegos o simplemente relajarnos un rato.
Aunque hoy es considerada por muchos como la máxima expresión del concierto romántico, en 1874 esta obra causó más de un quebradero de cabeza a Tchaikovsky. Cuando tocó el primer movimiento frente a su amigo y mentor Nicolai Rubinstein con la esperanza de conseguir su aprobación, la reacción del fundador del conservatorio de Moscú fue demoledora. Rubinstein afirmó que estaba "escrita de forma incompetente" y exigió a Tchaikovsky una serie de cambios si quería que él la tocara. El compositor se negó en redondo y buscó a otro pianista para el estreno. Poco después Rubinstein interpretaba el concierto por toda Europa y suplicaba a Tchaikovsky que le confiara la première del siguiente. Así lo hizo, pero Rubinstein murió antes del estreno.
Quizá revitalizados por la inclusión de los sintetizadores como instrumento prominente en varias de las canciones que componen este álbum, Van Halen recuperan aquí la inspiración de su debut con un ramillete de cortes simplemente sobresaliente. En este disco no encuentran asiento los ya habituales devaneos guitarreros de Eddie (sólo la breve introducción instrumental "1984" está de relleno). Tampoco las versiones. Tan sólo originales, algunos de ellos, como "Jump" o "Hot for Teacher", los mejores singles que la banda grabó jamás. Pero la gran virtud del álbum es que nunca pierde su pegada. Cada tema contiene suficientes buenos ganchos y riffs como para mantener nuestras orejas pegadas a los altavoces durante los poco más de 33 minutos que dura. Sería el último álbum de la banda junto a David Lee Roth y el último de sus clásicos, pero la época dorada de Van Halen no pudo tener un final mejor.
Springsteen no es un artista por el que profese especial admiración, pero entre mis discos de cabecera nunca ha faltado (ya desde la primera vez que lo escuché) ni faltará nunca esta inmensa lección de rock & roll que es The River. Casi hora y media de música compuesta y ejecutada con una intensidad que día a día desafía con más descaro al paso del tiempo. Cosa que no se puede decir de posteriores (algunos muy recientes) plásticos de Springsteen. Aunque no comparto los cursilones elogios que ha dedicado siempre la crítica al de New Jersey, The River se merece toda una vida de elogios.
Otro de esos big names con cuya obra no termino de identificarme es David Bowie. En general, su "universo" me da demasiada pereza como para ir más allá de los singles. Scary Monsters, no obstante, se deja escuchar mucho más fácilmente. Aunque no se trata, por supuesto, de un disco accesible, el gancho de temas como "Ashes to Ashes", "Up the Hill Backwards" o "Because You're Young" es más descarado de lo habitual y los deslices experimentales son bastante más ligeros que en álbumes anteriores. La cara más amable del inmenso talento de Bowie.
Fecha de publicación: 10 de marzo
Discográfica: RCA
Duración: 50:30
Una canción: "I Want You"
Debe ser que tanta calidad reconcentrada en un sólo disco ha sido demasiado para el poco entendido público americano. ¿O quizá sea que el disco de U2 es tan aburrido que terminadas las dos semanas de insistente campaña promocional la gente ha dejado de comprarlo? El caso es que los irlandeses acaban de perder el número uno en USA en favor de la ganadora de la primera edición de American Idol, el OT yanki. Kelly Clarkson, que va ya por su cuarto disco, no tiene el pedigrí de Bono pero, a día de hoy, nadie pude discutir que tiene mejor voz. Su música se nutre de préstamos que van desde Mariah Carey a Avril Lavigne, pasando por Pink y sus canciones son la enésima recreación de algún maldito hit de los 90 que dio con la fórmula del éxito en el menor tiempo y con el menor esfuerzo posible. No, All I Ever Wanted, con sus ritmos programados y sus agotadores estribillos, no es un gran disco. Seguramente no sea mejor que el de U2, pero ha enseñado una lección a los irlandeses y a sus prepotentes fans: un auténtico número uno tiene que ser bueno de verdad, no sólo parecerlo, para poder aguantar los envites de la música estrictamente comercial. En 1987, The Joshua Tree se mantuvo nueve semanas en el número uno.
Reseñas profesionales: allmusic 3,5/5, Rolling Stone 3/5
Un cuarto de siglo después, Pete Townshend y Roger Daltrey (los dos únicos supervivientes de la formación original), tomaron en 2006 la arriesgada decisión de volver a sacar un disco como the Who. Muchos de sus fans ni siquiera estuvieron de acuerdo con que el grupo siguiera en activo después de la muerte de Keith Moon en 1978, pero ellos siempre han seguido, de alguna manera, juntos, actuando en directo y grabando ocasionalmente nuevas canciones con motivo del lanzamiento distintos recopilatorios. Así que la vuelta al LP era cuestión de tiempo.
