Qué es: tres dispositivos independientes que podemos conectar al ordenador portátil a través de USB para realizar de forma sencilla las funciones básicas de cualquier estudio de grabación a pequeña escala.
Por qué merece la pena: principalmente por su reducido tamaño. Sus prestaciones son limitadas: el nanoKEY es un teclado de 25 notas sensibles a la velocidad, el nanoKONTROL es una minimezcladora con 9 faders y diales, 18 interruptores y controles de reproducción y el nanoPAD es un dispositivo que incluye 12 pads y un trackpad.
Precio/disponibilidad: todavía no se han anunciado.
Una pega: en espera de conocer su precio, el principal déficit del equipo está en sus limitaciones técnicas de cara a los músicos profesionales.
Qué es: El A.M.P. es un equipo de música robotizado, capaz de bailar al ritmo de la música y seguirnos allá donde vayamos.
Por qué merece la pena: alcanza una potencia de salida de 12 vatios, repartidos entre sus tres altavoces. Utiliza 6 pilas D y 3 AAA, con una autonomía de hasta 10 horas. Además incluye una serie de sensores que impiden que choque con los objetos o se caiga y emplea una tecnología similar a la de los Segway para mantenerse de pie sobre dos ruedas.
Precio/disponibilidad: cuesta 320€, aunque no estará disponible hasta octubre y sólo en Estados Unidos y Japón.
Una pega: no incluye memoria interna, así que requiere disponer de un reproductor de MP3 que poder conectarle. Por no hablar de lo aparatoso de su tamaño.
Roy Wood es una de las figuras más extraordinarias del rock. Fue el principal inspirador de dos de los grupos más irresistibles del pop inglés, the Move primero y Electric Light Orchestra después (con los que sólo llegó a grabar un álbum). Aunque luego creó otra banda, Wizzard, que gozó de limitado éxito y terminó disolviéndose, a partir del 73 emprendió una singular y excéntrica (como no podía ser de otra manera para el inglés) carrera en solitario. Boulders es su debut discográfico como Roy Wood y eso se nota. Es más él que nunca. Curiosamente eso le lleva a cumplir esa máxima con la que se bautizó a ELO (retomarlo donde "I'm the Walrus" lo dejó), con más efectividad y convicción que nunca. Buolders es todo extravagancia, exageración, parodia de sí mismo (y de los demás) y encantador melodicismo. La portada engaña, este es un disco cargadísimo de color. En él se encuentran desde el Paul McCartney de Ram y el Todd Rundgren de A Wizard, a True Star hasta el humor absurdo y el folclorismo ingleses, pasando por la siempre presente excentricidad en la exploración de los límites del pop. Musicalmente, Wood lo abarca casi todo, desde la música clásica más grandilocuente hasta la tonada folk más campestre incluso dentro de una misma canción (sin cortarse un pelo). Naturalmente, nada tendría aquí sentido sin que la propia personalidad de este grandioso artista y sus milagrosas melodías (de ésas que no se te van de la cabeza) actuasen como un sólido cemento que lo unifica todo y le da una consistencia increíble. Un trabajo mortal, uno de los discos más geniales de la historia (y de los más divertidos).
01 Songs of Praise 4:40
02 Wake Up 3:19
03 Rock Down Low 3:52
04 Nancy Sing Me a Song 3:28
05 Dear Elaine 4:09
06 Medley: All the Way over the Hill/Irish Loafer (And His Hen) 4:49
07 Miss Clarke and the Computer 4:20
08 When Gran'ma Plays the Banjo 3:13
09 Rock Medley: Rockin' Shoes/She's Too Good for Me/Locomotive 7:31
Se llaman the Trons y ya tienen miles de fans en la red. El videoclip de su primer single no quedará para la historia, la verdad, pero en cuanto prescindan de la tabla de planchar para sujetar el teclado, seguro que su doble ataque guitarrero y su propulsiva batería les llevan al número 1 de las listas. (Se rumorea que el cantante no pertenece a este mundo).
Este año se cumplen quince de la salida al mercado de uno de los álbumes clásicos del rock independiente de los 90, Exile in Guyville. Para celebrarlo, se reeditará la semana que viene una edición especial del disco y su autora, Liz Phair, emprenderá una breve gira acústica por Estados Unidos en la que tocará los temas de este su trabajo más alabado. Además, la cantante ha producido y dirigido un documental en el que repasa el proceso de creación del LP, y cuyo trailer ya podemos ver a través de YouTube.
Coldplay nunca han sido un grupo muy original. Radiohead, U2, Echo & the Bunnymen, Kraftwerk, son sólo algunas de las bandas de las que Chris Martin y los suyos han bebido algo más de la cuenta. La última en sumarse a la lista podría ser Creaky Boards, una desconocida banda indie de Brooklyn que dice haber compuesto una melodía similar a la el tema "Viva la vida", perteneciente al homónimo LP de los británicos, publicado hoy mismo.
El caso es curioso porque los neoyorquinos han colgado incluso un vídeo en YouTube donde comparan las dos melodías y ofrecen a Chris Martin una colaboración con su banda. El cachondeo va más allá, ya que el tema supuestamente original se titula "The Songs I Didn’t Write" (las canciones que no escribí). Aunque los Creaky Boards alegan que vieron a Martin en uno de sus conciertos en octubre de 2007 (Coldplay no han tardado en decir que la demo de "Viva la vida" es de marzo), todo huele (sea cierto o no) a campaña de promoción.
También ha habido quienes han querido ver demasiado parecido entre el tema "California", de Phantom Planet (de la banda sonora de la serie OC) y "Violet Hill", el primer single de Viva la vida. En cualquiera de los casos, no creo que tenga nada de malo. Son célebres los "préstamos" que otras bandas se tomaron la libertad de tomar de sus artistas favoritos, como el caso de Led Zeppelin con Willie Dixon.
Fecha de publicación: 17 de junio
Discográfica: Capitol
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
UNCUT 3/5
Rolling Stone 3,5/5
Pitchfork 6,5/10
PopMatters 7/10
liveDaily
Unos días después de la salida al mercado de X&Y (2005), Chris Martin anunció que el siguiente álbum de Coldplay sería poco menos que lo más increíble que se hubiera escuchado nunca. Mucho después supimos que Brian Eno se encargaría de la producción y según se aproximaba la fecha para el lanzamiento de Viva la vida, la expectación crecía y crecía. Con bastante anticipación se anunció el desconcertante título que llevaría el disco (tomado de un cuadro de Frida Kahlo), así como la imagen de la portada (la famosa obra de Delacroix). Parecía que, una vez más, Colplay buscaban enmascarar en la grandilocuencia sus carencias como grupo. Ciertamente no han abandonado esa épica un tanto hueca que adorna habitualmente sus composiciones, pero la mano de Brian Eno ha contribuido decisivamente a que Viva la vida, sin llegar a ser el gran disco que muchos esperaban, sea lo mejor de los ingleses hasta la fecha. Donde antes había gancho fácil, melodías grandilocuentes y letras inanes, ahora hay un torrente sonoro portentoso (marca de la casa Eno) y unas necesarias a la par que obsesivas letras. Aunque a Colplay siempre les faltará la guitarra de The Edge, la ambición de Radiohead y el dramatismo de Echo & the Bunnymen, con Viva la vida han conseguido ganar un punto de respetabilidad entre muchos de los críticos con su trabajo y evolucionar (paso a paso y con mucha calma) hacia una incipiente madurez que promete grandes momentos en un futuro más o menos próximo (todavía les queda, por ejemplo, coger el punto a las composiciones de más de cinco minutos). Por ahora nos conformaremos con este trabajado, tétrico, vigoroso y emocionante Viva la vida.
