Después del vapuleado St. Anger, la mejor banda de heavy metal de la maldita Historia necesitaba recuperar credibilidad. Qué mejor forma de hacerlo que volviendo a su fuerte. Largas composiciones de complicados arreglos, miles y miles de guitarras, una batería prominente, el bajo pa' trás del todo y la voz de Hetfield haciendo de las suyas. Y ya está. Ya podemos crear un disco de Metallica que suene clásico. Lo han conseguido y aunque Death Magnetic no le llegue a la cintura a Master of Puppets han acertado de pleno.
Para cuando suenan los últimos acordes de "The Warrior's Side", el último corte de Ultra Beatdown, es como si una manada de rinocerontes acabara de atravesar el comedor de tu casa. Así se las gastan estos británicos, que saltaron a la palestra gracias a Guitar Hero y hoy se consagran con este impetuoso CD, un auténtico clásico moderno de su género. Lo tiene todo para parecer un auténtico plastazo: héroes y dragones en las letras, solos de guitarra interminables y, para colmo, pirotecnia electrónica con los teclados. Y, sin embargo, es un adictivo y estimulante capricho.
No fue una bonita despedida para uno de los mejores y más importantes grupos de la Historia del rock. Ya desde los primeros compases de "Dictator" se percibe con claridad que Cut the Crap ni siquiera va a tener el gancho de Combat Rock. Con lo que mejor ni hablar de la extraordinaria inspiración de los mejores discos de los Clash, bien sea en su versión más directa (The Clash) o en la más ecléctica (London Calling). A mediados de los 80, poca de la magia del mejor grupo punk quedaba ya y Cut the Crap despejó las pocas dudas que pudieran quedar.
Al final se quedó en menos de lo que algunos esperábamos. Aún así, Viva la Vida supone un paso más en la (interminable) carrera de esta banda hacia el poder absoluto en el mundo del rock. Dudo que algún día lo consigan (hasta para gustarle a todo el mundo hay que ser un poco más atrevido), pero mientras por el camino nos dejen discos tan consistentes como éste (polémicas sobre derechos de autor aparte), me parece perfecto que lo sigan intentando. Nunca serán una de mis bandas favoritas, pero hasta ahora consiguen mantener mi interés por lo siguiente que hagan.
No debería sorprender a nadie que los Oasis firmen un buen disco. Después de todo, son los autores de algunos de los mejores álbumes de la década de los 90. Ya en 2005 demostraron a sus fans que no todo estaba perdido y tres años después regresan con un trabajo aún mejor terminado, que definitivamente recuerda a sus mejores momentos en más de una ocasión. Si no te gustaban, no te conquistarán con Dig Your Soul (cosa que sí podía pasar con Don't Believe the Truth), pero, incuestionablemente, aquí Noel se luce con algunas de sus mejores canciones en años.
Después de años y años haciendo el mismo disco, es difícil cambiar. Estos dinosaurios del rock duro, desde luego no tienen ninguna intención de hacerlo, como vuelven a demostrar en Black Ice. Sin embargo, hay que reconocer que lo que hacen, lo hacen bien. Y por eso están aquí, porque al final casi todos terminan por reconocer que aunque digan que otros son los mejores discos de año, éste es el que más han escuchado. La misma irresistible combinación de pegadizos riffs y monolíticos ritmos de siempre.
Otros que nunca cambiarán. Lemmy Kilmister parece haber hecho alguna clase de pacto fáustico que le permite seguir haciendo exactamente lo mismo que a finales de los 70, con la misma entrega y la misma inspiración. Ésa es la clave de este disco, que no suena a uno más. Desde luego la propuesta es difícilmente novedosa (podría haber sido grabado tranquilamente hace veinte años o incluso más), pero la energía sigue ahí y, después de todo, eso es lo que todo el mundo espera de un nuevo disco de Motörhead.
Uno de los discos más divertidos, variados y adictivos del rock duro. Al menos para mi gusto. Además, aunque no se ha llevado la fama, es un álbum visionario, que anticipa la New Wave of British Heavy Metal en casi diez años. Lo tiene todo: diabólicos riffs, místicas letras, excesos guitarreros (a cargo del tandem Donald Roeser/Eric Bloom) y una maestría en la composición que no pasa desapercibida. Si el heavy metal te parece pesado, repetitivo o monótono, es que no has escuchado Secret Treaties, un vibrante trabajo que gana puntos con los años y las sucesivas escuchas.
Antes de alcanzar el éxito comercial como cantautor de terciopelo pero después de muchos años encima de los escenarios como rockero incendiario, Bob Seger se marcó uno de esos discos que al principio te pasan un poco desapercibidos, pero con el tiempo te das cuenta de que son pura adrenalina, condensada en tan sólo nueve canciones que no te dejan un momento de respiro. Con treinta minutos de duración, el álbum contiene suficiente sustancia para dejar una impresión perdurable aunque, sorprendentemente, revela más y más detalles con cada escucha.
Debo confesar que me gustó más su predecesor, As Is Now (2005), un disco mucho más directo y vibrante. Aquí Weller opta por una aproximación mucho más ambiciosa y ecléctica (es el primer disco doble de su carrera) que, aunque no pinta muy bien sobre el papel, resulta mucho mejor de lo esperado. Claro que es un disco largo y sinuoso, no apto para cualquier momento, que no entra ni a la primera ni a la segunda. Pero dándole tiempo suficiente, nos daremos cuenta de que es uno de sus mejores trabajos. Hay que cogerlo con ganas para que llegue a hacer efecto, pero merece la pena.
He aquí una de las grandes sorpresas del año. Pocos esperarían un disco así de los Pretenders a estas alturas de la película (su último y más bien decepcionante trabajo era de 1990). Al menos yo no lo esperaba. Ni siquiera después de escuchar su primer single, la balada "The Nothing Maker". En Break Up the Concrete, sonidos que se dan algo más que un aire con el rockabilly o el country, se han colado con descaro en el mejor puñado de canciones escritas por Chrissie Hynde en casi un cuarto de siglo.
Antes de este disco no sé si Queen hubieran entrado a formar parte de esta sección. Tienen muchos discos mediocres, pero quizá ninguno destacaba por su insultante falta de inspiración tanto como lo hace The Cosmos Rocks (ya desde el título nos avisa de que nos encontramos ante un despropósito de proporciones cósmicas). Pero por hacer la gracia de poner el nombre de la banda en la portada, aquí están. Hasta Made in Heaven tenía su encanto, pero aquí, sin John Deacon ni, sobre todo, Freddie Mercury, Queen se convierten en una borrosa fotocopia de ellos mismos. ¡Que lo dejen ya, hombre!
Cuando salió este disco, allá por abril, escribí: "Konk se queda lejos de confirmar a los Kooks como una de las grandes bandas del panorama actual". Por alguna razón sabía que al final esta frase volvería y me mordería. Haciendo ahora balance, creo que el segundo trabajo de los Kooks es uno de los cinco mejores discos del año. Quizá no sea tan inmediato como su predecesor, pero deja una impresión mucho más duradera. Lo que, en un principio, me pareció un trabajo confuso y falto de inspiración, hoy (muchas escuchas después) me parece uno de los grandes hallazgos de los últimos años.
Stop Drop And Roll, el proyecto encubierto de los Green Day demuestra (una vez más) que lo mejor del pop de los últimos tiempos, es lo que imita o recrea a lo mejor del pop de los 60. Billie Joe Armstrong y los suyos se han convertido en unos expertos en el tema, después de deslumbrar en 2000 con Warning. Aquí, sin embargo, no repiten la fórmula y encuentran un camino paralelo, centrándose en el sonido más "garajero" de las bandas americanas de la época. El resultado es un CD vibrante y directo, que lejos de pintar un retrato de época, revive el pasado con plena intensidad.
Qué es: RipNAS es un sistema de almacenamiento de música on line, que nos permite conservar nuestros archivos de música en formato digital, en un solo lugar y con la posibilidad de traspasarla a los diversos dispositivos que utilicemos habitualmente para reproducirla.
Por qué merece la pena: Además de como almacén de música, también funciona como disco duro en red, es decir, nos permite introducir datos desde cualquier equipo. Funciona con el sistema operativo Windows Home Server y con él podremos ripear nuestros CD, descargando los metadatos y la carátula de Internet, y escucharlos a través de su reproductor o de la Xbox 360 y la Playstation 3, además de con servidores de iTunes.
Precio/disponibilidad: está disponible desde este mes en la web de RipNAS y la más barata cuesta 795 euros.
Una pega: es desmesuradamente cara para el uso que un usuario medio podría darle.
All the Young Dudes se ha quedado con toda la fama, pero el siguiente disco de los Mott the Hoople es tan bueno como aquél y retrata aún mejor la personalidad de Ian Hunter, líder de la banda, como compositor. La cosa empieza con la bailable "All the Way From Memphis". A partir de ahí, todo es una lección de rock & roll que concluye con la adictiva balada "I Wish I Was Your Mother". El disco está plagado de guitarras aterciopeladas, pianos galopantes y melodías milagrosamente empalagosas, tocadas con pasión, amargura y un perverso sentido del humor. De lo mejor del glam.
La faceta más rockera del glam no se entendería sin los New York Dolls, ese grupo de culto que sólo grabó dos discos en los 70 y decidió romper su mística volviendo a los escenarios en 2004 (ya sin su carismático guitarrista, Johnny Thunders, muerto en 1991). Aún así, los Dolls siguen siendo un grupo extraordinario. Fueron unos verdaderos precursores del punk. Su música destila violencia y agresividad, manteniendo a la vez unas profundas raíces en el pop de los 60 y adaptando lo mejor de los Rolling a su volcánica personalidad. Su urgencia parecía avisar de que la cosa iba a durar poco.
Ya va siendo hora de hacer balance, ¿no? Este año no me puedo quejar. Se me amontonan en la memoria los discos de los que tengo un estupendo recuerdo y aún me quedo con la sensación de que se me olvidan otros igual de buenos. No sé por qué me emociono tanto, porque ya son muchos años pensando que la cosecha era fabulosa y terminando por reconocer que casi no se salvaban ni media docena de discos. Así que empezaré por los que tengo seguros. Dos discazos de escucha imprescindible.
Seré sincero. No sabía ni que existían. Pero después de toparme con la carátula de este álbum en varios sitios de confianza, tenía que darles una oportunidad. Venciendo una inconfesable pereza (soy más de escuchar veinte veces el mismo disco que diez distintos, qué le vamos a hacer), lo escuché. No diré que cambió mi vida para siempre, pero fue una auténtica revelación, como hacía mucho tiempo que no tenía. No me preguntes qué música hacen, qué géneros tocan o de dónde son (me da igual), pero suenan a gloria.
Bueno, a éstos sí les conocía. Y esperaba mucho de su nuevo disco después de seis años (cómo pasa el tiempo) sin parar de escuchar Hard Candy una y otra vez. Hace un par de días lo volví a escuchar y admito que el guitarreo salvaje de algunos temas no me termina de encajar con el grupo. No obstante, es un tremendo álbum, repleto de melodías memorables y guitarras crujientes. Le falta algo de la concreción de Hard Candy, pero le sobra pasión y entrega, especialmente por parte de Adam Duritz (un tío que vale para esto). Siguen en su mejor momento. Y ya les dura más de una década.