Fecha de publicación: 3 de marzo
Discográfica: Anti
Duración: 74:29
Una canción: "I'm an Animal"
Hace un par de meses abríamos en este blog el año discográfico con el excelente último trabajo de Carl Newman. Entonces aún esperaba con impaciencia el lanzamiento de los nuevos álbumes de Springsteen y U2. Pero después de que ambos hayan arruinado mis expectativas con su mediocridad, he comprendido que hay que resignarse (por mucho que le pese a uno) a que hoy la mejor música la hacen los indies. Grabando en un granero reconvertido en estudio para la ocasión con un ejército de pianos resucitados cuando ya iban camino del desguace, la otra cabeza pensante de New Pornographers, Neko Case, ha conseguido crear en Middle Cyclone un universo bucólico en el que la naturaleza juega un papel muy importante. Para muestra el último corte, una grabación de media hora del ambiente que rodea la granja de Vermont donde vive Case. Aunque aparte de darnos mucha envidia, el tema no aporte demasiado y resulte excesivo (dura casi como el resto del disco), la misma idea es utilizada con mucho más acierto en otros cortes como "Polar Nettles", donde el canto de los pájaros se integra perfectamente en la canción acompañando a la arrolladora voz de Case, comparada hasta la saciedad con la de la mítica Patsy Cline. Una nueva obra maestra que sumar a la impresionante carrera de esta mujer, dentro y fuera de New Pornographers.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 4/5, Spin 4,5 /5, Pitchfork 7,9/10
Hay grupos que, simplemente, suenan mejor recopilados. Queen, Deep Purple, The Smiths o The Pretenders son claros ejemplos. Algunos de sus discos son fantásticos, por supuesto, pero a lo largo y ancho de su discografía tienen tantos y tan buenos singles desperdigados en álbumes de mucho menor relieve que la recopilación le sienta más que bien a su música. Al igual que ha sucedido con otros contemporáneos como Green Day o Supergrass, en la presente década muchos grupos de los 90 han visto recopiladas sus mejores canciones en excelentes antologías, pero Rearviewmirror, la de Pearl Jam, destaca especialmente. Para empezar, es una antología arriesgada, ya que no se limita a colocar todos los singles uno detrás de otro en orden cronológico, sino que ahonda en la densa discografía del combo americano, rescatando varios temas "perdidos" de su inmenso repertorio. Pero, sobre todo, llama la atención porque está dividida en dos discos totalmente distintos. El primero compuesto por sus canciones más rockeras y el segundo por las baladas. Una decisión, sin duda, arriesgada, pero que da un espléndido resultado. Además, han remezclado las canciones de su primer LP, Ten, que suenan más frescas y directas que nunca. Nunca habrá que perder de vista sus discos clásicos de principios de los 90, pero este recopilatorio es la visión definitiva de una de las grandes bandas de la historia.
Fecha de publicación: 10 de marzo
Discográfica: Scream
Duración: 64:22
Una canción: "Long Gone"
Espero que Chris Cornell tenga, al menos, tantos y tan fieles seguidores como U2, porque los va a necesitar si quiere que alguien defienda este CD. Ahora que Audioslave parecía consolidarse como banda, tiene menos sentido que nunca que Cornell se empeñe en resucitar una carrera en solitario que nunca ha dado muy buen resultado. Pero lo que menos sentido tiene de todo es que lo haga de la mano de ese productor-gurú llamado Timbaland, a quien han recurrido algunas mega estrellas venidas a menos para acabar de hundir sus carreras (véase Madonna). Cornell se empeña en decir que ha sido "parte integral en el proceso de creación del álbum", lo cual le deja en la peor posición posible, ya que aquí lo que falla son las canciones. Por marciana que pueda resultar la combinación entre el sonido hip-hop de Timbalad y la voz de hondas raíces rockeras de Cornell, podría haber salido bastante bien de haber puesto más énfasis en la composición. En cualquier caso (y aunque sobre el papel la idea pudiera haber tenido algún futuro), ninguno de los dos parece demasiado cómodo al lado del otro, lo que resulta en un disco falto de convicción, de dirección y de sentido. Malo, vamos.
Reseñas profesionales: allmusic 1,5/5, Rolling Stone 2/5, PopMatters 3/10
La exagerada personalidad de David Lee Roth había dominado los dos primeros trabajos de Van Halen, cediendo algo de protagonismo a la ambiciosa creatividad de Eddie Van Halen en el tercero. Fair Warning supone un paréntesis en la trayectoria del combo californiano, en el que el ingenioso guitarrista se hace con las riendas del proyecto. El resultado es un disco mucho más arriesgado, pero también más "difícil". Aunque se mantiene en unos saludables treinta minutos de duración, su intensidad requiere repetidas escuchas para revelar sus intrincados placeres.
Marcados por el pintoresco romance entre Eddie Van Halen y los teclados (véase "Cathedral"), en Diver Down Van Halen intentan recuperar el espíritu de sus primeros álbumes. Aunque a sus nuevos temas les falta energía y claridad de ideas, las cinco versiones que adornan el plástico son de lo mejor de su repertorio. Es su peor disco hasta la fecha, sí, pero "Where Have All the Good Times Gone!", "(Oh) Pretty Woman" y "Dancing in the Street" están a la altura de "You Really Got Me". Sin la convicción de antaño, aquí Van Halen vuelven, sin embargo, a su fuerte: pasárselo bien.