01 Life in Technicolor 2:29
02 Cemeteries of London 3:21
03 Lost! 3:55
04 42 3:57
05 Lovers in Japan/Reign of Love 6:51
06 Yes 7:06
07 Viva la Vida 4:01
08 Violet Hill 3:42
09 Strawberry Swing 4:09
10 Death and All His Friends 6:18
Pues a buenas horas nos enteramos. El líder de los Sex Pistols, hasta ahora una de las bandas míticas del punk británico con su Never Mind the Bollocks Here's the Sex Pistols, ha declarado no sentirse identificado con el término tras bajarse del escenario del festival Isle Of Wight en el que el grupo participó ayer.
Para Lydon se trata de una etiqueta que la prensa colocó a la banda y afirma rechazarlo "amargamente". En declaraciones a la emisora Virgin Radio, el cantante aprovechó además para criticar la política del ex primer ministro Tony Blair, a quien calificó de "perro faldero" de George Bush.
Aunque Lydon se confiesa anti-Bush, "como todos los americanos decentes", no cree ser anti-americano, de hecho reside actualmente en los Estados Unidos de forma permanente.
En cualquiera de los casos, la música y la actitud de los Sex Pistols representaron un cambio fundamental en la historia de la música popular, dando pie a toda una serie de tendencias musicales que iban más allá del mainstream. Supusieron el germen de la música independiente.
Se trata, por tanto, más bien de un problema semántico, ya que 'punk' ha pasado a designar una forma de ver la vida completamente independiente del género musical en el que se suele enmarcar a los Sex Pistols. Llámese punk o no, lo cierto es que su influencia supera todas las etiquetas.
Qué es: un exclusivo (y carísimo) equipo estéreo fabricado por la firma alemana Steinway & Sons (sí, la de los pianos) en colaboración con la marca danesa especializada en tecnología de alta fidelidad Lyngdorf.
Por qué merece la pena: su trabajada tecnología incorpora a las dos cajas acústicas (construidas a mano) la capacidad de reproducir los timbres naturales de la música a través de un complejo sistema de amplificación digital. Además, la tecnología RoomPerfect permite adaptar de forma específica el dispositivo a cualquier habitación (función que tienen que realizar los propios técnicos de Steinway cuando se adquiere el aparato).
Precio/disponibilidad: está disponible desde el año pasado y cuesta unos 100.000€.
Una pega: que nuestro bolsillo esté aún peor preparado que nuestro oído para poder disfrutarlo.
Grabado a lo largo de casi siete años, el debut en solitario del mediano de los hermanos Wilson (the Beach Boys) es también el último álbum que pudo completar antes de su prematura muerte en 1983, mientras preparaba el que iba ser su segundo LP, Bamboo. Pacific Ocean Blue viene a confirmar el extraordinario progreso de Wilson como compositor. Se trata del primer álbum para el que compone todas las canciones (aunque algunos de sus temas con los Beach Boys ya habían tenido bastante éxito), lo cual le permite exprimir al máximo sus capacidades, poner a prueba todo lo aprendido en el estudio en los años anteriores y experimentar libremente con influencias del gospel y el R&B. El resultado no es sólo un disco extraordinario y todo un clásico del pop de la época sino una auténtica caja de sorpresas para quienes no hayan tenido la oportunidad de escucharlo (ha estado descatalogado durante más de una década, aunque acaba de reeditarse). Porque por encima del torrente de efectos sonoros propios de la marca Wilson, destacan un puñado de canciones impecables, desde la portentosa "River Song", que abre el disco, hasta la compleja balada "End of the Show", pasando por el hit "Dreamer" y la sentida "Farewell My Friend".
01 River Song 3:44
02 What's Wrong 2:22
03 Moonshine 2:27
04 Friday Night 3:09
05 Dreamer 4:22
06 Thoughts of You 3:02
07 Time 3:31
08 You and I 3:25
09 Pacific Ocean Blues 2:39
10 Farewell My Friend 2:26
11 Rainbows 2:55
12 End of the Show 2:55
Fecha de publicación: 27 de mayo
Discográfica: New West
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
PopMatters 7/10
Veinte años después de su último gran disco, Slow Turning (1988), John Hiatt ha conseguido superar el modelo "colección de canciones" que ha impregnado sus últimos trabajos, para ir , de nuevo, un paso más allá. Grabado en el estudio que el artista tiene en su casa y acompañado únicamente por Luther Dickinson (guitarra y mandolina), Patrick O'Hearn (bajo) y Kenneth Blevins (batería), el álbum destila la sencillez del heartland rock más clásico sin renunciar a la calidad de unas canciones confeccionadas con la sabiduría que dan años de profesión. Hiatt ha compuesto canciones para una lista casi interminable de primeros nombres de la música americana (consultar Wikipedia para más datos), amén de atesorar casi una veintena de títulos en solitario. Sin embargo, Same Old Man evidencia que la música no es una rutina para Hiatt. Después de tanto tiempo, su siempre bienvenida música (que tan pronto tira hacia el country como hacia hacia el blues y siempre hacia la excelencia), llena de verdad pero ejecutada con un estilo irresistible, del que no cansa nunca, sigue perfilando el impecable legado de un artista que no siempre ha gozado del reconocimiento que merece.
01 Old Days 4:04
02 Love You Again 4:13
03 On with You 3:53
04 Hurt My Baby 4:34
05 What Love Can Do 4:13
06 Ride My Pony 3:40
07 Cherry Red 4:10
08 Our Time 4:09
09 Two Hearts 4:19
10 Same Old Man 4:04
11 Let's Give This Love a Try 4:11
Qué es: Emanate es un curioso altavoz estéreo en forma de cubo, especialmente diseñado para su utilización en exteriores, ya que protege nuestro reproductor MP3 o iPod del agua y no tiene cables.
Por qué merece la pena: el dispositivo incluye un dock para iPod y adaptador para cualquier reproductor MP3, alcanza las 8 horas de autonomía, incluye un control remoto para el iPod y permite además su recarga.
Precio/disponibilidad: el precio es de 122€ y se puede adquirir en la página de Grundig.