Fecha de publicación: 28 de noviembre
Discográfica: Jive Records
Duración: 46:15
Una canción: "Kill the Lights"
No sé si "segunda juventud" es un término adecuado, pero qué duda cabe de que Britney está exultante últimamente. El año pasado nos regaló su mejor disco en años (desde el Britney de 2001) y ahora vuelve con doce nuevos temas en Circus. Esta vez, sin embargo, el resultado no es tan convincente como en el espléndido Blackout. Britney se recrea una y otra vez en los mismos sonidos y claro, termina cansando. Las canciones no son tan uniformemente consistentes como el año pasado y eso pasa factura al resultado final, convirtiéndolo en otra poco destacable incorporación a su discografía.
Reseñas profesionales: allmusic 3/4, Rolling Stone 3,5/5
Olé tus vídeos: de mal en peor
Uno de tantos proyectos paralelos que inundaron la escena progresiva a finales de los 90, Transatlantic, sin embargo, consigue brillar con luz propia. Un proyecto liderado por el (majete) batería de Dream Theater, Mike Portnoy y el (insoportable) líder de Spock's Beard, Neal Morse, no podía fallar y Bridge Across Forever resulta singularmente brillante, ya que contiene mejores y más trabajadas canciones que su predecesor, SMPTe. Suena raro, pero a esta banda hay que situarla entre las grandes del género. No hacen Historia, pero hacen una música increíble (no apta para amantes del single).
Fecha de publicación: 23 de noviembre
Discográfica: Geffen
Duración: 71:24
Una canción: "Better"
Tantos años amenazando con la vuelta de los chicos más malos de los 90, que al final casi nadie se lo creía cuando Axl Rose aseguró que el álbum saldría este año. Pero algún día tenía que salir. No sé a quién irá dirigido este disco, pero desde luego pocos de sus fans de hace casi veinte años lo estarían esperando. Incluso a los que nos gustaba Apetite for Destruction en su día, nos da demasiada pereza volver a una banda que creíamos agotada artística y materialmente. Pero han vuelto, demostrando a sus detractores que podían hacer un buen disco. El problema es que ya no importa a nadie.
Reseñas profesionales: allmusic 4/5, Rolling Stone 4/5, Billboard, Uncut 2/5
Aquí está, el primer disco de los Rolling en esta lista (Between the Buttons estuvo cerca de entrar, pero últimamente lo tengo un poco abandonado). La primera vez que lo escuché no podía comprender por qué "Rocks Off" no era la primera canción en todos los recopilatorios de la banda. Sigo sin entenderlo, la verdad. No se puede empezar mejor. A partir de ahí, este disco es toda una revelación, ya que pocas de sus 18 canciones han quedado como hits. Quizá se deba a la enorme diversidad del material, un hecho que no le impide ser un trabajo compacto y convincente de principio a fin.
No son tan conocidos como sus colegas de Genesis o Yes, pero Caravan son tan excepcionales como ellos. For Girls who Grow Plump in the Night es su obra cumbre, donde mezclan influencias tan diversas como el pop o el jazz, creando un rock progresivo fresco e irresistiblemente melódico (sí, en serio) ante el que es difícil permanecer impasible. O te encanta, o lo detestas. A mi, siempre que no caiga en la autocomplacencia y el exhibicionismo (como a veces pasa), me fascina y Caravan son uno de los grupos que mejor defienden la necesidad de un género no siempre bien entendido.
Qué es: El BeoSound 5, que se complementa con el BeoMaster 5 (un disco duro de 500 GB), es un servidor musical con monitor LCD de 10,4 pulgadas (resolución de 1.024 x 768 píxeles) e interfaz gráfica basada en Windows XP.
Por qué merece la pena: Permite reproducir archivos musicales en formato MP3, WMA, WAV, ASF y AAC e incluye la utilidad MOTS (More Of The Same), que elabora automáticamente listas de reproducción basándose en el ritmo o el tono de las canciones. También tiene sintonizador de radio a través de internet y reproductor de vídeos en formato MPG, AVI o WMV, tres puertos USB y una interfaz Ethernet para conectarlo a la red local. Además, cuenta con varias salidas para la señal de vídeo y audio.
Precio/disponibilidad: Cuesta unos 4.100 euros y estará disponible a partir de marzo de 2009.
Una pega: Tiene varias, como la carencia de conexión HDMI de alta definición, pero la principal es, sin duda, su desmesurado precio.
Los Counting Crows eran una banda revival más hasta Hard Candy. Su pop intensamente americano, si bien irresistible, era también frustrantemente convencional. Aquí, Adam Duritz y los suyos siguen haciendo música fácilmente digerible, pero esta vez consiguen inyectarle una profundidad ausente hasta la fecha. Las sucesivas escuchas nos van descubriendo los intrincados arreglos y la melancolía de unas letras poéticas y cercanas a un tiempo. Hoy, el apabullante Saturday Nights & Sunday Mornings lo ha eclipsado casi por completo, pero merece la pena reivindicar esta joya del pop contemporáneo.
Vale, ya sé que es un poco injusto considerar este disco como parte de la discografía de VU, pero técnicamente es así (por mucho que se empeñen), de modo que los neoyorquinos tampoco se librarán de aparecer en esta sección. En realidad no es para tanto. "Caroline" es un single bastante resultón y el resto del repertorio, aunque soporíferamente convencional, sería bastante digno para cualquier banda del montón. Para la Velvet no, claro, pero aun así creo que se lo defenestra tantísimo como ataque a Doug Yule y su decisión de prolongar la vida del grupo, más que por el contenido.
Todd Rundgren combina con descaro en su discografía la experimentación más extravagante con un exquisito dominio del single. De hecho, en la mayoría de sus álbumes clásicos incorpora ambas facetas (Something/Anything?, A Wizard, A True Star...). De entre los que no optan por esta fórmula y explotan su lado más "tradicional", The Ballad es el mejor. Cargado de melodías memorables e imaginativos arreglos, su austera producción lo hace menos empalagoso que algunos de sus más reconocibles trabajos. ¿Me cansaré alguna vez del cosquilleante riff de "Bleeding"?
Ya dije que me gustaba mucho más el Pete Townshend que deja las cosas a la mitad. Who's Next es fruto de otro proyecto inacabado, del que esta vez apenas queda resto. El resultado devuelve a los Who a las altas cotas de calidad alcanzadas con Who Sell Out. Lo cual tiene su mérito, ya que la banda ha cambiado considerablemente su estilo, abriéndose paso en la nueva década a guitarrazo limpio. Lo mejor es que al tiempo enriquecen su sonido con pianos y sintetizadores, creando una amalgama sonora incontestable. Más hipnótico que el cursilón Tommy e infinitamente más consistente.
Qué es: Tan simple como eso. La Sanyo R277 es una radio que incorpora conexión a Internet, permitiéndonos escuchar cualquier emisora que deseemos on line.
Por qué merece la pena: Podemos buscar las emisoras por zona geográfica o por tipo de emisora, en una lista que se actualiza periódicamente. Además, podemos emplear un navegador web para que su consulta sea más sencilla.
Precio/disponibilidad: Cuesta 220 dólares, aunque sólo está en venta en Canadá.
Una pega: Las radios que no emiten a través de Internet y no poder comprarla en España. Por lo demás, es perfecta.
Fecha de publicación: 13 de noviembre
Discográfica: Rhino
Duración: 51:28
Una canción: "Heaven on Their Minds"
Vale, no es muy novedoso, pero este disco de versiones de Queensrÿche me había pasado totalmente desapercibido hasta hace unas semanas y creo que, aunque sea un año después, merece la pena señalarlo. La banda esta viviendo últimamente una segunda juventud, impulsada por el éxito de la segunda parte de su gran obra, Operation: Mindcrime. Quizá llevados por ese sentimiento, Geoff Tate y los suyos se han lanzado aquí a un original disco de covers en el que casi nada reconocemos de los temas originales. Precisamente eso es lo que convierte a Take Cover en una experiencia tan singular. Los artistas elegidos van desde los previsibles U2, Police, Pink Floyd o Black Sabbath, hasta las extravagancias de Buffalo Springfield o The O'Jays, pasando por la banda sonora de Jesucristo Superstar, curiosamente uno de los mejores temas. La verdad es que sólo cojean en la complicada "Red Rain" de Peter Gabriel, el único momento en que no parecen estar pasándolo bien. Aunque no va más allá de la curiosidad, este CD merece un par de escuchas, aunque sólo sea por el despliegue de musicalidad exhibido por los miembros de la banda en todo momento.
Reseñas profesionales: allmusic 3,5/5
Confieso que ha llegado un punto en que no me resulta fácil distinguir un buen disco de AD/DC de uno malo. Con The Razor's Edge, mejoró un poco la cosa, pero justo después de arrasar con Back in Black fue como si se les hubieran acabado de repente las ideas. Sin ganas, sin emoción, sin la habilidad demostrada anteriormente para crear pegadizos y rompedores himnos del hard rock, la banda se deslizaba a toda prisa por el camino de la mediocridad. Fly on the Wall, es un claro ejemplo de esa olvidable etapa.
Con permiso de Plastic Ono Band, es el mejor disco de Lennon en solitario. Yo lo prefiero, naturalmente, porque se parece más a su trabajo con los Beatles, alejándole de esa forzada pose de cantautor. Su vena literaria queda aquí limitada a unas letras intimistas, reivindicativas y siempre (o casi) poéticas. Por el contrario, la música abandona la aspereza de "Working Class Hero" y vuelve a ese pop spectoriano que le sienta como a nadie. Quizá porque, además, es el único disco que escuché antes en vinilo que en cinta o CD, le tengo un apego especial.
En todos los sentidos, es el polo opuesto del anterior. Ram, el segundo y mejor disco de la menos reconocida, pero infinitamente más exitosa, carrera en solitario de McCartney, es tan campestre y rudimentario como su portada. Los arreglos se basan en el ingenio, no en el ornamento, es melódico hasta decir basta y está cargado de tanta ironía y sentido del humor, que es una tentación difícil de resistir. Puede que debajo no haya mucha sustancia, pero a veces anda uno ya cansado de tanta pretensión y sólo quiere pasar un buen rato escuchando música.
Qué es: Básicamente, la respuesta de Nintendo a los Guitar Hero y Rock Band que tanto éxito están teniendo. Pone a nuestra disposición sesenta instrumentos musicales distintos, de viento, cuerda y percusión, así como un modo en el que actuamos como un director de orquesta, permitiéndonos jugar en solitario o en grupo. Incluye, además, un listado de cincuenta piezas musicales organizadas en once estilos distintos.
Por qué merece la pena: No requiere ningún conocimiento musical previo. Sólo es necesario seguir el ritmo de la música con el mando de la consola. Pero también se trata de un juego divulgativo, que nos permite adquirir nociones básicas de música. Además, podemos usar los botones para crear efectos o acortar y alargar notas.
Precio/disponibilidad: No llegará a España hasta el 14 de noviembre, al módico precio de 50 euros.
Una pega: No parece que el juego, al contrario que los anteriormente mencionados, tenga un objetivo muy concreto, lo que podría hacer que resultase repetitivo.