Resulta difícil escoger un sólo álbum como el peor en una carrera tan plagada de momentos horripilantes como la de Rod Stewart (aunque hay que reconocer que también sería difícil escoger su mejor disco entre la media docena de obras maestras que firmó a principios de los 70). Con todas las papeletas para pasar a la historia como uno de los cantantes más respetados del rock, en algún momento de finales de los 70, Stewart decidió que la música ya no era importante y sucumbió ante la fascinación por su recién adquirido estatus de celebrity (exactamente igual que Mick Jagger).
Qué es: por ahora se trata sólo de un prototipo, aunque la idea no es mala. Un reproductor MP3 con la forma de los ya extintos casestes.
Por qué merece la pena: se trata de un reproductor muy sencillo, en el que podemos subir nuestras canciones cómodamente a través de una conexión USB. Dispone de tres modelos con capacidad para 10, 15 y 20 canciones, que han sido apropiadamente impresos con la antigua nomenclatura de los casetes: 45, 60 y 90 minutos, respectivamente. Una pequeña pantalla en el centro nos indica la duración de cada pista.
Precio/disponibilidad: para poder adquirirlo habrá que esperar a que alguna empresa se decida a producirlo.
Una pega: el diseño "retro" hará las delicias de muchos y como curiosidad está bien, pero sus prestaciones son demasiado básicas para los tiempos que corren (si hasta hay que recargarlo metiendo el dedo por uno de los agujeros y dando vueltas).
Fuente: Yanko Design
Después de dos salvajes discos que consiguieron inyectar parte de la intensidad del punk en la escena New Wave, el versátil Costello decidió dar rienda suelta, por primera vez en su carrera, a su vena más popera. El resultado es Armed Forces, un álbum repleto de memorables melodías y arreglos detallistas que, junto a una densa producción, consiguen poner en relieve la fascinante personalidad de Costello como compositor (aplacando al tiempo buena parte la fiereza de los Attractions, eso sí). Delicioso y esencial.
Tras reinventarse a sí mismos con el clásico Fleetwood Mac (1975) y alcanzar el éxito comercial con Rumours (1977), en el siguiente disco tocaba ir un paso más allá. Buckingham tenía ya control total sobre la dirección creativa de la banda y decidió acometer la difícil tarea de crear un trabajo aún más perdurable que cualquier cosa que hubieran grabado antes. Y lo consiguió. Tusk pasó inmediatamente a formar parte del selecto grupo de dobles discos caóticos y geniales donde se encuentran el White Album de los Beatles o el Physical Graffiti de Led Zeppelin.
¿No querías caldo? Pues toma dos tazas. Por si no habíamos tenido bastante con el insufrible No Line on the Horizon (que desde ayer encabeza mi lista de discos que no quiero volver a escuchar jamás), leo en Gigwise que Bono anuncia nuevo álbum de U2 para finales de año. Encima amenaza con que será un trabajo "más meditativo" y tendrá un "tono de procesión". El CD, que todavía no tiene título, sería una especie de complemento de No Line y estaría básicamente compuesto por descartes, según comentan por otros blogs.
Después del ridículo que hicieron el pasado viernes subiéndose a la azotea de un edificio de la BBC para dar un concierto de veinte minutos queda claro que los irlandeses se han tomado en serio las magníficas críticas que está recibiendo No Line on the Horizon y están convencidos de que han creado el Sgt. Peppers del siglo XXI. ¡Pero si hasta How to Dismantle... era mejor! En fin, que también han confirmado que a principios del verano estarán ya de gira, según Bono, con precios adecuados a los tiempos de recesión en que vivimos.
Fecha de publicación: 3 de marzo
Discográfica: Interscope
Duración: 53:43
Una canción: "Magnificent"
Hace mucho que la música de U2 dejó de ser importante. Claro que los miembros de la banda, especialmente Bono, no parecen encajarlo bien. Si hay algo que le gusta a este gurú del progresismo es darse importancia. Sus devaneos activistas en pos del Nobel de la paz serían perdonables, no obstante, si con los años no se hubieran convertido en la principal atracción de la banda. Curiosamente, desde War (1983), las letras de U2 fueron abandonando la temática puramente política, sustituyéndola poco a poco por la sentimental, proceso que culmina con Achtung Baby (1991). A partir de entonces los irlandeses decidieron relegar su música a un segundo plano. Sin embargo, la presencia de Bono en los medios de comunicación ha sido más y más insistente, agotando la paciencia de cualquiera (incluso de él mismo).
Naturalmente, la revista Rolling Stone concede a No Line on the Horizon la máxima puntuación (cinco estrellas) y, siguiendo su estela, la prensa internacional pone por las nubes el nuevo trabajo de la veterana banda. Pero por mucho que Bono y compañía nos quieran vender que una vez más han reinventado su carrera, el rock y puede que incluso el mundo con este álbum (y algunos lo compren), el esperado No Line on the Horizon no es más que un pomposo y grandilocuente plastazo. Una exhibición de pedantería que intenta esconder bajo capas y capas de efectos de estudio (obra de los renombrados Brian Eno y Daniel Lanois) una severa crisis creativa. Salvo por un par de temas (los dos primeros, para más señas), No Line on the Horizon necesita mejores melodías y más claridad de ideas para justificar los desmedidos elogios que ha recibido. Una última cosa: ¿ha cantado Bono alguna vez peor que en "Moment on Surrender"?