Una pega: como en todo este tipo de gadgets, su uso está especialmente pensado para el verano. Salvo que tengamos una piscina y hagamos muchas fiestas en ella, no parece rentable.
Fecha de publicación: 13 de mayo
Discográfica: New West
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Billboard
PopMatters 7/10
Rolling Stone 3,5/5
Eso que llaman country alternativo y los discos y grupos que se suelen incluir en la categoría, conforman uno de los valores más seguros de la música actual. Mientras que la decadencia toma asiento cada vez en más ámbitos (también musicales), bandas como Great Lakes Myth Society, Blue Rodeo o los propios Wilco, nos han demostrado que hay un resquicio por el que salvar el pop. Old 97's no son nuevos en esto, llevan desde mediados de los 90 dando ejemplo con su entrañable mezcolanza de pop británico sesentero y auténtico country americano. Curiosamente fue en 1997 cuando editaron su obra maestra, Too Far to Care, una exuberante y adictiva colección de melodías y arreglos evocadores y con mucho gancho. Y no ha sido hasta 2008 cuando han igualado (si no superado) esa marca. En Blame It on Gravity, la inspiración de Rhett Miller y compañía fluye como nunca. Las canciones de arreglos imaginativos y melodías irrepetibles, de ésas que parecen haber existido siempre, se suceden unas a otras casi sin tiempo para disfrutarlas. Hay tantas cosas buenas en estos trece temas que merece la pena darle más de una pasada al disco y tomárselo con tranquilidad, porque es de los que dan mucho de sí. Puede que detrás de esa fachada colorista y soleada (como la portada, vamos) no se escondan grandes revelaciones metafísicas ni historias acerca de las que reflexionar, sino simples historietas de tebeo, surrealistas unas, adolescentes otras y ocurrentes todas. Pero ese espíritu "de usar y tirar", para pasar el rato, las hace todavía más entrañables y perfectas para el mitad psicodélico, mitad peli del oeste, despliegue sonoro. Muy recomendable e imprescindible para nostálgicos de los Beatles y de Johnny Cash.
01 The Fool 4:16
02 Dance with Me 2:39
03 No Baby I 3:32
04 My Two Feet 3:27
05 Ride 3:30
06 She Loves the Sunset 2:37
07 This Beautiful Thing 3:06
08 I Will Remain 3:11
09 Early Morning 2:50
10 The Easy Way 4:26
11 Here's to the Halcyon 2:46
12 Color of a Lonely Heart Is Blue 5:51
13 The One 4:06
Fecha de publicación: 20 de mayo
Discográfica: Sub Pop
Reseñas profesionales:
allmuic 4/5
Billboard
Pitchfork 7,2/10
PopMatters 6/10
Lo último de una de las bandas pioneras de aquél sonido salido de Seattle y que mezclaba a partes iguales el punk y el heavy metal (el grunge) sorprende por su eficacia y su frescura, aunque Mudhoney sean poco menos que una reliquia de aquella época (no en vano ostentan, aunque sea con resignación, el título de "la última banda grunge viva"). Desde sus enérgicos inicios hasta sus comprometidas últimas canciones, pasando por sus devaneos instrumentales varios, la banda de Mark Arm ha sabido mantener el tipo con el paso de los años siempre desde una perspectiva personal e intransferible. Se han convertido en los "padrinos del grunge" (una consideración más que discutible) a base de hacerlo a su manera y no seguir la estela de nadie. Eso les ha salvado de la quema, pero les ha privado del protagonismo de los Pearl Jam, Soundgarden o Nirvana ("los afortunados tienen suerte de no estar ya por aquí", canta Arm con tristeza en el tema que título al álbum). Sin embargo, sus fans vuelven a estar de enhorabuena con The Lucky Ones. Mudhoney siguen tocando como si fueran unos chavales recién reunidos en el garaje de casa, pero con la ventaja de haber hecho callo a base de giras. No van a cambiar el mundo (ni siquiera lo pretenden), van a lo suyo sin importar modas o listas de ventas. Pero lo hacen genial.
01 I'm Now 2:40
02 Inside Out Over You 3:25
03 The Lucky Ones 4:52
04 Next Time 3:01
05 And the Shimmering Light 3:05
06 The Open Mind 2:26
07 What's This Thing? 2:53
08 Running Out 3:28
09 Tales of Terror 3:17
10 We Are Rising 4:30
11 New Meaning 2:39
Fecha de publicación: 6 de mayo
Discográfica: Sony
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Billboard
Blender 4/5
PopMatters 8/10
SPIN 3/5
Tras liderar a los Wallflowers durante casi dos décadas, Jakob Dylan se decide finalmente a emprender su carrera en solitario con Seeing Things, un álbum en el que el cantautor no abandona la estética rural y polvorienta de su banda, pero sí se acerca a ella desde una perspectiva completamente nueva. Tocando con versatilidad todos los palos de su amplio repertorio, fuertemente imbuido de la tradición musical popular americana, Seeing Things es uno de los trabajos más sencillos y personales de su carrera. Compuesto por diez temas acústicos, tocados y cantados con tranquila urgencia y soberbiamente construidos, Seeing Things es un más que convincente debut. Dylan luce con humildad sus más que competentes capacidades como músico, mientras nos cuenta las canciones con un susurro en el que casi molestan los pocos acordes de guitarra eléctrica que se cuelan en "I Told You I Couldn't Stop". La atmósfera íntima y familiar se mantiene, melancólica y ensoñadora, a lo largo de todo el álbum, un trabajo hábilmente producido por el célebre Rick Rubin (Public Enemy, Red Hot Chili Peppers, Tom Petty...), quien parece empeñado en que su labor pase lo más desapercibida posible (y lo consigue). El resultado son casi cuarenta minutos de travesía río arriba que nos deja ese regusto inconfundible de la buena música.
01 Evil Is Alive and Well 3:56
02 Valley of the Low Sun 3:57
03 All Day and All Night 3:28
04 Everybody Pays as They Go 3:00
05 Will It Grow 4:49
06 I Told You I Couldn't Stop 4:14
07 War Is Kind 3:08
08 Something Good This Way Comes 3:39
09 On Up the Mountain 3:45
10 This End of the Telescope 3:59
La famosa guitarra a la que Hendrix prendió fuego tras su concierto del 31 de marzo de 1967 en el London Astoria saldrá a subasta este verano. Se trata de una Fender Stratocaster del 65 que ha permanecido en un almacén durante los últimos 40 años.
Los organizadores de la subasta esperan recaudar unos 300.000€ con el instrumento, que podrá admirarse en la portada del próximo número de la revista Guitar And Bass Magazine (sale el 20 de junio), que incluye una entrevista con Tony Garland, el primer manager de Hendrix.
Qué es: un llamativo MP3 con forma de huevo y un mando a distancia que permite controlar todas sus características a distancia desarrollado por la empresa china CN0755.