Fecha de publicación: 16 de septiembre
Discográfica: WEA
Duración: 77:15
Una canción: "The Boy with the Thorn in His Side"
Los 60 son a los Beatles y los 70 a Led Zeppelin como los 80 lo son a los Smiths. Fueron la mejor banda británica de la década y, como a aquéllos, no les hicieron falta muchos discos. Tan sólo cuatro cuidadísimos álbumes y un puñado de singles plagados de melodías memorables y unas letras inimitables. Sus discos (unos más que otros, eso sí) son extraordinarios ejemplos de pop intenso, poético y pegadizo, pero a mi siempre me ha llamado la atención lo bien que suenan sus canciones recopiladas junto a sus mejores singles y caras B. Parecía que Singles, lanzado en 2001, era la expresión definitiva de este formato y, sin embargo, ahora aparece este Sound y le da una vuelta de tuerca que incluso lo mejora. Sólo añade cinco temas, pero están meticulosamente escogidos y complementan la oferta, ofreciendo un álbum igual de irresistible pero más completo, en el que vemos diferentes caras del grupo. Poco más se puede hacer en este terreno, así que ahora a ver si se ponen con ese recopilatorio de rarezas que llevamos tanto tiempo esperando. Por el momento yo ya he sustituido el Singles por este redondo recopilatorio como mi disco de cabecera de los Smiths. De los de escuchar sin parar durante semanas.
Reseñas profesionales: allmusic 5/5 \\ Rolling Stone 5/5
Badfinger pasaron de ser la banda más prometedora de Inglaterra a convertirse una vieja gloria en apenas cuatro años. La tragedia que marcó la carrera de la banda (llevándose por delante a dos de sus miembros), sin embargo, no ha podido empañar el reluciente y perfecto sonido pop de sus discos, una irresistible combinación de sensiblería romántica en las baladas y endemoniada energía en los temas más rápidos. Aunque a veces sigue el patrón lenta-rápida tan a rajatabla que resulta artificial, sólo te das cuenta cuando ya te lo sabes de memoria. Para entonces ya es tarde. Te ha atrapado.
Si nos atenemos a los dos primeros discos que lo componen, All Things Must Pass es unos de los discos más espectaculares firmados por un ex Beatle. Y confirma que Harrison, aunque tardo más, terminó convirtiéndose en un compositor a la altura de sus compañeros Lennon y McCartney. Las canciones son tan buenas que hasta se sobreponen a la casposa producción de Phil Spector que, aunque lo intenta, no consigue arruinar uno de los trabajos más sobresalientes de su época. De hecho George derrochó aquí tanto talento que nunca consiguió superarlo.
Hasta a los mejores entre los mejores les llega su turno en esta implacable sección. Al contrario que sus otras dos bandas sonoras, A Hard Day's Night y Help!, Yellow Submarine nunca deja de parecer lo que es. Esta recopilación de cuatro (no especialmente brillantes) temas nuevos, dos antiguos ("Yellow Submarine" y "All You Need Is Love") y una larga y tediosa serie de cortes experimentales, obra de George Martin, nunca termina de convencer. La amalgama resulta en un pobre LP que hubiera ganado muchos enteros en forma de EP (como se pensó lanzar) o como singles.
Lo han contado en el blog Wired.com. Se trata de la incógnita que rodeaba el primer acorde de la célebre canción "A Hard Day's Night", "uno de los sonidos más misteriosos de la historia de la música". Resulta que nadie sabía con exactitud, hasta hoy, cómo fue grabado. Según parece, resulta imposible que dos guitarristas y un bajista pudieran haberlo producido en una sola toma y se sabe que no se utilizaron varias pistas.
Así que Jason Brown, un profesor de la Dalhousie University se puso con ello y seis meses después, obtuvo una respuesta. Después de aplicar complicadas técnicas matemáticas de análisis, ha concluido que el culpable del enigmático "prraaaaaangg" es George Martin, el conocido productor del grupo. No me preguntéis por qué lo sabe, pero todo el secreto era Martin doblando a Harrison al piano. Así de sencillo.
Con una carrera tan genial como inconsistente, los Rolling Stones eran presa fácil de esta sección. Quitando discos en directo para olvidar y el no oficial Jamming with Edward!, Dirty Work es, posiblemente, su trabajo más impersonal. Aunque incluye temas bastante buenos, como el clásico "One Hit (to the Body)", la mayoría del material está lejos de ser el trabajo sucio de los mejores Rolling y se queda en una apolillada versión del grupo, que conserva un plastificado regusto a sus devaneos disco de principios de los 80. Más que prescindible. Espantos como "Too Rude" confirman el horror.
Antes de haber escuchado nada de los Kinks, creía tener una idea bastante clara del sonido del grupo por lo que se leía de ellos en críticas de grupos posteriores. Bueno, pues ni parecido. Debo reconocer que cuando escuché Something Else quedé desconcertado. De hecho siempre he visto con recelo ese (por otra parte extraordinario) álbum. Pero según me fui adentrando (poco a poco) en la discografía del grupo, descubrí que los placeres de su música no eran tan superficiales como yo pensaba. Y, cómo son las cosas, al final me he enganchado a este melancólico y brillante álbum.
El tercer y último álbum de los Beatles que integra esta lista es, quizá, el menos original. A pesar de que siempre suele tener por delante al Sgt. Peppers, es un habitual de las listas de mejores discos de la historia. Generalmente prefiero los discos que han pasado más desapercibidos, pero ante Abbey Road me tengo que rendir. Y lo hago encantado. Si A Hard Day's Night muestra el espíritu del duo creativo Lennon/McCartney, Abbey Road evidencia la fragmentación del combo. Lo maravilloso es cómo en ambos casos consiguen producir dos grandes obras de arte contemporáneas.
Fecha de publicación: 20 de octubre
Discográfica: Columbia
Duración: 55:30
Una canción: "Wheels"
Para bien o para mal AC/DC son una de las bandas más previsibles del rock. Desde 1980 no consiguen hacer nada parecido a un álbum, sino que se limitan a grabar una ristra de canciones que rehacen una y mil veces el mismo riff y las mismas letras. Una chapuza, vamos. Pero les funciona. Básicamente porque su público no espera otra cosa. En Black Ice, como siempre, hay buenas canciones pero nula innovación. El grupo se ha convertido en un pesado mastodonte que rumia la misma canción desde hace décadas. Naturalmente lo clavan. Nadie es capaz de hacer mejor rock duro que ellos. Pero a mi me agotan. ¿Para qué quiero yo estas canciones teniendo Highway to Hell y Back in Black? Para nada. Es lo mismo pero peor. Me da igual que sea "su mejor disco en años (quizá décadas)", como se dice en alguna parte. Teniendo en cuenta que su último disco era del 2000 tampoco parece tan meritorio. Son auténticos y eso hay que reconocérselo, pero creo que deberían dedicarse al single y no sacar más discos. Me hubiera conformado con cuatro o cinco cortes, tranquilamente. El resto, sobra.
Reseñas profesionales: allmusic 3/4, Rolling Stone 3,5/5, PopMatters 8/10, Billboard, Uncut, Blender 3/5
Fecha de publicación: 28 de octubre
Discográfica: LaFace
Duración: 47:02
Una canción: "Please Don't Leave Me"
Pink es una de las pocas artistas de su generación cuya biografía destaca por su dedicación a la música y no por sus extravagancias o desmanes variopintos. Se la agradece. Aunque sólo fuera por eso, merece mi admiración. Pero es que además hace unos discos fantásticos. Desde M!ssundaztood no me pierdo uno y, aunque su música ha madurado con ella, sigue siendo igual de consistente. Curiosamente, esa vida privada que nunca nos ha importado, viene al caso al hablar de Funhouse. Y es que el divorcio de la catante con el campeón de motocross Carey Hart marca decisivamente el tono del álbum. Las canciones se reparten casi a partes iguales un inevitable sentimiento de pérdida ("Please Don't Leave Me") y el alivio de terminar con una situación infeliz ("So What"). Una emoción de la que nunca habíamos sido testigos tan directos en un disco de Pink. Funhouse es el trabajo de una cantautora, no importa cuánta gente colabore en escribir las canciones ni lo sofisticado que sea su sonido.
Reseñas profesionales: allmusic 3,5/5, Rolling Stone 3/5, Blender 3/5
La décima de sus sinfonías londinenses es un ejemplo paradigmático de la desenvoltura y maestría de Haydn en el género. Para muchos críticos, de hecho, se trata de su mejor sinfonía. Pero poco importa eso a la hora de enfrentarse con esta deliciosa escucha.
Si tuviera que definir la música de Haydn con una sola palabra, lo primero que me viene a la cabeza es el color. Más que la de cualquier otro compositor, la música de Haydn me sugiere la impresión de que las frases estuvieran compuestas a base de pinceladas de tonos anaranjados. Y no puedo evitar pensar en esta metáfora cuando escucho las sinfonías.
Todo un clásico de los despropósitos musicales, Dylan es una colección de nueve descartes de su ya de por sí poco inspirado álbum de versiones Self Portrait. Hay pocas razones (más allá de lo morboso del asunto) para interesarse por él. Completamente falto de inspiración, mediocre y aburrido, en él un Dylan adormilado canta con ese peculiar estilo que utilizó por primera vez en Nashville Skyline. Él mismo no quería que el disco saliese al mercado. En fin, que el mejor escribano echa un borrón y este es uno de los ejemplos más claros de la historia de la música popular.
Qué es: Se trata de una pareja de altavoces especialmente acondicionados con una película que repele el agua (perfectos para, por tanto, el cuarto de baño) y que incorpora una conexión minijack de 3.5 pulgadas a la que poder conectar casi cualquier dispositivo de audio y evitar además que se moje.
Por qué merece la pena: Se trata de un gadget realmente útil, que nos permite escuchar música en el baño sin ningún peligro y sin molestar a los vecinos con el volumen. Funciona con una batería de 6 horas de autonomía y está disponible en tres colores: blanco, azul y rosa.
Precio/disponibilidad: Por desgracia sólo está disponible en Japón.
Una pega: El diseño, demasiado cursilón.
Fecha de publicación: 21 de octubre
Discográfica: Polyvinyl
Duración: 55:19
Una canción: "An Eluardian Instance"
Of Montreal se ganaron mi admiración en 2004 con el espléndido Satanic Panic In The Attic. Todo lo que han hecho desde entonces apenas ha conseguido atraer mi atención y Skeletal Lamping no es una excepción. A pesar de todo, hay que reconocer que en Hissing Fauna, Are You the Destroyer?, disco que sacaron al mercado el año pasado, mantenían el tipo con bastante convicción. Sin embargo, con Skeletal Lamping han pegado un patinazo mayúsculo. Es un disco caótico, una especie de collage de melodías que ya suenan más que familiares y que los de Athens remezclan sin orden ni concierto. No intentéis distinguir estructuras coherentes ni singles pegadizos, aquí sólo hay una gratuita amalgama amorfa de sonidos que ni siquiera tiene gracia. Aburre. Y da un poco de apuro, la verdad. Sobre todo en las letras (que prefiero omitir). A lo mejor con cincuenta o sesenta escuchas, la cosa empieza a cobrar sentido (que alguno tendrá), pero no pienso quedarme a averiguarlo. Prefiero volver una y otra vez al inspiradísimo y maravillosamente empalagoso Satanic Panic In The Attic, todo lo que necesito saber de Of Montreal, de momento. Es un buen intento por parte de Kevin Barnes de seguir evolucionando como músico, pero le hace falta mejor material para convenerme.