Reseñas profesionales: allmusic 3/5, Rolling Stone 5/5, NME 7/10, Blender 5/5, Spin 3,5/5, Pitchfork 4,2/10
Aunque a mediados de los 90, cuando eran la banda más popular del planeta, Pearl Jam decidieron alejarse poco a poco del primer plano del panorama musical, en realidad nunca se han ido. De hecho, su deriva experimental nos ha deparado algunos grandes momentos. Sin embargo, nunca les sentó del todo bien. Por eso su último trabajo, Pearl Jam, puede considerarse un resurgimiento. No sólo vuelven a recordarnos a los enérgicos Pearl Jam de los tiempos de Ten, sino que su música alcanza una intensidad casi inaudita.
Un año después de reinventar el rock con su debut, los californianos continúan con su particular juerga como si nada hubiese pasado. Aunque con algunos momentos más poperos ("Women in Love") y otros más preciosistas ("Spanish Fly"), Van Halen II es exactamente lo que parece, la segunda parte de Van Halen. Más de lo mismo en el mejor sentido de la expresión. Las acrobacias de David Lee Roth y Eddie Van Halen siguen impresionando lo suficiente como para disimular la sosez de la sección rítmica y temazos del calibre de "Dance the Night Away" o "Beautiful Girls" hacen el resto.
En 1980 vieron la luz algunos grandes clásicos del heavy metal como Back in Black, de AC/DC; Ace of Spades, de Mötorhead o British Steel, de Judas Priest. A ellos hay que sumar el tercer LP de Van Halen, posiblemente el álbum más metalero de su carrera. Pero también su trabajo más difícil. Por primera vez introducen los teclados en sus canciones, concediéndoles especial protagonismo en el single "And the Cradle Will Rock...". También firman su primer tema completamente acústico: "Could This Be Magic?". Pero la experimentación sólo refuerza su poderío.
Fecha de publicación: 16 de febrero
Discográfica: Decca
Duración: 43:25
Una canción: "It's Not Your Birthday Anymore"
Han pasado cuatro años desde que Morrisey regresara repentinamente al panorama musical (después de siete años de silencio) con uno de los mejores álbumes de su carrera, We Are the Quarry. Aunque su directo siguió deleitando a los fans durante ese tiempo, Moz necesitaba pasar por el estudio para plasmar su recuperación en un exitoso álbum y recobrar su estatus entre la actual comunidad alternativa/independiente. Tras el menos brillante Ringleader of the Tormentors (¿alguien sabe qué pretendía con ese disco?), el ex líder de los Smiths vuelve aquí a su mejor estado de forma, concentrándose en su siempre ingeniosa lírica y volviendo a un sonido familiar; dejándose de experimentos. Musicalmente, por tanto, no hay muchas novedades que comentar. Es el de siempre. Con algún toque exótico (trombones por aquí, clarinetes por allá, alguna guitarra más de la cuenta en "All You Need Is Me"), pero nada que se salga de su tradicional pop/rock. Naturalmente eso es lo que esperan sus muy devotos fans (que son los que van a comprar este disco). En estos cuatro años, naturalmente, la consabida vanidad del músico sólo ha ido en aumento, como lo han hecho los rumores (desmentidos hasta la saciedad por Morrisey) de una posible reunión de la mítica banda. En cualquier caso, constatar el excelente momento de forma de este big name del rock quien, a sus cincuenta años, sigue haciendo una música tan enérgica, vital y estimulante como cuando tenía veinte es digno de celebración.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 3,5/5, Uncut 4/5, Pitchfork 8,1/10
El debut de los Cars es uno de esos discos redondos que consiguen aunar el valor artístico y el éxito comercial con total naturalidad. Sus nueve canciones están entre los clásicos absolutos de la New Wave (nada que envidiar a los exitosos Blondie ni los niños mimados de la crítica, Talkin Heads). La sabia producción de Roy Thomas Baker (famoso por "Bohemian Rhapsody") contribuye a equilibrar la balanza entre las pinceladas avant-garde y las poperas melodías, creando un sonido robótico, que te hipnotiza y atrapa hasta que suena la última nota de la apoteósica "All Mixed Up".
Después de flirtear durante años con casi cualquier género que se le puso por delante, a finales de los 70 Todd Rundgren redescubrió los placeres del pop tanto con Utopia como en su carrera en solitario. El resultado es Hermit of Mink Hollow, un trabajo que le retrotrae a principios de la década, cuando hacía álbumes modestos, colecciones de canciones en un impecable estilo pop (estoy pensando en The Ballad of Todd Rundgren). Los pequeños placeres que lo integran convierten a este disco en una auténtica delicia, parcialmente oculta, dentro de su majestuosa discografía.