Por qué merece la pena: reproduce MP3 y WMA, tiene 7 modos de ecualización, ocho idiomas disponibles y, gracias al sistema Synchronous Lyric Display, permite visualizar las letras de las canciones. También incorpora transmisor de radio FM, batería recargable y conexión USB.
Precio/disponibilidad: el precio varía según la capacidad (que va de 128 MB hasta 4 GB). La versión de 1 GB cuesta unos 30€ y está disponible en DealExtreme.
Una pega: lo peor del invento es su decoración (baste decir que el de la foto es el más discreto de la gama).
Seconds of Pleasure es una de las obras maestras de la new wave. A finales de los 70, en un momento de cambio, en el que se estaba gestando un nuevo panorama musical, el rock clasicista de Rockpile parecía no tener mucho que decir. Sin embargo, impulsados por la visión de Nick Lowe y por el purismo rockanrolero de Dave Edmunds, la banda grabó uno de los álbumes más excitantes de aquellos años. Fue su único LP como Rockpile (aunque la misma banda grabó varios de los discos de Lowe y Edmunds en solitario). Pero la culpa de que este álbum sea la excepcional grabación que es hay que repartirla entre los cuatro miembros del grupo. Por un lado, el rigor historicista de Edmunds dota de entidad y enjundia al conjunto, evidenciando tratarse de la obra de unos consumados músicos, curtidos en casi todo tipo de músicas populares, desde el blues hasta el rockabilly y el country. Por otro, la inmensa capacidad como compositor de Lowe otorga al disco un irresistible encanto pop que lo hace inagotablemente escuchable. Pero por otro, el trabajo "en la sombra" tanto del guitarrista Billy Bremner como del batería Terry Williams es en todo momento extraordinario e imprescindible, ya sea dando la réplica guitarrera a Edmunds en "(You Ain't Nothing but) Fine, Fine, Fine" en el caso del primero o ayudando a Lowe a propulsar el ritmo endiablado de "If Sugar Was as Sweet as You" en el del segundo. Aunque hoy en día este álbum sea cruelmente ignorado en ocasiones, en su momento fue uno de los lanzamientos más esperados del año, aunque luego decepcionara a algunos por su exceso de caramelizante. El tiempo, sin embargo, ha dado la razón al grupo y hoy sus canciones suenan tan frescas y enérgicas como entonces, haciendo de cada nueva escucha una auténtica celebración del verdadero rock & roll. Uno de los que no pueden faltar en la colección de ningún melómano.
01 Teacher Teacher 2:35
02 If Sugar Was as Sweet as You 2:34
03 Heart 2:37
04 Now and Always 1:57
05 A Knife and a Fork 3:11
06 Play That Fast Thing (One More Time) 4:12
07 Wrong Again (Let's Face It) 2:22
08 Pet You and Hold You 3:11
09 Oh What a Thrill 3:06
10 When I Write the Book 3:17
11 Fool Too Long 2:51
12 (You Ain't Nothing but) Fine, Fine, Fine 2:52
13 Take a Message to Mary 2:27
14 Crying in the Rain 2:04
15 Poor Jenny 2:27
16 When Will I Be Loved? 2:13
Qué es: el SKDubs Gold es una exclusiva caja acústica en forma de contrabajo que combina música y escultura de forma exquisita. Se trata de un diseño del artista David Ellis destinado a coleccionistas.
Por qué merece la pena: más allá de su diseño, este lujoso gadget presenta unas características técnicas dignas de su exclusividad. Se trata de un sistema estéreo con cuatro altavoces para cada canal equipado con dos tubos de preamplificación, un amplificador de potencia Crown y un ecualizador Behringer.
Precio/disponibilidad: cuesta 9.640€, pero sólo se han fabricado tres unidades.
Una pega: a parte de las evidentes, no tiene tacha. Incluso trae de regalo un iPod.
El pasado 6 de junio, en una actuación en el Mallihide Castle (Dublín), Thom Yorke interpretó al piano un tema inédito titulado "Super Collider" (al parecer en referencia a un lenguaje de programación utilizado en la edición de sonido) y la grabación ya ha llegado al famoso portal. El ángulo no es el mejor pero el sonido es bastante decente para tratarse de una grabación casera en medio del griterío propio de este tipo de eventos. Una nueva demostración de que Radiohead (y especialmente Yorke) están viviendo una fructífera etapa creativa.
Fecha de publicación: 6 de mayo
Discográfica: Sub Pop
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Pitchfork 9,2/10
Billboard
UNCUT 4/5
Spin 4/5
Rolling Stone 4,5/5
Blender 3,5/5
Nouns es la puesta de largo de este dúo californiano tras el recopilatorio de sus primeros singles Weirdo Rippers. Apenas media hora de una insana mezcla de estrangulación de guitarra y aporreo de batería a la que, sin embargo, Dean Spunt (batería y voz) y Randy Randall (guitarra) saben sacar mucho partido. Trabajando sobre la base de la larga tradición del noise rock y la lo-fi, especialmente de los años 90, No Age consiguen ir más allá de la estética y ofrecer un álbum reconfortante y adictvo. La primera impresión no es agradable, seguro, pero más allá de la pretendida suciedad que destilan sus instrumentos, se esconden (aunque no siempre, es verdad) unas melodías cautivadoras, llenas de ritmo y gancho, que han catapultado a esta peculiar pareja artística, en el sentido más amplio de la expresión (también hacen videoarte, performance, exposiciones...), a las páginas de todas las grandes revistas especializadas. Puede que les haya ayudado esa etiqueta de cool, en parte buscada y en parte atribuida, que hoy transforma todo lo que toca en un éxito entre los "entendidos" (no hay más que ver la nota que les dan en la revista Pitchfork, la misma que pone verdes a Weezer), pero no cabe duda de que su música merece una mención.
01 Miner 1:50
02 Eraser 2:40
03 Teen Creeps 3:25
04 Things I Did When I Was Dead 2:27
05 Cappo 2:42
06 Keechie 3:27
07 Sleeper Hold 2:26
08 Errand Boy 2:41
09 Here Shold Be My Home 2:03
10 Impossible Bouquet 2:09
11 Ripped Knees 2:53
12 Brain Burner 1:51
Los archivos de la BBC son una de las mayores minas de tesoros musicales del mundo. Por sus estudios han pasado algunos de los grupos y solistas más importantes de la historia del rock. Y, aunque mucho de ese material ha sido ya publicado (las BBC Sessions o Live at the BBC son un ejemplo), los cajones de sus almacenes siguen repletos de grabaciones inéditas de artistas de la talla de David Bowie o Pink Floyd.
En 2005 el gigante audiovisual inglés ya firmó un acuerdo con Universal Music para publicar parte de ese material inédito. La discográfica optó por distribuirlo internacionalmente en numerosos productos (en DVD, como bonus en reediciones, etc.). Algo así podría ocurrir ahora pero con EMI. La compañía británica ha llegado a un acuerdo con la cadena pública para publicar material de los artistas vinculados a su discográfica.