Reseñas profesionales: allmusic 2,5/5, Rolling Stone 3,5/5, popMatters 6/10, Pitchfork 5,9/10
Vale, puede que las listas sean absurdas. Está claro que podríamos vivir sin ellas. Pero ¿por qué hacerlo? A mi me encantan las listas. A lo mejor resulta que su interés se encuentra precisamente en su inutilidad. No lo sé. Lo cierto es que las listas nunca dejan indiferente. Para bien o para mal.
En realidad esta lista por capítulos que empiezo hoy no es más que la recopilación de aquellos discos que han ocupado un lugar especial en mi colección a lo largo de los años. Ésos que siempre tienes a mano porque sabes que nunca te defraudan cuando te apetece aprovechar al máximo el rato que tienes para escuchar música.
En total he elegido cien álbumes, que iré repasando por orden cronológico de cuatro en cuatro, en veinticinco entregas. Será divertido escucharlos una vez más y recordar por qué todavía no me he cansado de ellos. Bueno, allá voy.
Según cuentan en rollingstone.com, el carismático líder de Weezer lanzará una segunda parte de su alabado Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo el próximo 25 de noviembre. El álbum llevará el apropiado título de Alone II y, aunque es previsible que también esté compuesto por tomas alternativas de éxitos del grupo, canciones inéditas y versiones de otros artistas, no se ha dado a conocer ningún otro dato sobre el proyecto. La noticia devuelve a este singular músico al primer plano de la actualidad musical sólo unos meses después de deslumbrar a la crítica de medio mundo con el último trabajo de su banda, Weezer (The Red Album), sin duda uno de los mejores álbumes de lo que llevamos de año y de toda la carrera del popular grupo de pop independiente americano.
Qué es: Una mesa... Un robot... Se llama Brionvega RR226 y aunque podría ser cualquiera de las dos cosas, en realidad se trata de un completo equipo de música de diseño italiano en forma de mesa y con "cara" de robot.
Por qué merece la pena: Incorpora tocadiscos, fonógrafo, lector de CD y DVD, sintonizador de radio, dos grandes altavoces adaptables y (lo mejor) unas ruedas.
Precio/disponibilidad: Por ahora carece de precio, en la página del fabricante sólo podréis ver más fotos.
Una pega: Tiene pinta de que va a ser demasiado caro y demasiado grande para lo que ofrece.
Coincidiendo con nuestra conmemorada Guerra de la Independencia, Beethoven compuso dos de sus obras más características. Aunque se trata de trabajos musicalmente muy distintos, la Quinta y la Sexta, son dos de sus sinfonías más reconocibles (junto a la omnipresente Novena, claro). Aunque fue descrita por el propio compositor como la expresión de las emociones que la contemplación de la naturaleza despertaban en su alma, la "Pastoral" tiene más en común con un relato operístico que con una obra puramente conceptual.
Fecha de publicación: 9 de septiembre
Discográfica: Touch and Go
Duración: 34:30
Una canción: "Folios"
The New Year es una bada de rock independiente de la que hasta ayer mismo no tenía noticia (sonora). Hace cosa de un mes sacaron su tercer disco y las excelentes críticas que ha recibido hicieron que me picara la curiosidad. La mayoría de los grupos jóvenes no me interesan demasiado, han sido tantas decepciones (Strokes, Arcade Fire, Editors...), que casi siempre me vence la pereza y me agarro a los disos más viejos que tengo (ésos que nunca fallan). Quizá porque en realidad llevan veinte años de carrera, los hermanos Kadane (hoy líderes de The New Year) me inspiran, sin embargo, esperanza. Me ha pasado con pocos grupos actuales (the Fiery Furnaces, por ejemplo). Al contrario que otras bandas "indie", los americanos recurren al hipnotismo de sus acordes y la melancolía de sus melodías para captar nuestra atención. ¿Están locos? No. Lo sorprendente es que lo consiguen y mientras que la portada (al fin y al cabo, lo primero que degustamos del disco) nos podría sugerir que nos encontramos ante un disco áspero o difícil, ellos lo hacen fácil y adictivo. Claro que también hay buenas dosis de angustia y claustrofobia en este álbum. Temas como "The Door Opens" son un claro ejemplo. Aunque pronto quedamos aliviados con la emotividad de "Folios" y "Seven Days and Seven Nights", dos preciosistas baladas acústicas donde las guitarras dibujan unas melodías tan brillantes como desoladoras. La susurrante voz de Matt Kadane tampoco ayuda a hacer de The New Year un disco "accesible" (que no batirá récords de ventas, vamos), pero alivia enormemente ver cómo alguien se sale de la tónica dominante y produce un álbum tan intenso y lleno de pasión.
Reseñas profesionales: allmusic 4,5/5, PopMatters 8/10, Pitchfork 7,5/10
Fecha de publicación: 19 de octubre
Discográfica: Reprise/Rhino
Duración: 68:57
Una canción: "Sara [Edit]"
La primera vez que le hinqué el diente a Fleetwood Mac fue con Rumours. Encontrar una explicación a sus millonarias ventas e impecables críticas era una tentación demasiado poderosa. Sólo me hizo falta una escucha para comprenderlo. No se necesita más. Uno de los discos más adictivos que te puedes llevar a las orejas. Absolutamente pegajoso. Tusk es el siguiente álbum que grabó aquella encarnación de Fleetwood Mac, liderada por Lindsey Buckingham. Y no puede ser más diferente. Para empezar, sus veinte canciones (divididas en dos discos) se prolongan durante más de una hora, cosa que echa bastante para atrás en un primer momento, acostumbrados a los 40 minutos de Fleetowood Mac y Rumours. Además, ni por asomo nos encontramos aquí sucesiones de hits como las de sus dos discos anteriores. En Tusk dominan los temas lentos, sugerentes, carnosos, simplemente bonitos ("Beautiful Child"), de los de paladear con tranquilidad. Una calma que se ve interrumpida de cuando en cuando por ráfagas de algo parecido a sus canciones más rockeras y bailables, pero que conservan un regusto "experimental" de lo más desconcertante e incluso frustrante (aunque sepas de antemano que no es así, esperas una tercera entrega del pop/rock irresistible de sus predecesores). Cómo no, esto es precisamente lo que hace que años después ya nunca escuche Rumours pero Tusk se mantenga entre mis discos de cabecera. Se llama sustancia.
Qué es: se llama Simplifi y es un dock con funciones de sincronización y carga para iPod o iPhone Simplifi.
Por qué merece la pena: porque incorpora la posibilidad de leer y escribir en tarjetas digitales Memory Stick, Memory Stick Pro, SD, xD y CF (CompactFlash)y tiene 2 conectores USB para otros dispositivos.
Precio/disponibilidad: cuesta 69,99 dólares y se puede comprar en el sitio oficial.
Una pega: si te interesa un aparatejo de éstos la verdad es que está bastante bien, el problema son los dock en sí, toda una industria paralela que hace furor, pero cuya utilidad es más que discutible. Se puede cargar el iPod igual sin compar este chisme, vamos.
Fecha de publicación: 15 de septiembre
Discográfica: Hollywood
Duración: 58:46
Una canción: "Call Me"
Y al final, lo hicieron. No sé si habrá sido cosa de la fiebre por resucitar viejas glorias del rock que recorre hace un par de años el planeta (y que parece que pronto manchará también el buen nombre de Led Zeppelin), o esta idea llevaba ya tiempo cociéndose en la cabeza de Brian May, pero es mala, muy mala. Este grupillo de tercera división que Paul Rodgers, Brian May y Roger Taylor quieren hacer pasar por Queen no sólo no añade nada (bueno) a la discografía del legendario combo inglés, sino que sería mediocre hasta para las carreras en solitario de cualquiera de los tres. Y el disco, un trabajo blandengue, ridículo, completamente innecesario, tópico y que bien podrían haberse ahorrado. Sinceramente creo que, aunque es lo que realmente pretende, no conseguirá agradar ni a los fans de toda la vida del grupo (no le llega a la suela del zapato a lo peor de Queen, Made in Heaven incluido) ni a quienes prefieran el trabajo en solitario de May o Rodgers (que en ningún momento llega a este nivel de inanez). Desde luego que Rodgers hace menos el ridículo que intentando cantar las canciones de Mercury, pero no basta con eso. Este disco está completamente fuera de lugar, no es más que un peñazo de casi una hora (¡encima!) que espero no volver a escuchar nunca.
Reseñas profesionales: allmusic 2/5, Uncut 2/5
Fecha de publicación: 6 de octubre
Discográfica: Big Brother/Reprise
Duración: 45:51
Una canción: "The Shock of Lightning"
Aquí está. Después de meses de los ya tradicionales (y un poco pesados, la verdad) rumores, polémicas, desmentidos, cambios de batería y demás (todo mentira, por supuesto) que rodean cada nuevo lanzamiento discográfico de Oasis últimamente (o quizá siempre, ya no me acuerdo), al fin podemos degustar las nuevas canciones de los hermanos Gallagher. Pongámonos en antecedentes. Lo último que habíamos sabido de los británicos (vídeos supuestamente robados aparte) se llamaba Don´t Believe the Truth, grabado en 2005. Casi todo el mundo coincidió en decir que era lo mejor que habían hecho desde (What's the Story) Morning Glory, nada menos. Pero resulta que este nuevo álbum, aunque bien distinto, mantiene también un nivel muy por encima del de sus trabajos de finales de los noventa y principios de esta década. La pesadilla de los críticos. ¿Qué decir entonces ahora? Están quienes defienden que Dig Out Your Soul mejora claramente a Don´t Believe y quienes opinan que supone un bajón. Para mí que ninguno quiere reconocer la nada periodísticamente jugosa realidad. Ambos discos son similares en calidad, aunque completamente distintos en todo lo demás. Don´t Believe era el sonido de una banda redescubriendo su amor por la música, retomando sus referencias de siempre al desnudo. Nunca les habíamos oído algo como "Mucky Fingers", casi una versión de la Velvet Underground o "Let There Be Love", posiblemente su balada más descaradamente beatleniana. En Dig Out Your Soul, por el contrario, vuelven a ser ellos mismos, enmascarando la deuda que les ha unido siempre a Beatles y Rolling Stones con un sonido propio, más musculoso y detallado que el de Don´t Believe. Eso sí que hacía mucho tiempo que no lo escuchábamos. Así que, en cierto modo, este CD completa el resurgimiento de Oasis como grupo, después de sus andadas por el terreno de la mediocridad, que ya duraban demasiado. Si Don´t Believe the Truth les sirvió a ellos para recordar por qué les gusta la música, Dig Out your Soul nos ha servido a nosotros para recordar por qué nos gusta Oasis.