En 1978, un incipiente heavy metal se encontraba en plena encrucijada. Los Sabbath, Zeppelin y Purple disfrutaban de los últimos días de su reinado mientras Judas Priest y Iron Maiden todavía permanecían casi en el anonimato, cuando el punk amenazó seriamente la supervivencia del género (muchos jóvenes se identificaron con el espíritu rebelde de Ramones y Sex Pistols). Afortunadamente, fans no faltaron nunca (siempre hay gente a la que no le va eso de que sus grupos favoritos apenas sepan tocar). Justo en ese momento, Van Halen saltaron a la palestra con uno de los discos clave de la historia del rock. Cambiando el gusto por lo gótico y el misticismo por la pura diversión, los californianos sentaron las bases del metal americano para (al menos) los siguientes diez años. Su hedonista actitud supuso una gigantesca bocanada de aire fresco que llevaría al género a los primeros puestos de las listas de ventas. Capítulo aparte merece Eddie Van Halen y su revolucionaria técnica con la guitarra. Consiguió sacarle un sonido completamente nuevo, que se convertiría en lección indispensable para las generaciones venideras de héroes de las seis cuerdas. Pero lo más importante es que lo hizo en el marco de unas canciones extraordinarias, cargadas de gancho y contundencia e irresistiblemente adictivas. Uno de los diez mejores debuts del rock.
Aunque firmaron algunos de los plásticos más irresistibles de su tiempo, estos padrinos del Power Pop nunca supieron (o quisieron) plasmar en sus LPs la hipnótica energía de sus directos. Rockford, un disco que en su momento recibió unas unánimemente excelentes críticas es, sin duda, uno de los que mejor capturan la vitalidad de la banda. Steve Albini (responsable del resurgimiento del grupo en 1996) y Jack Douglas (viejo conocido de los 70) se reparten las tareas de producción que, junto a un racimo de cancions aún mejor que las de Cheap Trick (1997), resulta en un álbum sencillamente espectacular, que transmite con infinito entusiasmo unas ganas de pasarlo bien más propias de veinteañeros que de estos dinosaurios del rock. Canción tras canción, la consistencia de arreglos y composiciones crece y crece para sorpresa de propios y extraños (pocos esperaban algo así de Cheap Trick a estas alturas). En fin, esperemos que el siguiente siga por estos derroteros y el nombre de esta genial banda se haga todavía más grande.
Qué es: el TD-X300i es un miniequipo de sonido estéreo 2.1 de 5 vatios de potencia por canal con caja de graves (de 15 vatios).
Por qué merece la pena: porque incorpora altavoces ultra delgados, fabricados con tecnología NXT, lector de CDs, entrada de audio estéreo (que permite conectar cualquier otro tipo de reproductor), sintonizador de radio AM y FM y (sobre todo) base para iPod, que incluye entrada de S-Video y RCA, para reproducir los vídeos en una pantalla externa.
Precio/disponibilidad: por ahora sólo está disponible en Japón, a un precio de 235 euros.
Una pega: el precio es excesivo para tratarse de un equipo en miniatura que no ofrece una calidad de sonido ni unas prestaciones especialmente destacables.
Fuente: tuexperto.com
Imagina una mezcla a partes iguales de la épica de Springsteen, la pomposidad de Queen y la pegada de Aerosmith y te harás una idea bastante aproximada del sonido de este disco. Uno de ésos que no se decide entre el pop, el rock duro o el prog, optando por juntarlo todo de la forma más absurda posible. Si añadimos al mejunje la volcánica interpretación de Meat Loaf, el talento compositivo de Jim Steinman y la inteligente producción de Todd Rundgren, el resultado es uno de los álbumes más grandiosos jamás grabados. En mi top ten de todos los tiempos.
Hace unos años pasé una época obsesionado con el pop "puro". En seguida me dejé atrapar por el remolino del power pop, un universo atestado de melodías empalagosas hasta lo imposible, formulaico y superficial. Me encanta. Desde entonces he procurado mantener siempre cerca este CD, una de las demostraciones más sublimes del género y un clásico del rock en sí mismo. Es empalagoso, divertido y bailable como el que más, pero aporta el sobresaliente talento de unos músicos que están muy por encima de las limitaciones creativas y la sensiblería de su música.
Fecha de publicación: 27 de enero
Discográfica: Columbia
Duración: 51:40
Una canción: "Outlaw Pete"
Magic fue un disco muy decepcionante para mí. Su recargada producción consiguió matar el encanto de la E Street Band casi por completo. El resto lo pusieron unas canciones cursilonas y predecibles que terminaron por arruinar el esperado regreso de la mítica banda. Grabado en los descansos de la última gira de Springsteen por los Estados Unidos y rápidamente editado para coincidir con el arranque de la Administración Obama Working on a Dream no mejora la situación. Mi esperanza era que, precisamente aprovechando las prisas hiciera un disco más rudo y austero. Un auténtico álbum de carretera. Nada más lejos de la realidad. Springsteen y su banda vuelven a las andadas y endulzan las canciones hasta el límite de hacerlas totalmente insípidas. Hasta sus trabajos más comerciales de los 80 (empezando por Born in the U.S.A.) huían decididamente del convencionalismo que despide Working on a Dream, un disco tan fácil de escuchar como de olvidar.