Seguiremos, por tanto, sin conocer la totalidad de los "archivos secretos" de la BBC, pero tampoco es un mal acuerdo teniendo en cuenta que entre los artistas involucrados estarían algunas de las voces más populares de la música británica, como los citados Pink Floyd y David Bowie, Queen, Paul McCartney o Coldplay. Seguramente la estrategia de EMI pase también por incluir los nuevos temas en recopilatorios, reediciones y DVD especiales, aunque también cabe la posibilidad de que opten por algún tipo de lanzamiento en digital.
Qué es: un reproductor MP3 de tamaño reducido que nos permite nadar y practicar otros deportes acuáticos hasta 3 metros de profundidad escuchando nuestras canciones favoritas.
Por qué merece la pena: la única característica que lo diferencia de otros modelos similares es el tamaño, en principio más reducido (existen dispositivos para poder sumergir el iPod más pequeños, aunque requieren unos cascos resistentes al agua). La capacidad es de 1GB (250 MP3/500 WMA) y cuenta con una autonomía de hasta 15 horas proporcionada por una pequeña batería. Además flota, lo cual facilita que no lo perdamos aunque se nos caiga.
Precio/disponibilidad: cuesta 100€ y podemos comprarlo ya mismo en la web del fabricante.
Una pega: salvo que le demos un uso constante, no parece una buena inversión.
Tras algunos titubeos (primero dejaron sólo dos temas), los islandeses de Sigur Rós se han lanzado a colgar el último trabajo de la banda en su página web. Með suð í eyrum við spilum endalaust (o algo así) sale oficialmente a la venta el próximo 23 de junio, pero gracias a la red podemos escucharlo con un simple clic.
Y si un disco entero es demasiado Sigur Rós para vosotros (lo cual es perfectamente comprensible), aquí os dejo este vídeo. Es parte de un documental rodado este mismo año en el que la banda interpreta una versión acústica del tema "Njósnavélin".
Fecha de publicación: 2 de junio
Discográfica: Island
Reseñas profesionales:
Uncut 4/5
La última creación del otrora padrino del mod, Paul Weller, es uno de sus trabajos más impenetrables y personales. Sus casi 70 minutos de duración dan para mucho y Weller apuesta descaradamente por hacer un álbum definitivo, en el que quepa todo, tanto lo que ya habíamos oído antes ("Push it Along") como lo que no ("Song for Alice"). En la línea de los White Album, Sign 'O' the Times y demás dobles históricos, Weller persigue encarnar una desacomplejada (y bastante desconcertante) experimentación y un inspirado repertorio en un trabajo compacto y brillante. Y lo consigue. Aunque su amplísimo espectro musical pueda sorprender de entrada (sobre todo a quienes esperasen una segunda parte de As Is Now, su rockero último CD) el mágico y ciertamente onírico jardín en el que se ha metido el ex the Jam aquí termina atrapando al oyente de forma inevitable. Es exageradamente ecléctico, deslavazado, caótico, cuesta seguirlo, pero la belleza de las composiciones de Weller se impone a todo lo que hace de 22 Dreams un disco difícil, transformándolo en un nuevo universo sonoro para sus seguidores, del mismo modo que lo es también para su propio autor. Las colaboraciones de gente tan variopinta como Noel Gallagher y Gem Archer ("Echoes Round the Sun", el primer single), John McCusker ("Light Nights"), Little Barrie ("22 Dreams"), Graham Coxon ("Black River") o Aziz Ibrahim sólo contribuyen a enfatizar ese efecto caleidoscópico que transmite el álbum. Si no su mejor disco, al menos sí el más arriesgado y auténtico. Su cálida recepción en las listas de ventas lo confirma y el tiempo le concederá aún mejor consideración dentro del impresionante repertorio de Weller.
01 Light Nights 3:46
02 22 Dreams 2:50
03 All I Wanna Do (Is Be With You) 4:37
04 Have You Made Up Your Mind 3:17
05 Empty Ring 3:05
06 Invisible 4:08
07 Song For Alice 3:39
08 Cold Moments 5:01
09 The Dark Pages of September Lead to the New Leaves of Spring 0:46
10 Black River 3:50
11 Why Walk When You Can Run 4:13
12 Push it Along 2:54
13 A Dream Reprise 1:11
14 Echoes Round the Sun 3:10
15 One Bright Star 2:59
16 Lullaby Für Kinder 2:25
17 Where’er Ye Go 2:49
18 God 2:04
19 111 2:25
20 Sea Spray 3:56
21 Night Lights 6:06
Qué es: un altavoz flotante y resistente al agua que se conecta de forma inalámbrica con nuestro iPod a través de una base-transmisor incluida en el lote.
Por qué merece la pena: por ahora es el único dispositivo de estas características. Ha sido desarrollado por la empresa Grace Digital Audio, especializada en productos de sonido y puede ser una buena solución, de cara al verano, para las fiestas con piscina. Es sumergible e incorpora dos pequeños altavoces que se alimentan con 6 pilas AA. Además permite conectar hasta 6 aparatos al mismo transmisor.
Precio/disponibilidad: la broma sale por unos 97€ el pack completo (altavoz y base transmisora) y 65€ más por cada altavoz adicional. Se puede comprar en la web de Grace Digital Audio.
Una pega: qué hacer con él pasado el verano. No debe quedar igual de chulo en la bañera de casa.
Caravan For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
La grabación del disco definitivo de una de las bandas de culto del rock progresivo vine precedida de dos cambios en la formación del grupo. Por una parte la vuelta del teclista Dave Sinclair y por otra la incorporación del violinista Peter Geoffrey Richardson (según parece, no muy bien recibido por los fans en un principio). La carrera de Caravan hasta 1973 fue una sucesión de altibajos y cambios de estilo en la que componen, sin embargo, dos de sus obras maestras: su debut, Caravan (1968) e In the Land of Grey and Pink (1971). Pero no es hasta For Girls Who Grow Plump in the Night cuando la banda reconduce su aproximación a la música, abandonando el experimentalismo hueco de Waterloo Lily y se lanzándose a elaborar un disco en el que tuvieran cabida todas sus heterogéneas influencias, desde Traffic hasta el jazz, pasando por King Crimson o Kansas. For Girls Who Grow Plump in the Night es una enciclopedia del rock progresivo, un LP en el que se entrecruzan diferentes tendencias que se encuentran en el marco de unas composiciones inspiradísimas en las que cada melodía está perfectamente definida y ayuda a la coherencia del conjunto. Un trabajo compacto y sólido a pesar de su dispersión estilística gracias al virtuosismo compositivo e interpretativo de los músicos y a los extraordinarios arreglos (que tienen poco que envidiar a los de otro clásico del mismo año, el Selling England by the Pound de Genesis). Humor británico y musicalidad a raudales en un disco que pasa con pasmosa facilidad del pop bucólico al sinfonismo en el transcurso de una misma canción.