Reseñas profesionales: allmusic 4,5/5, NME 8/10, Billboard, Rolling Stone 2,5/5, Uncut 3/5, PopMatters 6/10
Fecha de publicación: 7 de octubre
Discográfica: Shangri-La
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Billboard
Rolling Stone 4/5
Pitchfork 6,4/10
Después de más de dos décadas sin conseguir recrear convincentemente el sonido original de la banda, finalmente Chrissie Hynde ha optado por dejarse llevar y volver a escribir canciones para ella misma. El resultado, Break Up the Concrete, es lo mejor que la banda ha grabado desde 1984, cuando firmaran su última obra maestra con Learning to Crawl. Recurriendo a cuatro nuevos compañeros de grupo para las sesiones, Hynde consigue dar al disco un toque de álbum en solitario, como si se tratase del trabajo de una consagrada cantautora. De hecho el disco tiene más de una referencia a la música de Bob Dylan o Joni Mitchell, aunque sobre todo, tiene un inconfundible sabor a rock americano primitivo. Rockabilly, country y rock & roll 'pre-Beatles' se entrecruzan constantemente a los largo de los once temas del CD con la misma naturalidad que si lo llevaran haciendo toda la vida. Pero las enérgicas "Boots of Chinese Plastic" o "Break Up the Concrete" tienen su perfecta contrapartida en inspiradas baladas como "The Nothing Maker" o "One Thing Never Changed", que completan el sonido de un álbum breve (dura menos de cuarenta minutos), intenso y bailable que desconcierta y maravilla a un tiempo. Uno de los mejores discos del año.
01 Boots of Chinese Plastic 2:31
02 The Nothing Maker 3:58
03 Don't Lose Faith in Me 2:45
04 Don't Cut Your Hair 2:14
05 Love's a Mystery 3:01
06 The Last Ride 3:40
07 Almost Perfect 4:48
08 You Didn't Have To 3:09
09 Rosalee 4:14
10 Break Up the Concrete 2:41
11 One Thing Never Changed 3:44
Fecha de publicación: 30 de septiembre
Discográfica: Hi Fi
Reseñas profesionales:
allmusic 3,5/5
Arena no ocupará un lugar destacado en la inmensa carrera de Todd Rundgren. De hecho puede considerarse un pequeño paso atrás con respecto a su último trabajo, al irresistible Liars. Al contrario que en aquél, aquí Rundgren agarra la guitarra y se pone serio (aunque la portada indique otra cosa), creando un disco carente de chispa y que da la impresión de ser un mero capricho después de que la gira con The New Cars le volviera a brindar la posibilidad de tocar en un estadio repleto de gente. Aprovechando la experiencia, Rundgren da marcha atrás al reloj y regresa a los tiempos en que el arena rock de bandas como Boston o Asia (que incluso tienen un disco titulado igual) arrasaba entre buena parte del público. El problema es que ya no estamos en 1982 y ese sonido no tiene demasiado sentido, restándole inmediatez a este, por otra parte, intachable CD. Y es que con las canciones de Arena, Rundgren consigue mantener el tipo con creces y demostrar que su enorme talento (otra cosa es la inspiración) sigue intacto. "Mad" es una excelente apertura, que marca el tono del resto del disco. "Courage" es un tema pegadizo al más puro estilo Rundgren. Y otras, como "Mercenary" o "Mountaintop", muestran la cara más guitarrera de este maestro del pop. Es prescindible, sí, pero más de uno se conformaría con firmar aunque sólo fuera un disco así en toda su carrera.
01 Mad 3:36
02 Afraid 4:52
03 Mercenary 4:02
04 Gun 3:54
05 Courage 3:44
06 Weakness 5:15
07 Strike 3:29
08 Pissin 4:39
09 Today 5:22
10 Bardo 6:13
11 Mountaintop 4:18
12 Panic 3:11
13 Manup 4:00
Fecha de publicación: 26 de agosto
Discográfica: Steamhammer
Reseñas profesionales:
allmusic 3,5/5
Pitchfork 7,2/10
PopMatters 7/10
Más de lo mismo. La banda liderada por el excéntrico e inagotable (va camino de los 63 años) Lemmy Kilmister, sigue dándole vueltas a la misma canción desde hace 30 años. Con la única excepción de la sorprendentemente melódica "English Rose", todo en Motörizer suena demasiado familiar como para hacer de este álbum un clásico de la talla de Overkill o Ace of Spades. Su sonido sigue siendo tan mastodóntico, sucio, veloz y crujiente como siempre y su actitud igual de cretina, lo cual es, posiblemente, lo mejor que se puede decir de una banda con una trayectoria tan dilatada como la de los británicos (¿acaso no estamos diciendo lo mismo de los mucho menos veteranos Metallica?). Pero Lemmy parece tan ofuscado en permanecer fiel al sonido de la banda, que deja de lado la composición y se limita a recrear las mismas melodías y temas de siempre. Si no fuera por eso, Motörizer podría estar entre los mejores discos del grupo, que sigue en un estado de forma envidiable. A pesar de todo, satisfará plenamente a sus fans de toda la vida y sigue siendo mejor que el 90% del heavy metal que se hace hoy en día.
01 Runaround Man 2:56
02 Teach You How to Sing the Blues 3:02
03 When the Eagle Screams 3:43
04 Rock Out 2:06
05 One Short Life 4:00
06 Buried Alive 3:12
07 English Rose 3:33
08 Back on the Chain 3:24
09 Heroes 4:54
10 Time Is Right 3:13
11 The Thousand Names of God 4:33
Fecha de publicación: 25 de agosto
Discográfica: Roadrunner
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
El power metal es uno de los subgéneros más delimitados del heavy metal. Las bandas que lo practican (casi exclusivamente europeas) repiten, tópico a tópico, la fórmula establecida a finales de los 80 por los germanos Helloween. Dragones, llamaradas y tormentas de fuego inundan unas letras tan predecibles como (conscientemente) ridículas, mientras que la música queda reducida a melodías empalagosas y grandilocuentes e interminables solos de guitarra. No obstante, de cuando en cuando, alguno de estos grupos consigue dar a luz una suerte de álbum definitivo del género, que obliga a recaer en el vicio de escuchar este tipo de música (un auténtico guilty pleasure). Ése fue el caso de algunos clásicos como The Marriage of Heaven & Hell, pt. II en 1997 o Reckoning Night en 2005. Y es también el caso de Ultra Beatdown, un CD en el que los británicos Dragonforce (hasta ahora conocidos únicamente por la aparición de su single "Through the Fire and Flames" en el Guitar Hero) despliegan todo un arsenal de pomposidad y virtuosismo para crear un álbum realmente espectacular, lleno de imaginación y recursos que consiguen revitalizar el sonido caduco del género. Uno de esos discos que combinan a la perfección el gancho de unas melodías y unos arreglos cien por cien ochenteros con el virtuosismo que Herman Li y Sam Totman, sus dos guitarristas, despliegan en los solos. Continúa siendo un misterio cómo una hora de heavy metal a toda pastilla puede hacerse tan digerible, pero los Dragonforce se las arreglan para que, incluso con una mala predisposición, acabemos disfrutando como adolescentes con sus cuentos de hadas y su pomposa grandilocuencia.
01 Heroes of Our Time 7:15
02 The Fire Still Burns 7:52
03 Reasons to Live 6:25
04 Heartbreak Armageddon 7:42
05 The Last Journey Home 8:15
06 A Flame for Freedom 5:20
07 Inside the Winter Storm 8:11
08 The Warrior's Side 7:14
Fecha de publicación: 9 de septiembre
Discográfica: Bobolink/Razor & Tie
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Rolling Stone 3/5
UNCUT 3/5
Casi un álbum en colaboración con Steve Earle, quien se ocupa de la producción, las voces y escribe tres de las canciones, Day After Tomorrow es, sin embargo, mucho más. Se trata de un disco en el que la artista folk más importante de la década de los 60 da rienda suelta a sus pasiones musicales, contando con gente como Tom Waits, Elvis Costello, T Bone Burnett, Patty Griffin, Thea Gilmore o el propio Steve Earle en la composición de unos temas que recuperan el sonido más auténtico de su música sin renunciar a los temas y la estética actuales. Grabado en la mítica ciudad de Nashville, Baez ha recurrido además a un grupo de músicos locales encabezado por Tim O'Brien y Darrell Scott (especialistas en cualquier instrumento con cuerdas), y que cuenta también con la presencia de Viktor Krauss y Kenny Malone, un clásico de la escena de Nashville, en la sección rítmica (bajo y batería, respectivamente). Todos estos elementos conforman un álbum a la antigua usanza, muy del gusto de lo que solía hacer Baez en los 60. Un CD que complacerá sus fans de siempre y en el que sus nuevos oyentes descubrirán una de las grandes voces de la música popular.
01 God Is God (Earle) 3:29
02 Rose of Sharon (Gilkyson) 3:34
03 Scarlet Tide (Burnett, Costello) 2:25
04 Day After Tomorrow (Brennan, Waits) 5:31
05 Henry Russell's Last Words (Jones) 3:37
06 I Am a Wanderer (Earle) 2:30
07 Mary (Griffin) 3:54
08 Requiem (Gilkyson) 3:55
09 The Lower Road (Gilmore) 4:11
10 Jericho Road (Earle) 3:29
Fecha de publicación: 19 de agosto
Discográfica: RED
Reseñas profesionales:
allmusic 3/5
Rolling Stone 4/5
UNCUT 4/5
Billboard
Pitchfork 5/10
PopMatters 8/10
SPIN 4/5
Épico, hímnico, onírico y preciosista, Forth es el primer trabajo de The Verve en más de una década. Pero escuchándolo, nada evidencia el paso de un periodo tan largo de tiempo. Aunque no es su mejor álbum, sin duda Forth sorprende por su consistencia e inspiración y por mostrar a una banda en un estado de forma magnífico. Urban Hymns (1997) fue la culminación de la primera etapa del grupo, un disco insuperable en todos los sentidos para Richard Ashcroft y compañía. Sin embargo, Forth abre la puerta de un nuevo periodo creativo para The Verve. Mientras que muchos de sus contemporáneos terminaron por sucumbir a sus propios días de gloria en los 90, The Verve optaron por desaparecer en el momento justo y durante once años para mantener intacta la frescura de su música y poder ahora deleitar a sus fans con una nueva ración de pop psicodélico e irresistiblemente atemporal. Y lo han conseguido (especialmente en la primera mitad del álbum). Aunque Ashcroft ni mucho menos había desaparecido de la escena musical en este tiempo (firmando tres discos de bastante interés), la vuelta de The Verve es, sin duda, uno de los acontecimientos musicales del año.
01 Sit and Wonder 6:52
02 Love Is Noise 5:29
03 Rather Be 5:38
04 Judas 6:18
05 Numbness 6:34
06 I See Houses 5:37
07 Noise Epic 8:13
08 Valium Skies 4:34
09 Columbo 7:30
10 Appalachian Springs 7:33
Fecha de publicación: 19 de agosto
Discográfica: Fueled by Ramen
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Rolling Stone 3/5
¡Socorro! Otra banda perteneciente a esa especie de religión adolescente llamada emo. Un género que por mucho que algunos se lo tomen tan en serio, fundamentalmente se basa en actualizar el rock independiente americano de los 80, dulcificándolo con melodías empalagosas y letras sensiblonas. The Academy Is... son uno más de sus representantes, aunque tal y como demuestran en Fast Times at Barrington High, son de los que mejor lo hacen. Su música es una perfecta mezcla de pop de instituto, rock indepndiente y punk noventero (a lo Green Day). Una irresistible combinación que cuenta con la inspirada mano de su líder, William Beckett, con las composiciones. Aunque el álbum tiene claramente dos caras (una primera mitad marcada por la inmediatez del punk pop más pegadizo y una segunda más sofisticada, que se desliza hacia un pop rock más cuidado), la consistencia de las melodías de Beckett otorga una insospechada coherencia al conjunto. El resultado de su buen hacer es uno de los mejores álbumes de los últimos años en el género, un sorprendente descubrimiento para muchos y una realidad dentro del panorama musical actual.