Reseñas profesionales: allmusic 3/5, NME 8/10, Rolling Stone 5/5
Fecha de publicación: 20 de enero
Discográfica: Matador
Duración: 42:13
Una canción: "All of My Days and All of My Days Off"
Mientras esperamos los primeros grandes lanzamientos del año (los Springsteen, U2 y demás), haremos bien en darle alguna que otra escucha al último trabajo en solitario de una de las vacas sagradas del rock indie. Frente a sus discos junto a the New Pornographers (los más conocidos dentro de las miles de bandas donde toca este hombre), Get Guilty nos presenta a un A. C. Newman mucho más natural y relajado. Aquí no nos encontraremos con los empalagosos arreglos de Twin Cinema ni con las ultrapegadizas melodías de Mass Romantic. Sin embargo, la música de Newman cobra un nuevo sentido. Al igual que Rivers Cuomo ha hecho con sus Alone, Newman procura despojar a sus creaciones en solitario de la pomposidad que inunda la primera línea indie, para poner el acento en las canciones, dándole importancia a cada instrumento. El resultado es un álbum de pequeña escala, sí, pero mucho más fresco y emocionante que nada de lo que New Pornographers han hecho desde su debut. Un magnífico arranque para 2009, que puede que incluso merezca más la pena que alguno de esos grandes lanzamientos que se avecinan.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 3,5/5, Pitchfork 7,5/10, Spin 3,5/5, Blender 3/5
Qué es: el Kana Micro es simplemente eso: un MP3 feo y pequeño, desarrollado por la compañía Green House. Aparte de su tamaño, tiene muy pocas prestaciones que ofrecer.
Por qué merece la pena: básicamente por su precio, ya que sólo permite almacenar 2GB (a través de tarjeta de memoria microSD) y reproducir música durante dos horas.
Precio/disponibilidad: cuesta 16 dólares, aunque, por el momento, sólo está disponible en Japón.
Una pega: tiene unas cuantas, a saber: poca capacidad, poca batería, no tiene pantalla, la cutrez de su diseño...
Fuente: Gizmótika
Llevaba algún tiempo sin volver a Led Zeppelin cuando decidí retomar mi afición por sus clásicos plásticos. Entonces me pregunté por dónde empezar esta vez. Recordé una entrevista en la que preguntaron a Robert Plant qué disco de la banda le recomendaría a los neófitos. Dijo que Psysical Graffiti. Entonces me pareció decepcionante. Yo esperaba algo como "pues por el primero estaría bien". Además, nunca fue mi favorito. Sin embargo, decidí hacerle caso y reescuchar la discografía zeppeliana a partir de aquí. Gracias a ello redescubrí el placer de este fascinante doble álbum.
Reducir un grupo con tantas facetas interesantes a un sólo álbum está feo. Ya lo sé. Pero creo que, de alguna manera, Wish You Were Here es el álbum definitivo de Pink Floyd. La canción qe da título al disco es un clásico del rock. Las largas suites que abren y cierran son dos de sus mejores temas genuinamente progresivos y la dedicatoria a Syd Barrett esconde algo de su psicodélica visión, al menos en las letras. A no ser que seas un devoto de la etapa liderada por Waters (The Wall), Wish You Were Here lo tiene toda para ser tu disco favorito de los reyes del space rock.
No estoy seguro de que "adictivo" sea el adjetivo que mejor defina este disco (al menos en sentido estricto), pero sí de que "infravalorado" lo es. Tras el decepcionante Gold Afternoon Fix, en que la banda sonaba completamente descentrada, the Church renunciaban finalmente a su intención de conquistar las listas de éxitos americanas (propiciada por el éxito de su single "Under the Milky Way" en 1988) con el fascinante Priest = Aura. Un disco en el que los australianos desarrollan sin límites ni contemplaciones su inmensa creatividad. Nada de singles, arreglos-gancho ni melodías empalagosas; sólo buenas canciones. El resultado es un álbum difícil (largo, sinuoso, lleno de detalles de esos que se escapan las primeras escuchas), pero cuya recompensa es absolutamente fascinante. Sólo hay que dejarse llevar por su hipnótica belleza. A ratos imita el sonido de los mejores U2 de los 80, dibujando finas líneas melódicas sobre una contundente base rítmica y en otras recuerda a los juegos de texturas de los Pink Floyd de mediados de los 70. Todo acompañado de ese singular buen gusto para los arreglos que caracteriza todo el trabajo de la banda. Un álbum que merece la pena rescatar.