01 Memory Lain, Hugh/Headloss 9:15
02 Hoedown 3:18
03 Surprise, Surprise 4:05
04 C'thulu Thulu 6:12
05 The Dog, The Dog, He's at It Again 5:56
06 Be Alright/Chance of a Lifetime 6:33
07 L'Auberge Du Sanglier/A Hunting We Shall Go/Pengola/Backwards/A Hunting We Shall Go (Reprise) 10:03
Gene Simmons y Paul Stanley se retiran. Pero su banda, los míticos y enmascarados Kiss, no dejará de existir. Lo anunciaba ayer, por boca de Stanley, Rolling Stone. El proyecto consiste en poner en marcha un reality show del que salgan elegidos (a lo OT) los cuatro componentes de la renovada versión de la banda. Al parecer este genial disparate está ya firmado y pronto echará a andar.
Seguro que el resultado final será digno de verse (no sé si también de oírse), pero no faltarán los incondicionales de la banda a quienes les indigne ver el nombre de Kiss asociado a semejante burla. Desconozco las pretensiones últimas de Simmons (igual sólo se estaba quedando con el periodista o es ya que ya le da igual hasta su propio grupo), pero transformar a los autores de álbumes tan míticos como Destroyer o himnos como "Rock 'N' Roll All Nite" o "Beth" en una suerte de Fórmula Abierta no parece una buena idea. O sí.
En unas declaraciones al diario británico The Times, el legendario músico se despachó a gusto con esta frase en la que arremete duramente contra el entramado industrial de las compañías discográficas (que tanta fama como para que sus palabras lleguen hasta nosotros le han dado, por cierto).
El músico aprovechó para alabar a los profesionales de la industria editorial y del mundo del arte, a quienes considera más honestos en su trato con los creadores. Hace bien Dylan en denunciar las corrupciones del mundillo, pero, dada su posición, podría ofrecer una alternativa para que quienes desean poder vivir de la música no tengan que pasar por las manos de esa "basura hipócrita".
Además, como bien apunta un lector de NME, es obvio que el trato que haya podido recibir Bob Dylan dentro de la industria editorial o el mundo del arte son incomparables al que pueda esperar un artista principiante cuando escribe su primera novela o expone por primera vez su obra. Nada de esto desmiente su comentario (un poco parco en detalles, eso sí), pero esperemos que pronto tome cartas en el asunto y defienda a los músicos jóvenes con el mismo ahínco, pero con hechos. Tratándose de Bob Dylan, quedarse en estas palabras sabría a poco.
Bob Dylan Blood on the Tracks (1975)
Dicen algunos que es el disco favorito de sus fans más puristas. Para otros se trata, sencillamente, del mejor disco en la inmensa carrera de Dylan. En realidad Blood on the Tracks tiene algo de ambas cosas y que al mismo tiempo va más allá de ellas. Por una parte es un disco personal, no destinado a las masas ni en su temática ni en su música y por otra resulta difícil defender que alguno de sus discos anteriores o posteriores sea mejor. La inspiración de Dylan como compositor y escritor vive en este álbum un auténtico apogeo. Después de una serie de discos poco o nada afortunados durante los primeros años 70, y considerando la traumática situación personal por la que pasaba a consecuencia de su separación matrimonial de Sara Lownds, nadie esperaba que saliese con un trabajo tan espléndido como Blood on the Tracks (hasta cantando está soberbio; escúchese "Shelter from the Storm"). Acompañado por músicos de estudio y con Phil Ramone a los mandos de la producción, Dylan grabó el álbum en Nueva York a tiempo para la salida al mercado prevista por Columbia. Sin embargo, en el último momento, Dylan decidió volver a grabar cinco de las diez canciones que componen el disco. Lo hizo en Minnesota, secundado por músicos locales. Así las cosas, finalmente Blood vio la luz en enero de 1975. Desde el mismo momento de su aparición ha sido a un tiempo favorito de fans y críticos, quienes alaban cómo la belleza de su ejecución y la alegórica crudeza de su mensaje se dan la mano de forma inverosímil y embriagadora. Aunque el propio Dylan ha confirmado que no se trata de un álbum autobiográfico, algunos de sus versos han despertado toda clase de especulaciones sobre el auténtico sentido de las canciones. En cualquier caso, la pluma de Dylan se mueve a lo largo de estos diez temas al menos con la misma destreza que en sus mejores momentos (si no con más). En cuanto a la música, transcurre tranquila y sin aspavientos por toda la paleta sonora de Dylan, desde un colorista folk ("If You See Her, Say Hello") hasta un desgarrado blues ("Meet Me in the Morning"). Todo ello pasado por el tamiz de ese pop intransferible, estilizado con el paso de los años y que aquí luce elegante y sinuoso, no dejando resquicio a la monotonía ("Tangled Up in Blue"). Por estas razones, Blood on the Tracks es algo más que un disco para los más puristas o el mejor álbum de Dylan. Quizá fuese el producto de un capricho del destino, pero, sin duda, es un prodigio de la música contemporánea, una obra de arte. No todos los días se puede decir eso de un disco.
01 Tangled Up in Blue 5:41
02 Simple Twist of Fate 4:17
03 You're a Big Girl Now 4:34
04 Idiot Wind 7:47
05 You're Gonna Make Me Lonesome When You Go 2:55
06 Meet Me in the Morning 4:21
07 Lily, Rosemary and the Jack of Hearts 8:52
08 If You See Her, Say Hello 4:47
09 Shelter from the Storm 5:00
10 Buckets of Rain 3:22
Whitesnake Good to Be Bad (2008)
Fecha de publicación: 21 de abril
Discográfica: Steamhammer
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
El nuevo disco de los veteranos Whitesnake bien podría calificarse de resurrección. Su último trabajo, Restless Heart, databa, nada más y nada menos, que de 1998 y su impacto fue tal que en Estados Unidos ni siquiera llegó a editarse (un poco como todos sus trabajos de los 90). Han tenido que pasar diez años para que David Coverdale y su renovada tropa (de la formación de 1998 sólo queda él) se decidiesen a entrar en el estudio. Sin embargo (y más importante) han tenido que pasar más de veinte para que volviesen a excitar con su trabajo. En Good to Be Bad la banda se reencuentra con sus puntos fuertes: épica guitarrera a borbotones y baladería sensiblona. Puro exceso ejecutado con convicción, sabiduría y una renovada energía que ha devuelto a la banda a lo más alto de las listas (sobre todo en Europa). Good to Be Bad suena viejo y nuevo a un tiempo, fiel al sonido propio de la banda original pero producido como si se tratase de unos nuevos Whitesnake. Canciones como "All for Love" o la balada "'Til the End of Time" encierran toda la garra y la pomposidad del viejo heavy metal británico sin renunciar a elementos propios del nuevo milenio y a recuperar sonidos de un folklorismo casi inédito en los británicos (hay que remontarse a sus primera grabaciones). Imprescindible para nostálgicos y metal heads en general.