01 About a Girl 3:30
02 Summer Hair=Forever Young 3:38
03 His Girl Friday 3:40
04 The Test 3:29
05 Rumored Nights 3:44
06 Automatic Eyes 3:25
07 Crowded Room 3:07
08 Coppertone 3:18
09 After the Last Midtown Show 5:12
10 Beware! Cougar! 3:37
11 Paper Chase 3:29
12 One More Weekend 3:42
Fecha de publicación: 10 septiembre
Discográfica: Warner Bros.
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Rolling Stone 4/5
PopMatters 7/10
UNCUT 4/5
Veinte años después, la mejor banda de heavy metal de todos los tiempos vuelve a su mejor estado de forma con Death Magnetic, un CD que tiene una especial significación por varios motivos. En primer lugar, se trata del primer trabajo de la banda tras decepcionar a millones de fans con el flojo St. Anger. Además, supone el debut del todopoderoso productor Rick Rubin junto a la banda, con polémica sobre el excesivo volumen del CD incluida (al parecer suena mejor en la versión para el videojuego Guitar Hero) y es el primero en que el nuevo bajista, Robert Trujillo, figura como miembro permanente de la banda, colaborando en la composición de varios cortes. También es el primer álbum del grupo desde los años 80 en contar con un tema instrumental ("Suicide & Redemption") y el quinto que debuta en el número uno de Billboard, convirtiendo a Metallica en el único grupo en conseguir tal hazaña. Sin embargo, lo más importante es que aquí Metallica han dado marcha atrás al reloj y han vuelto a finales de los ochenta, justo antes de que dieran un giro de 180 grados a su carrera con Metallica. En Death Magnetic (un disco de casi una hora y cuarto de duración), regresan las canciones de más de siete minutos, los complejas estructuras compositivas y los vertiginosos cambios de tiempo. Metallica vuelven a sonar a Metallica. Naturalmente esto no supone (musicalmente hablando) un paso adelante en su carrera. Esto ya lo habían hecho, e incluso mejor, en los 80. Pero puede ser un buen punto de partida para afrontar una nueva etapa en la vida del grupo, una etapa en la que Kirk Hammett y compañía puedan explotar todo lo aprendido en los 90 siendo fieles a su sonido y personalidad originales. Por primera vez desde hace mucho tiempo, vuelve a merecer la pena (y mucho) escuchar un disco de Metallica.
01 That Was Just Your Life 7:08
02 The End of the Line 7:52
03 Broken, Beat & Scarred 6:25
04 The Day That Never Comes 7:56
05 All Nightmare Long 7:57
06 Cyanide 6:39
07 The Unforgiven III 7:46
08 The Judas Kiss 8:00
09 Suicide & Redemption 9:57
10 My Apocalypse 5:01
Fecha de publicación: 22 de julio
Discográfica: Mercury Nashville
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Billboard
PopMatters 7/10
Blender 3,5/5
El primer álbum de Sugarland como dúo no podía despejar cualquier tipo de duda sobre la continuidad del grupo de forma más convincente. Aunque la mano de Kristen Hall en la composición había desaparecido ya casi por completo en su anterior trabajo, Enjoy the Ride, la amplia experiencia de la cantautora era una de las garantías de calidad del trío. No obstante, Kristian Bush y Jennifer Nettles demuestran aquí que se bastan y se sobran para fabricar un álbum que contenga todos los elementos que han hecho de Sugarland una de las bandas con más tirón del country contemporáneo. Aunque su forma de componer no ha cambiado mucho con respecto a sus dos trabajos anteriores, aquí resulta más brillante que nunca. Lo que convierte a Love on the Inside en el mejor álbum de la banda hasta la fecha. Las canciones divierten, emocionan, sorprenden, se reinventan de forma inesperada y todo con una naturalidad casi artificial que permite al dúo dar rienda suelta a sus capacidades tal y como lo hacen en directo, su verdadera vocación. En cuanto a las letras, Love on the Inside nos propone un recorrido por distintas facetas del amor, un tema tan socorrido como trillado para un álbum en que, al fin y al cabo, esto no es lo que importa. Horas de disfrute aseguradas a base de un country popero y azucarado, ejecutado con pasión y maestría.
Fecha de publicación: 21 de julio
Discográfica: WEA
Reseñas profesionales:
UNCUT
Pitchfork 7/10
NME 8/10
Tras firmar uno de los discos más impersonales de su carrera con Riot City Blues, Bobby Gillespie vuelve a las andadas en el último trabajo de Primal Scream, Beautiful Future. Empeñado en demostrar una y otra vez al mundo que su creatividad no conoce límites, Gillespie ha embarcado esta vez en su proyecto a dos favoritos de la crítica, Björn Yttling y Paul Epworth, para producir un disco que se parezca más que Riot City Blues a lo que todo el mundo espera de Primal Scream. Aunque con algún tema de usar y tirar, como "The Glory of Love", y algún pretendido devaneo por el camino del ridículo como "Zombie Man", Beautiful Future cumple con las expectativas y satisface al oyente ávido de esa mezcla de rock & roll, electrónica y brit pop que ha hecho legendaria a la banda británica. Para los tres últimos cortes del álbum quedan las apariciones estelares. En primer lugar Lovefoxxx (de Cansei de Ser Sexy) en "I Love to Hurt (You Love to Be Hurt)", en segundo la legendaria cantante folk Linda Thompson en la excelente versión del clásico de Fleetwood Mac "Over & Over" y en tercero Josh Homme (de Queens of the Stone Age) en el corte final "Necro Hex Blues". El broche de oro a una nueva pequeña joya en la discografía más genial e inconsistente del pop británico.
01 Beautiful Future 5:09
02 Can't Go Back 3:44
03 Uptown 4:50
04 The Glory of Love 3:11
05 Suicide Bomb 5:51
06 Zombie Man 3:37
07 Beautiful Summer 4:43
08 I Love to Hurt (You Love to Be Hurt) 4:32
09 Over and Over 4:33
10 Necro Hex Blues 3:34
Aunque muchas veces se les compara con coetáneos como Raspberries o Badfinger, Big Star fueron mucho más que una banda revival del pop sesentero. No sólo su sonido se probaría después mucho más influyente que el de aquéllos, sino que la genialidad de sus componentes, especialmente de los irreconciliables Chris Bell y Alex Chilton, les colocaría ya por entonces un paso por delante de muchas de las grandes bandas de la época. Eso sería después, pero ya en su primer LP, #1 Record, resulta evidente el magnetismo de su música (una rápida escucha a "The Ballad of El Goodo" basta para comprobarlo). Su melancólica y bellísima revisión del pop inglés de la década anterior, plagada de melodías preciosistas, guitarras cristalinas y adolescente ingenuidad, es el espejo en el que se mirarían años después algunos grandes de la escena alternativa como R.E.M. o the Replacements. Por no hablar de otros célebres deudores de su legado como Pixies o The La's. Además, Big Star son los padrinos del power pop americano, que tanto éxito conocerá algunos años más tarde con bandas como Cheap Trick o the Knack. Afortunadamente, hoy nos queda algo mucho más importante que todo eso y son sus canciones. Unas viejas tonadas que tal y como suenan podrían haber sido grabadas igualmente en 1965 que en 2008. No se puede decir que fueran un grupo con estrella, la verdad, pero su música, aunque sepultada por las constantes peleas entre los miembros del grupo y la incompetencia de los directivos de su compañía discográfica, sigue resplandeciendo cada vez que alguien tiene la suerte de escuchar uno de sus discos.
01 Feel 3:34
02 The Ballad of el Goodo 4:21
03 In the Street 2:55
04 Thirteen 2:34
05 Don't Lie to Me 3:07
06 The India Song 2:20
07 When My Baby's Beside Me 3:23
08 My Life Is Right 3:08
09 Give Me Another Chance 3:27
10 Try Again 3:31
11 Watch the Sunrise 3:45
12 ST100/6 0:57
Fecha de publicación: 16 de junio
Discográfica: Sub Pop
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Rolling Stone 3,5/5
Pitchfork 7,7/10
PopMatters 7/10
SPIN 3,5/5
BLENDER 4/5
Una vez más, el no tan independiente sello de Seattle Sub Pop acude en nuestro auxilio para salvar lo poco que queda hoy del pop valiente y de calidad. Con esta son ya tres las ocasiones en que lo han conseguido este año, tras haber scado al mercado dos de los mejores álbumes de lo que llevamos de 2008 (The Lucky Ones, de Mudhoney y Nouns, el contundente debut de No Age). Esta vez lo hacen con el esperadísimo (y, sorprendentemente, nada decepcionante) segundo CD de los canadienses Wolf Parade. Aunque menos directo que su primer trabajo, el también espléndido Apologies to the Queen Mary, este At Mount Zoomer, que toma su nombre del estudio en que ha sido grabado, propiedad de Arlen Thompson (batería del grupo y productor de este disco), es otro excelente ejemplo de que esta joven banda está por encima de la mayoría de sus contemporáneos, Arcade Fire incluidos. Sus canciones se han tornado caóticas, sí, pero en vez de resultar tediosas o exigirnos demasiadas escuchas, consiguen sorprender a cada momento, algo difícil de conseguir (especialmente con oyentes tan impacientes como quien escribe). Incluso en los temas más largos, como el que pone fin al álbum, "Kissing the Beehive", los canadienses se las arreglan para mantener el interés de principio a fin. En definitiva, un trabajo extraordinario, de los que nunca cansan, porque siempre tienen algo nuevo que ofrecer. No importa las veces que volvamos a él. Habrá que ir quedándose con el nombre de esta banda, se lo han ganado.
01 Soldier's Grin 4:37
02 Call It a Ritual 2:45
03 Language City 5:02
04 Bang Your Drum 3:10
05 California Dreamer 6:00
06 The Grey Estates 3:26
07 Fine Young Cannibals 6:31
08 An Animal in Your Care 4:19
09 Kissing the Beehive 10:52
La combinación de tres talentos tan dispares a la par que extraordinarios como los de Meat Loaf, Todd Rundgren y Jim Steinman sólo podía deparar (lo sabemos por experiencia) dos cosas: un completo desastre o una obra maestra. Afortunada y casi milagrosamente ocurrió lo segundo y el resultado de tan pintoresca colaboración, Bat Out of Hell, se ha convertido en uno de los álbumes clásicos de la historia del rock. Su irrepetible combinación de pomposidad, adrenalina, grandilocuencia y viejo espíritu rockanrolero, lo convierten en un extraño especímen cuyo sonido homenajea y parodia al tiempo desde los Queen de A Night at the Opera hasta los primeros Genesis, pasando por el Elton John de Captain Fantastic o el mismísimo Bruce Springsteen. Puede que sus canciones hablen sobre temas tan trillados como estúpidos en muchos casos, pero consiguen atraparte por completo. Evidentemente se trata de un álbum en que lo importante no es el mensaje, sino la apariencia. Visto así, tanto el trabajo de Rundgren en la producción como el de Steinman a la hora de componer esta "ópera adolescente" encuentran su verdadero sentido. Especialmente el del primero. Como más adelante se demostraría, fue quien hizo de Bat out of Hell un disco realmente único. Ni siquiera su secuela de 1993, Back Into Hell consiguió igualarlo, aunque se quedase mucho más cerca que la flojísima tercera que parte que salió al mercado hace un par de años con el título The Monster Is Loose. Bat Out of Hell es un género en sí mismo y, sin duda, la mejor grabación del grandullón Meat Loaf.