Fecha de publicación: 16 de diciembre
Discográfica: Island
Duración: 50:31
Una canción: "I Don't Care"
2008 ha sido el año en que los emo han descubierto Sgt. Peppers. Lástima que no hayan entendido absolutamente nada. Como ya hicieran sus colegas Panic at the Disco allá por el mes de marzo, estos adorados/odiados chicos de Illinois se apuntan a la moda psicodélica actual sin ningún motivo ni necesidad. Es lo que toca. Claro que con la misma maraña de guitarras de siempre (que arruina cualquier intento de hacer unos arreglos detallistas) y la misma melancólica y cansina interpretación vocal del plasta de Patrick Stump poco se puede hacer por intentar causar un impacto equivalente al que causaron los Beatles en 1967. Sólo han conseguido que sus fans sean igual de histéricos que las chicas de A Hard Day's Night (y no lo digo por las del vídeo de "I Don't Care"). Porque si creen que con hacer un par de guiños (como en los segundos finales de "(Coffee's for Closers)") y añadir unos cuantos violines y trompas por aquí y por allá ya está... Pues eso, que no han entendido absolutamente nada. Más les valdría dejar de hacer este ridículo y limitarse a su punk-pop facilito de siempre, con sus letras cargadas de reflexiones melodramáticamente adolescentes sobre el mundo. Está claro que no dan para más, por mucho cameo que haga Elvis Costello en sus discos.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 3,5/5, PopMatters 5/10, Spin 3,5/5
Quizá decepcionados por la escasa repercusión pública de su primer LP, Johnny Thunders, David Johansen y compañía decidieron reclutar al conocido productor George "Shadow" Morton, con la intención de dar un giro sesentero a su sonido y llegar a las radios comerciales. No lo consiguieron, pero el experimento no les salió nada mal (al fin y al cabo, el sonido del pop americano de los años 60 siempre fue una importante influencia en su música). Los coros y los efectos de sonido realzan las pegadizas melodías y convierten al plástico en una irresistible mezcla de crudeza y pomposidad.
Muchos discos de Dylan, por unas cosas o por otras, no me gustan. Los he escuchado montones de veces, con la mejor intención, pero siempre acabo dándole varias veces al botón de next track. Qué le vamos a hacer. Sin embargo, con Blood on the Tracks disfruto de principio a fin. No tiene desperdicio. Dicen que es un disco para los puristas. Yo más bien diría es ideal para los que no les guste mucho Dylan. Ningún otro de sus trabajos, de hecho, combina tan bien su faceta más melódica en unas canciones redondas, con una producción tan austera y fácil de escuchar.
Para muchos, los U2 de la última década representan lo peor de la banda. No les faltan argumentos. A medida que pierden frescura e inventiva, su líder, Bono (que siempre ha resultado un poco pedante), gana en endiosamiento y cada vez resulta más repelente. Aún así, no me resisto a defender sus dos últimos álbumes. Quizá estén pensados para gente que no le gusta mucho U2 (mi caso). El caso es que ambos son bastante buenos discos, de irresistible encanto.
Siguiendo la fórmula de sus más reconocidos trabajos de los 80 (en especial The Joshua Tree), los irlandeses consiguen hacer un disco que suene realmente clásico, sin serlo. Con Daniel Lanois y Brian Eno en la producción y añadiendo al mix todas las eclécticas influencias que salpican sus discos de los 90, el CD suena más que bien, plagado de detalles y sorprendentes texturas. Temas como "Wild Honey" o "Beautiful Day" son excelentes ejemplos de pop en estado puro. Aunque tanta dedicación limita inevitablemente la espontaneidad de las canciones, el resultado es magnífico.
Aún más estancado en la fórmula The Joshua Tree que el anterior, How To Dismantle An Atomic Bomb ofrece más de lo mismo en cuanto a memorables melodías y precisos arreglos. A excepción del burdo single "Vertigo" (que carece del buen gusto de "Beautiful Day") y la cuestionable "Love and Peace or Else" (el momento "Bullet the Blue Sky" de How To Dismantle), todo el material se centra en ese sonido pop/rock básicamente inofensivo que ya probaran con éxito en All that You Can't Leave Behind. Menos sorpresas aún, por tanto, pero la misma cantidad de buenas canciones.
Pretender sustituir a la consolidada pareja que formaban Joe Perry y Brad Whitford por los desconocidos Jimmy Crespo y Rick Dufay es lo que tiene. Aunque con temas como el single "Lightning Strikes" o la llamativa "Joanie's Butterfly" Tyler y compañía demuestran que siguen siendo capaces de hacer buena música, a lo largo del álbum (que, sin ser malo, es terriblemente convencional en demasiados momentos) se termina por echar mucho de menos a los ausentes, especialmente a Perry. Se dieron cuenta y tan sólo dos años después, ambos se reincorporarían a la banda.
El tercer álbum de nombre homónimo al de la banda (esta vez con la carátula de color rojo), supone la vuelta de Weezer a su fuerte después del polémico Make Believe. Rescatando la estética de sus primeros discos recuperan, además, la energía y convicción que tanto se echaba de menos últimamente en su música. Con "Troublemaker" y "Pork and Beans" consiguen dos claros singles como los de hace años y con "The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn)" o "The Angel and the One" reviven un perdido interés por los temas largos.