01 Best Years 5:15
02 Can You Hear the Wind Blow 5:04
03 Call on Me 5:02
04 All I Want All I Need 5:41
05 Good to Be Bad 5:14
06 All for Love 5:13
07 Summer Rain 6:11
08 Lay Down Your Love 6:01
09 A Fool in Love 5:50
10 Got What You Need 4:16
11 'Til the End of Time 5:35
Qué es: los JBL Control NOW son unos novedosos altavoces circulares que están diseñados para adaptarse a los ángulos rectos de las paredes y poder combinarse entre sí. Cada unidad incluye dos altavoces de 4 pulgadas y un tweeter, con una potencia total de 50 vatios.
Por qué merece la pena: Su original diseño puede resultar muy práctico, además de distribuir uniformemente el sonido por la habitación donde los coloquemos. Además, la versión AW está preparada para ser utilizada en exteriores.
Precio/disponibilidad: 158€ cada unidad.
Una pega: el precio. Y, concretamente en el caso de los exteriores, que no sean resistentes al agua.
Def Leppard Songs from the Sparkle Lounge (2008)
Fecha de publicación: 29 de abril
Discográfica: Bludgeon Riffola/Island
Reseñas profesionales:
allmusic 3/5
Rolling Stone 2,5/5
Billboard
Tras reencontrarse con sus raíces en el fantástico Yeah! hace un par de años, los niños mimados de la New Wave Of British Heavy Metal de los 80 regresan a los temas originales con Songs from the Sparkle Lounge, cuyo extraño título hace referencia al lugar en que se crearon las canciones (un cuarto en el backstage de su gira 2006). Producido por Ronan McHugh, sin duda se trata de un trabajo menor dentro de la discografía de los Leppard y sin embargo, resulta más que bienvenido después del tropiezo de X. Ciñéndose escrupulosamente a los tres minutos de rigor por canción y jugando con diferentes sonidos (aunque ninguno novedoso), el álbum resulta tremendamente entretenido (como en "Bad Actress"). Sin embargo, un análisis más minucioso delata cierta falta de inspiración. Más de una guitarra parece tomada directamente de sus clásicos de los 80 ("C'mon C'mon", "Hallucinate"), sus influencias salen a la superficie con más descaro que en otras ocasiones (especialmente Queen en "Love" y Bealtes en "Only the Good Die Young") y las canciones carecen de la brillantez de hace veinte años (o incluso diez). Como lo que es, un disco "de carretera", Songs cumple con su función: es directo y entretiene. Para lo demás tendremos que esperar al siguiente.
01 Go 3:20
02 Nine Lives 3:32
03 C'mon C'mon 4:09
04 Love 4:17
05 Tomorrow 3:35
06 Cruise Control 3:03
07 Hallucinate 3:16
08 Only the Good Die Young 3:33
09 Bad Actress 3:03
10 Come Undone 3:33
11 Gotta Let It Go 3:55
King's X XV (2008)
Fecha de publicación: 20 de mayo
Discográfica: Inside/Out
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Casi veinte años después de firmar su obra maestra, Gretchen Goes to Nebraska (1989), los americanos King's X mantienen intacta su posisción de privilegio entre críticos musicales de todo pelaje. Su aperturista visión del metal y sus trabajadas letras les han convertido en una de las bandas más paradójicas del género. Pero, si bien infunden respeto y admiración entre críticos y compañeros de generación, jamás han gozado del respaldo del público. A pesar de que su música tiene todos los ingredientes para ser un éxito (es potente, melódica y tiene mucho gancho), sin embargo las listas de ventas nunca han sido lo suyo. En su último trabajo hasta la fecha, Ogre Tones (2005), ya intentaron enfatizar su lado más accesible y metálico con dispares resultados. En XV repiten productor, el clásico del metal ochentero Michael Wagener (Accept, Metallica, Alice Cooper, Ozzy Osbourne) y estrategia. Pero esta vez el resultado es sensiblemente mejor. Mientras que en Ogre Tones buena parte del material simplemente no daba la talla, para XV han escrito algunas de sus mejores canciones en mucho tiempo. Temas como "Rocket Ship" u "Alright" explotan al máximo las cualidades del grupo en el menor tiempo posible, ganando enteros en efectividad. Un trabajo sólido y convincente que, si bien no les ayudará a convertirse en un fenómeno de masas, mantiene su legado en un altísimo nivel.
01 Pray 4:15
02 Blue 4:25
03 Repeating Myself 4:09
04 Rocket Ship 2:44
05 Julie 2:41
06 Alright 2:59
07 Free 3:56
08 I Just Want to Live 4:21
09 Move 4:02
10 I Don't Know 3:32
11 Stuck 3:56
12 Go Tell Somebody 3:17
Iggy & the Stooges Raw Power (1977)
Raw Power, el último disco de los Stooges, es el ejemplo paradigmático de lo que puede dar de sí una banda a punto de estallar. En el caso del mítico grupo de Detroit esa sensación venía de lejos, formaba parte de su esencia, pero aquí era real. Las tensiones internas dentro de la banda, con Iggy Pop huido a Nueva York y dispuesto a aliarse con David Bowie, prescindiendo de los hermanos Asheton (guitarrista y batería de la banda) para la grabación de Raw Power, eran síntomas de una muerte inevitable e inminente. Finalmente se llegó a un apaño. La banda se reunió en Inglaterra junto a James Williamson (el nuevo guitarrista llegado de la mano de Bowie y que escribió junto a Pop toda la música para el álbum) y comenzaron las sesiones. Ron Asheton tuvo que ceder la guitarra a Williamson para ocuparse del bajo, pero el genuino poderío de la banda no se resintió. La situación personal del combo fue un caldo de cultivo perfecto para que una dosis de brutalidad inédita en la época tomara cuerpo en torno a ocho canciones tan básicas y vulgares como siempre. Rock de desguace, vasto, sucio, machista... justo lo que querían. Y les sirvió para crear su mito y pasar a la historia como una de las bandas más influeyntes a finales de los años 70.