1 Bat out of Hell 9:52
2 You Took the Words Right Out of My Mouth (Hot Summer Night) 5:04
3 Heaven Can Wait 4:41
4 All Revved Up With No Place to Go 4:21
5 Two Out of Three Ain't Bad 5:26
6 Paradise by the Dashboard Light 8:29
7 For Crying out Loud 8:44
Qué es: tres dispositivos independientes que podemos conectar al ordenador portátil a través de USB para realizar de forma sencilla las funciones básicas de cualquier estudio de grabación a pequeña escala.
Por qué merece la pena: principalmente por su reducido tamaño. Sus prestaciones son limitadas: el nanoKEY es un teclado de 25 notas sensibles a la velocidad, el nanoKONTROL es una minimezcladora con 9 faders y diales, 18 interruptores y controles de reproducción y el nanoPAD es un dispositivo que incluye 12 pads y un trackpad.
Precio/disponibilidad: todavía no se han anunciado.
Una pega: en espera de conocer su precio, el principal déficit del equipo está en sus limitaciones técnicas de cara a los músicos profesionales.
Qué es: El A.M.P. es un equipo de música robotizado, capaz de bailar al ritmo de la música y seguirnos allá donde vayamos.
Por qué merece la pena: alcanza una potencia de salida de 12 vatios, repartidos entre sus tres altavoces. Utiliza 6 pilas D y 3 AAA, con una autonomía de hasta 10 horas. Además incluye una serie de sensores que impiden que choque con los objetos o se caiga y emplea una tecnología similar a la de los Segway para mantenerse de pie sobre dos ruedas.
Precio/disponibilidad: cuesta 320€, aunque no estará disponible hasta octubre y sólo en Estados Unidos y Japón.
Una pega: no incluye memoria interna, así que requiere disponer de un reproductor de MP3 que poder conectarle. Por no hablar de lo aparatoso de su tamaño.
Roy Wood es una de las figuras más extraordinarias del rock. Fue el principal inspirador de dos de los grupos más irresistibles del pop inglés, the Move primero y Electric Light Orchestra después (con los que sólo llegó a grabar un álbum). Aunque luego creó otra banda, Wizzard, que gozó de limitado éxito y terminó disolviéndose, a partir del 73 emprendió una singular y excéntrica (como no podía ser de otra manera para el inglés) carrera en solitario. Boulders es su debut discográfico como Roy Wood y eso se nota. Es más él que nunca. Curiosamente eso le lleva a cumplir esa máxima con la que se bautizó a ELO (retomarlo donde "I'm the Walrus" lo dejó), con más efectividad y convicción que nunca. Buolders es todo extravagancia, exageración, parodia de sí mismo (y de los demás) y encantador melodicismo. La portada engaña, este es un disco cargadísimo de color. En él se encuentran desde el Paul McCartney de Ram y el Todd Rundgren de A Wizard, a True Star hasta el humor absurdo y el folclorismo ingleses, pasando por la siempre presente excentricidad en la exploración de los límites del pop. Musicalmente, Wood lo abarca casi todo, desde la música clásica más grandilocuente hasta la tonada folk más campestre incluso dentro de una misma canción (sin cortarse un pelo). Naturalmente, nada tendría aquí sentido sin que la propia personalidad de este grandioso artista y sus milagrosas melodías (de ésas que no se te van de la cabeza) actuasen como un sólido cemento que lo unifica todo y le da una consistencia increíble. Un trabajo mortal, uno de los discos más geniales de la historia (y de los más divertidos).
01 Songs of Praise 4:40
02 Wake Up 3:19
03 Rock Down Low 3:52
04 Nancy Sing Me a Song 3:28
05 Dear Elaine 4:09
06 Medley: All the Way over the Hill/Irish Loafer (And His Hen) 4:49
07 Miss Clarke and the Computer 4:20
08 When Gran'ma Plays the Banjo 3:13
09 Rock Medley: Rockin' Shoes/She's Too Good for Me/Locomotive 7:31
Se llaman the Trons y ya tienen miles de fans en la red. El videoclip de su primer single no quedará para la historia, la verdad, pero en cuanto prescindan de la tabla de planchar para sujetar el teclado, seguro que su doble ataque guitarrero y su propulsiva batería les llevan al número 1 de las listas. (Se rumorea que el cantante no pertenece a este mundo).
Este año se cumplen quince de la salida al mercado de uno de los álbumes clásicos del rock independiente de los 90, Exile in Guyville. Para celebrarlo, se reeditará la semana que viene una edición especial del disco y su autora, Liz Phair, emprenderá una breve gira acústica por Estados Unidos en la que tocará los temas de este su trabajo más alabado. Además, la cantante ha producido y dirigido un documental en el que repasa el proceso de creación del LP, y cuyo trailer ya podemos ver a través de YouTube.
Coldplay nunca han sido un grupo muy original. Radiohead, U2, Echo & the Bunnymen, Kraftwerk, son sólo algunas de las bandas de las que Chris Martin y los suyos han bebido algo más de la cuenta. La última en sumarse a la lista podría ser Creaky Boards, una desconocida banda indie de Brooklyn que dice haber compuesto una melodía similar a la el tema "Viva la vida", perteneciente al homónimo LP de los británicos, publicado hoy mismo.
El caso es curioso porque los neoyorquinos han colgado incluso un vídeo en YouTube donde comparan las dos melodías y ofrecen a Chris Martin una colaboración con su banda. El cachondeo va más allá, ya que el tema supuestamente original se titula "The Songs I Didn’t Write" (las canciones que no escribí). Aunque los Creaky Boards alegan que vieron a Martin en uno de sus conciertos en octubre de 2007 (Coldplay no han tardado en decir que la demo de "Viva la vida" es de marzo), todo huele (sea cierto o no) a campaña de promoción.
También ha habido quienes han querido ver demasiado parecido entre el tema "California", de Phantom Planet (de la banda sonora de la serie OC) y "Violet Hill", el primer single de Viva la vida. En cualquiera de los casos, no creo que tenga nada de malo. Son célebres los "préstamos" que otras bandas se tomaron la libertad de tomar de sus artistas favoritos, como el caso de Led Zeppelin con Willie Dixon.
Fecha de publicación: 17 de junio
Discográfica: Capitol
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
UNCUT 3/5
Rolling Stone 3,5/5
Pitchfork 6,5/10
PopMatters 7/10
liveDaily
Unos días después de la salida al mercado de X&Y (2005), Chris Martin anunció que el siguiente álbum de Coldplay sería poco menos que lo más increíble que se hubiera escuchado nunca. Mucho después supimos que Brian Eno se encargaría de la producción y según se aproximaba la fecha para el lanzamiento de Viva la vida, la expectación crecía y crecía. Con bastante anticipación se anunció el desconcertante título que llevaría el disco (tomado de un cuadro de Frida Kahlo), así como la imagen de la portada (la famosa obra de Delacroix). Parecía que, una vez más, Colplay buscaban enmascarar en la grandilocuencia sus carencias como grupo. Ciertamente no han abandonado esa épica un tanto hueca que adorna habitualmente sus composiciones, pero la mano de Brian Eno ha contribuido decisivamente a que Viva la vida, sin llegar a ser el gran disco que muchos esperaban, sea lo mejor de los ingleses hasta la fecha. Donde antes había gancho fácil, melodías grandilocuentes y letras inanes, ahora hay un torrente sonoro portentoso (marca de la casa Eno) y unas necesarias a la par que obsesivas letras. Aunque a Colplay siempre les faltará la guitarra de The Edge, la ambición de Radiohead y el dramatismo de Echo & the Bunnymen, con Viva la vida han conseguido ganar un punto de respetabilidad entre muchos de los críticos con su trabajo y evolucionar (paso a paso y con mucha calma) hacia una incipiente madurez que promete grandes momentos en un futuro más o menos próximo (todavía les queda, por ejemplo, coger el punto a las composiciones de más de cinco minutos). Por ahora nos conformaremos con este trabajado, tétrico, vigoroso y emocionante Viva la vida.
01 Life in Technicolor 2:29
02 Cemeteries of London 3:21
03 Lost! 3:55
04 42 3:57
05 Lovers in Japan/Reign of Love 6:51
06 Yes 7:06
07 Viva la Vida 4:01
08 Violet Hill 3:42
09 Strawberry Swing 4:09
10 Death and All His Friends 6:18
Pues a buenas horas nos enteramos. El líder de los Sex Pistols, hasta ahora una de las bandas míticas del punk británico con su Never Mind the Bollocks Here's the Sex Pistols, ha declarado no sentirse identificado con el término tras bajarse del escenario del festival Isle Of Wight en el que el grupo participó ayer.
Para Lydon se trata de una etiqueta que la prensa colocó a la banda y afirma rechazarlo "amargamente". En declaraciones a la emisora Virgin Radio, el cantante aprovechó además para criticar la política del ex primer ministro Tony Blair, a quien calificó de "perro faldero" de George Bush.
Aunque Lydon se confiesa anti-Bush, "como todos los americanos decentes", no cree ser anti-americano, de hecho reside actualmente en los Estados Unidos de forma permanente.
En cualquiera de los casos, la música y la actitud de los Sex Pistols representaron un cambio fundamental en la historia de la música popular, dando pie a toda una serie de tendencias musicales que iban más allá del mainstream. Supusieron el germen de la música independiente.
Se trata, por tanto, más bien de un problema semántico, ya que 'punk' ha pasado a designar una forma de ver la vida completamente independiente del género musical en el que se suele enmarcar a los Sex Pistols. Llámese punk o no, lo cierto es que su influencia supera todas las etiquetas.
Qué es: un exclusivo (y carísimo) equipo estéreo fabricado por la firma alemana Steinway & Sons (sí, la de los pianos) en colaboración con la marca danesa especializada en tecnología de alta fidelidad Lyngdorf.
Por qué merece la pena: su trabajada tecnología incorpora a las dos cajas acústicas (construidas a mano) la capacidad de reproducir los timbres naturales de la música a través de un complejo sistema de amplificación digital. Además, la tecnología RoomPerfect permite adaptar de forma específica el dispositivo a cualquier habitación (función que tienen que realizar los propios técnicos de Steinway cuando se adquiere el aparato).
Precio/disponibilidad: está disponible desde el año pasado y cuesta unos 100.000€.
Una pega: que nuestro bolsillo esté aún peor preparado que nuestro oído para poder disfrutarlo.