Uno de los regresos más esperados del año. Y también uno de los menos decepcionantes. Prometieron volver al rock básico de Document y lo han cumplido. Aunque no todas las canciones mantienen la arrolladora energía con la que arranca el CD ("Living Well Is the Best Revenge", "Man-Sized Wreath" y "Supernatural Superserious"), sus poco más de treinta minutos de duración le dan la concreción necesaria para resultar adictivo y fresco de principio a fin. El desastre de Around the Sun necesitaba una reacción como ésta.
Qué es: se trata de un reproductor MP3 de bolsillo que puede sincronizarse con el teléfono móvil y usarse como adaptador manos libres, de modo que te permite contestar las llamadas sin necesidad de quitarte los cascos.
Por qué merece la pena: dispone de Bluetooth, dos micrófonos integrados, una pantalla LCD de 16x96 píxeles, donde puedes consultar quién te está llamando; está equipado con tecnología FullSound (que mejora el sonido de los MP3), 2 GB de memoria y sintonizador de radio.
Precio/disponibilidad: sólo está disponible en Asia, por unos 75 euros.
Una pega: dos en este caso. Primero su autonomía, que sólo alcanza las 10 horas en reproducción continua y, después su diseño, fundamentalmente orientado al público femenino.
Via: tuexperto.com
Tras el sonado No Direction Home (banda sonora del documental de Scorsese), la última edición de las Bootleg Series dylanianas, Tell Tale Signs, depara algunas agradables sorpresas. Aunque sigue conteniendo algunos temas en directo, se centra más en impredecibles y frescas versiones de estudio. Cubriendo el periodo que va de Oh Mercy (1989) a Modern Times (2006), ofrece suficiente material a lo largo de sus dos discos como para hacerlo un complemento imprescindible en la colección de cualquier fan de uno de los músicos clave del rock.
Hasta ahora, el recopilatorio Singles (1995) era la mejor forma de disfrutar de la faceta más comercial e irresistible del mejor grupo británico de los 80. Esta nueva (y algo innecesaria) colección de singles, sin embargo, consigue superar a aquélla y queda como primera opción para quienes no necesiten más de los Smiths. Todas sus más directas y pegadizas joyas del pop están aquí, contenidas en apenas hora y cuarto, lo que lo convierte en una escucha inmensamente entretenida, que nos ofrece una sucinta visión de la carrera del grupo.
Going for the One: el octavo disco de estudio de Yes arranca con uno de los temas más directos e irresistibles de toda su carrera. Después de años llevando hasta el límite las largas y sinuosas composiciones que les hicieron famosos, vuelven de sopetón a la concreción de Fragile.
Turn of the Century: en contraste con el arrebatador ritmo del tema anterior, Yes vuelven aquí a la balada. Y lo hacen por todo lo alto, con una melodía mágicamente evocadora y una ambientación marca de la casa. Aunque la sección intermedia se alarga más de lo debido, no pierde nunca el interés.
Parallels: quizá el tema más potente del álbum. Arranca con el reincorporado Rick Wakeman tocando el órgano de la Catedral de St. Martin, en Suiza, cuyo sonido inunda toda la canción y la eleva a un estatus que no tendría con un sintetizador. El resto, quintaesencia Yes: imaginativas guitarras, precisos ritmos y la mística voz de Jon Anderson.
Wonderous Stories: único single del álbum y segunda balada. Aunque menos conseguida que "Turn of the Century", tiene un estribillo mucho más reconocible y directo.
Awaken: y, para terminar, vuelve la épica. Quince minutos y medio de complejas melodías, texturas entrelazadas y guitarreos milimétricos. Todo sobrevolando una portentosa base rítmica y unas letras más bien raritas. Exotismo, precisión y pomposidad al máximo para cerrar el clásico más desconocido de uno de los grandes grupos del rock progresivo.
The New Year no son la típica banda indie de momento. Llevan muchos años haciendo música y eso se nota. No es un plato fácil, pero este trabajado CD llega lejos en su intención de tocarnos el corazón. Es uno de esos discos con los que dejarse llevar. Sus melodías contienen las dosis justas de belleza y desolación, una mezcla explosiva que Matt Kadane sabe transmitir con maestría. Aquí podéis leer la entrevista que les hicieron en PlayGround aprovechando su visita a Castellón con motivo del festival Tanned Tin, el pasado noviembre.
Dean Spunt (batería y voz) y Randy Randall (guitarra) saben sacar partido de sus instrumentos. Con su minimalista propuesta han conquistado las portadas de las revistas especializadas más prestigiosas. Además de hacerlo en las listas de mejores discos del 2008 de muchos influyentes críticos. Nouns es una brutal descarga de noise rock a la lo-fi que no deja tiempo casi ni para respirar. El material es significativamente consistente y augura un prometedor futuro para esta pareja artística en el mundo de la música.
Viernes, 1 de junio
Juan Luis Recio
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Antonio García Fuentes
Julián Moreno Mestre
Chris Gonzalez -Mora
José Pómez
Manuel María Ventura
Juan Granados
Patricio Peñalver
Julio César Izquierdo
Carlos Juan Gómez Martín
Carlos Gómez Cabana
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