01 Search and Destroy 3:30
02 Gimme Danger 3:33
03 Your Pretty Face Is Going to Hell 4:54
04 Penetration 3:41
05 Raw Power 4:16
06 I Need Somebody 4:52
07 Shake Appeal 3:04
08 Death Trip 6:07
Yes 90125 (1983)
Las reinvenciones rara vez salen bien. Son contados los casos en los que un grupo agotado artística y comercialmente ha conseguido renacer con el mismo éxito de antaño o incluso más. Posiblemente uno de los casos más espectaculares sea el de Yes. Quizá porque todo partió de un proyecto paralelo del bajista Chris Squire, los reyes del rock progresivo en los 70 protagonizaron en 1983 una de las transformaciones más desconcertantes y convincentes de la historia. Después de tocar la gloria (tanto en ventas como en críticas) con álbumes de la altura de Fragile o Close to the Edge y tras un lento declive que culminó con Drama en 1980, llegó 90125 y con él un sonido completamente renovado que poco tenía que ver con los interminables regueros sonoros de antaño. En la banda, sin embargo, pocos cambios. Tan sólo la inclusión de Trevor Rabin como guitarrista y la contratación del exitoso Trevor Horn como productor. Sin duda ambos contribuyeron decisivamente al cambio, el primero con su estilo típicamente ochentero en las seis cuerdas y el segundo con una producción cristalina y chispeante también muy al gusto de la época. Sin embargo, el disco supuso además la vuelta de dos de los miembros originales del combo, el cantante Jon Anderson y el teclista Tony Kaye. La vuelta del primero se hizo notar singularmente en la mejor parte del álbum: las canciones. El dúo Anderson/Squire volvió a funcionar como si los años no hubiesen pasado y poniendo esta vez el énfasis en las melodías y los estribillos el resultado no podía defraudar. 90125 (nominado como su número de catálogo original) ha quedado como uno de los mejores discos de los 80 dentro del mayoritariamente inane (todo hay que decirlo) circuito comercial de esos años. Al contrario que buena parte de los grupos de la época, los Yes supieron crear un trabajo con gancho y un single de éxito ("Owner of a Lonely Heart") que al tiempo resultase sustancioso pasados los años. Sin duda lo consiguieron (no hay ni medio tema malo en este álbum) y ese mérito no les hace sino merecer aún mejor consideración dentro de una historia del rock de la que los ingleses son, sin duda, protagonistas destacados (aunque no formen parte de esa bobada llamada Rock And Roll Hall of Fame).
01 Owner of a Lonely Heart 4:29
02 Hold On 5:17
03 It Can Happen 5:28
04 Changes 6:19
05 Cinema 2:06
06 Leave It 4:12
07 Our Song 4:18
08 City of Love 4:51
09 Hearts 7:35
Urge Overkill Saturation (1993)
Saturation, el cuarto álbum de Urge Overkill, fue el debut de este trio surgido a mediados de los ochenta en Chicago con una discográfica importante. Lo hicieron a lo grande, con el temazo "Sister Havana" encabezando un repertorio plagado de canciones que conseguían lo imposible, aunar la potencia del punk con la grandilocuencia del rock revienta estadios. Tras años de relación amor-odio con el mundillo de la escena alternativa, parecía que los Urge Overkill estaban llamados a ser unos nuevos Nirvana. Sin embargo, no fue así. La suerte nunca les acompañó y, aunque consiguieron cierta popularidad en la radio con "Sister Havana", Saturation pasó más bien desapercibido (ocupó el puesto 142 en la lista de Billboard). No obstante, es el mejor disco de la banda. De hecho, en su momento recibió las mejores críticas que un álbum de Urge Overkill había cosechado hasta entonces (y cosecharía después). Inexplicablemente el público no le dio la oportunidad que se merecía. Musicalmente lo tiene todo, desde el gancho irresistible de las potentes "Sister Havana" y "Positive Bleeding" hasta la brutal energía de "Tequila Sundae" o "Erica Kane", pasando por los hipnóticos acordes de "Dropuot" y la delicadeza de "Heaven 90210" y "Back On Me". Es impecable de principio a fin y gana con cada nueva escucha.
01 Sister Havana 3:50
02 Tequila Sundae 4:19
03 Positive Bleeding 3:43
04 Back on Me 3:10
05 Woman 2 Woman 2:40
06 Bottle of Fur 4:14
07 Crackbabies 4:02
08 The Stalker 2:53
09 Dropout 4:55
10 Erica Kane 3:08
11 Nite and Grey 4:23
12 Heaven 90210 3:47
Bo Diddley, uno de los pioneros del rock & roll, murió ayer en su casa de Archer (Florida) a la edad de 79 años a consecuencia de un fallo cardíaco. El mítico músico había sufrido un ataque al corazón el verano pasado y se encontraba todavía convaleciente. Su nombre formaba parte del (no tan) selecto Rock And Roll Hall of Fame desde 1987 y en 1999 recibió un Grammy en reconocimiento a toda su carrera.
De todo lo que se publicó ayer al respecto en la red me quedo con el vídeo de la BBC y el artículo distribuido por la agencia Reuters en el que hablan de algunas curiosidades relacionadas con lo que representó su figura, entre las que están su habilidad para construir instrumentos (como su inseparable guitarra rectangular) o su influencia en el rap.
Para una visión más amplia recomiendo el artículo escrito por Tjames Madison en liveDaily y la entrevista realizada en 2005 por Neil Struss para Rolling Stone.
Fecha de publicación: 3 de junio
Discográfica: Geffen
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Pitchfork 4,7/10
NME 7/10
PopMatters 7/10
liveDaily
UNCUT 4/5
Por tercera vez en su consistente carrera, Weezer (léase Rivers Cuomo) titulan homónimamente uno de sus álbumes, asociándolo además con un color. Primero fue el azul en su disco debut, luego el verde en su tercer LP y ahora el rojo en este sexto trabajo de estudio de los americanos. Aunque Weezer (The Red Album) ni ganará ni perderá adeptos para la banda, es decir, es más de lo mismo, en cierto sentido supone un cambio de rumbo. Su propuesta sigue ahí, melodías fácilmente degustables aderezadas con una sobredosis de guitarras, pero hacía tiempo que la banda no se tomaba las cosas de forma tan distendida, como si partieran, esta vez sí, de cero. No sólo resulta esto patente en el videoclip del primer single, "Pork & Beans", un simpático homenaje al frikismo cibernético, ni en las letras del resto del álbum, más plagadas de ironía que nunca, sino que también vuelven los temas de más de cinco minutos de la mano de las épicas "The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn)", "Dreamin'" y "The Angel and the One" y tanto Brian Bell como Patrick Wilson (y en menor medida también Scott Shriner) se suman a Cuomo en la creación de los temas (cosa que no sucedía desde el primer álbum), incluso ocupando su puesto frente al micrófono en "Thought I Knew" y "Automatic". Renovado sentido del humor y vuelta a los orígenes se dan en la mano en un Red Album que esperemos marque el tono de una nueva etapa más divertida que nunca en la carrera de la banda.
01 Troublemaker 2:44
02 The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn) 5:52
03 Pork and Beans 3:09
04 Heart Songs 4:05
05 Everybody Get Dangerous 4:02
06 Dreamin' 5:11
07 Thought I Knew 3:01
08 Cold Dark World 3:51
09 Automatic 3:07
10 The Angel and the One 6:46
Viernes, 1 de junio
Juan Luis Recio
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Antonio García Fuentes
Julián Moreno Mestre
Chris Gonzalez -Mora
José Pómez
Manuel María Ventura
Juan Granados
Patricio Peñalver
Julio César Izquierdo
Carlos Juan Gómez Martín
Carlos Gómez Cabana
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