Grabado a lo largo de casi siete años, el debut en solitario del mediano de los hermanos Wilson (the Beach Boys) es también el último álbum que pudo completar antes de su prematura muerte en 1983, mientras preparaba el que iba ser su segundo LP, Bamboo. Pacific Ocean Blue viene a confirmar el extraordinario progreso de Wilson como compositor. Se trata del primer álbum para el que compone todas las canciones (aunque algunos de sus temas con los Beach Boys ya habían tenido bastante éxito), lo cual le permite exprimir al máximo sus capacidades, poner a prueba todo lo aprendido en el estudio en los años anteriores y experimentar libremente con influencias del gospel y el R&B. El resultado no es sólo un disco extraordinario y todo un clásico del pop de la época sino una auténtica caja de sorpresas para quienes no hayan tenido la oportunidad de escucharlo (ha estado descatalogado durante más de una década, aunque acaba de reeditarse). Porque por encima del torrente de efectos sonoros propios de la marca Wilson, destacan un puñado de canciones impecables, desde la portentosa "River Song", que abre el disco, hasta la compleja balada "End of the Show", pasando por el hit "Dreamer" y la sentida "Farewell My Friend".
01 River Song 3:44
02 What's Wrong 2:22
03 Moonshine 2:27
04 Friday Night 3:09
05 Dreamer 4:22
06 Thoughts of You 3:02
07 Time 3:31
08 You and I 3:25
09 Pacific Ocean Blues 2:39
10 Farewell My Friend 2:26
11 Rainbows 2:55
12 End of the Show 2:55
Fecha de publicación: 27 de mayo
Discográfica: New West
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
PopMatters 7/10
Veinte años después de su último gran disco, Slow Turning (1988), John Hiatt ha conseguido superar el modelo "colección de canciones" que ha impregnado sus últimos trabajos, para ir , de nuevo, un paso más allá. Grabado en el estudio que el artista tiene en su casa y acompañado únicamente por Luther Dickinson (guitarra y mandolina), Patrick O'Hearn (bajo) y Kenneth Blevins (batería), el álbum destila la sencillez del heartland rock más clásico sin renunciar a la calidad de unas canciones confeccionadas con la sabiduría que dan años de profesión. Hiatt ha compuesto canciones para una lista casi interminable de primeros nombres de la música americana (consultar Wikipedia para más datos), amén de atesorar casi una veintena de títulos en solitario. Sin embargo, Same Old Man evidencia que la música no es una rutina para Hiatt. Después de tanto tiempo, su siempre bienvenida música (que tan pronto tira hacia el country como hacia hacia el blues y siempre hacia la excelencia), llena de verdad pero ejecutada con un estilo irresistible, del que no cansa nunca, sigue perfilando el impecable legado de un artista que no siempre ha gozado del reconocimiento que merece.
01 Old Days 4:04
02 Love You Again 4:13
03 On with You 3:53
04 Hurt My Baby 4:34
05 What Love Can Do 4:13
06 Ride My Pony 3:40
07 Cherry Red 4:10
08 Our Time 4:09
09 Two Hearts 4:19
10 Same Old Man 4:04
11 Let's Give This Love a Try 4:11
Qué es: Emanate es un curioso altavoz estéreo en forma de cubo, especialmente diseñado para su utilización en exteriores, ya que protege nuestro reproductor MP3 o iPod del agua y no tiene cables.
Por qué merece la pena: el dispositivo incluye un dock para iPod y adaptador para cualquier reproductor MP3, alcanza las 8 horas de autonomía, incluye un control remoto para el iPod y permite además su recarga.
Precio/disponibilidad: el precio es de 122€ y se puede adquirir en la página de Grundig.
Una pega: como en todo este tipo de gadgets, su uso está especialmente pensado para el verano. Salvo que tengamos una piscina y hagamos muchas fiestas en ella, no parece rentable.
Fecha de publicación: 13 de mayo
Discográfica: New West
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Billboard
PopMatters 7/10
Rolling Stone 3,5/5
Eso que llaman country alternativo y los discos y grupos que se suelen incluir en la categoría, conforman uno de los valores más seguros de la música actual. Mientras que la decadencia toma asiento cada vez en más ámbitos (también musicales), bandas como Great Lakes Myth Society, Blue Rodeo o los propios Wilco, nos han demostrado que hay un resquicio por el que salvar el pop. Old 97's no son nuevos en esto, llevan desde mediados de los 90 dando ejemplo con su entrañable mezcolanza de pop británico sesentero y auténtico country americano. Curiosamente fue en 1997 cuando editaron su obra maestra, Too Far to Care, una exuberante y adictiva colección de melodías y arreglos evocadores y con mucho gancho. Y no ha sido hasta 2008 cuando han igualado (si no superado) esa marca. En Blame It on Gravity, la inspiración de Rhett Miller y compañía fluye como nunca. Las canciones de arreglos imaginativos y melodías irrepetibles, de ésas que parecen haber existido siempre, se suceden unas a otras casi sin tiempo para disfrutarlas. Hay tantas cosas buenas en estos trece temas que merece la pena darle más de una pasada al disco y tomárselo con tranquilidad, porque es de los que dan mucho de sí. Puede que detrás de esa fachada colorista y soleada (como la portada, vamos) no se escondan grandes revelaciones metafísicas ni historias acerca de las que reflexionar, sino simples historietas de tebeo, surrealistas unas, adolescentes otras y ocurrentes todas. Pero ese espíritu "de usar y tirar", para pasar el rato, las hace todavía más entrañables y perfectas para el mitad psicodélico, mitad peli del oeste, despliegue sonoro. Muy recomendable e imprescindible para nostálgicos de los Beatles y de Johnny Cash.
01 The Fool 4:16
02 Dance with Me 2:39
03 No Baby I 3:32
04 My Two Feet 3:27
05 Ride 3:30
06 She Loves the Sunset 2:37
07 This Beautiful Thing 3:06
08 I Will Remain 3:11
09 Early Morning 2:50
10 The Easy Way 4:26
11 Here's to the Halcyon 2:46
12 Color of a Lonely Heart Is Blue 5:51
13 The One 4:06
Fecha de publicación: 20 de mayo
Discográfica: Sub Pop
Reseñas profesionales:
allmuic 4/5
Billboard
Pitchfork 7,2/10
PopMatters 6/10
Lo último de una de las bandas pioneras de aquél sonido salido de Seattle y que mezclaba a partes iguales el punk y el heavy metal (el grunge) sorprende por su eficacia y su frescura, aunque Mudhoney sean poco menos que una reliquia de aquella época (no en vano ostentan, aunque sea con resignación, el título de "la última banda grunge viva"). Desde sus enérgicos inicios hasta sus comprometidas últimas canciones, pasando por sus devaneos instrumentales varios, la banda de Mark Arm ha sabido mantener el tipo con el paso de los años siempre desde una perspectiva personal e intransferible. Se han convertido en los "padrinos del grunge" (una consideración más que discutible) a base de hacerlo a su manera y no seguir la estela de nadie. Eso les ha salvado de la quema, pero les ha privado del protagonismo de los Pearl Jam, Soundgarden o Nirvana ("los afortunados tienen suerte de no estar ya por aquí", canta Arm con tristeza en el tema que título al álbum). Sin embargo, sus fans vuelven a estar de enhorabuena con The Lucky Ones. Mudhoney siguen tocando como si fueran unos chavales recién reunidos en el garaje de casa, pero con la ventaja de haber hecho callo a base de giras. No van a cambiar el mundo (ni siquiera lo pretenden), van a lo suyo sin importar modas o listas de ventas. Pero lo hacen genial.
01 I'm Now 2:40
02 Inside Out Over You 3:25
03 The Lucky Ones 4:52
04 Next Time 3:01
05 And the Shimmering Light 3:05
06 The Open Mind 2:26
07 What's This Thing? 2:53
08 Running Out 3:28
09 Tales of Terror 3:17
10 We Are Rising 4:30
11 New Meaning 2:39
Fecha de publicación: 6 de mayo
Discográfica: Sony
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Billboard
Blender 4/5
PopMatters 8/10
SPIN 3/5
Tras liderar a los Wallflowers durante casi dos décadas, Jakob Dylan se decide finalmente a emprender su carrera en solitario con Seeing Things, un álbum en el que el cantautor no abandona la estética rural y polvorienta de su banda, pero sí se acerca a ella desde una perspectiva completamente nueva. Tocando con versatilidad todos los palos de su amplio repertorio, fuertemente imbuido de la tradición musical popular americana, Seeing Things es uno de los trabajos más sencillos y personales de su carrera. Compuesto por diez temas acústicos, tocados y cantados con tranquila urgencia y soberbiamente construidos, Seeing Things es un más que convincente debut. Dylan luce con humildad sus más que competentes capacidades como músico, mientras nos cuenta las canciones con un susurro en el que casi molestan los pocos acordes de guitarra eléctrica que se cuelan en "I Told You I Couldn't Stop". La atmósfera íntima y familiar se mantiene, melancólica y ensoñadora, a lo largo de todo el álbum, un trabajo hábilmente producido por el célebre Rick Rubin (Public Enemy, Red Hot Chili Peppers, Tom Petty...), quien parece empeñado en que su labor pase lo más desapercibida posible (y lo consigue). El resultado son casi cuarenta minutos de travesía río arriba que nos deja ese regusto inconfundible de la buena música.
01 Evil Is Alive and Well 3:56
02 Valley of the Low Sun 3:57
03 All Day and All Night 3:28
04 Everybody Pays as They Go 3:00
05 Will It Grow 4:49
06 I Told You I Couldn't Stop 4:14
07 War Is Kind 3:08
08 Something Good This Way Comes 3:39
09 On Up the Mountain 3:45
10 This End of the Telescope 3:59
La famosa guitarra a la que Hendrix prendió fuego tras su concierto del 31 de marzo de 1967 en el London Astoria saldrá a subasta este verano. Se trata de una Fender Stratocaster del 65 que ha permanecido en un almacén durante los últimos 40 años.
Los organizadores de la subasta esperan recaudar unos 300.000€ con el instrumento, que podrá admirarse en la portada del próximo número de la revista Guitar And Bass Magazine (sale el 20 de junio), que incluye una entrevista con Tony Garland, el primer manager de Hendrix.
Qué es: un llamativo MP3 con forma de huevo y un mando a distancia que permite controlar todas sus características a distancia desarrollado por la empresa china CN0755.
Por qué merece la pena: reproduce MP3 y WMA, tiene 7 modos de ecualización, ocho idiomas disponibles y, gracias al sistema Synchronous Lyric Display, permite visualizar las letras de las canciones. También incorpora transmisor de radio FM, batería recargable y conexión USB.
Precio/disponibilidad: el precio varía según la capacidad (que va de 128 MB hasta 4 GB). La versión de 1 GB cuesta unos 30€ y está disponible en DealExtreme.
Una pega: lo peor del invento es su decoración (baste decir que el de la foto es el más discreto de la gama).
Seconds of Pleasure es una de las obras maestras de la new wave. A finales de los 70, en un momento de cambio, en el que se estaba gestando un nuevo panorama musical, el rock clasicista de Rockpile parecía no tener mucho que decir. Sin embargo, impulsados por la visión de Nick Lowe y por el purismo rockanrolero de Dave Edmunds, la banda grabó uno de los álbumes más excitantes de aquellos años. Fue su único LP como Rockpile (aunque la misma banda grabó varios de los discos de Lowe y Edmunds en solitario). Pero la culpa de que este álbum sea la excepcional grabación que es hay que repartirla entre los cuatro miembros del grupo. Por un lado, el rigor historicista de Edmunds dota de entidad y enjundia al conjunto, evidenciando tratarse de la obra de unos consumados músicos, curtidos en casi todo tipo de músicas populares, desde el blues hasta el rockabilly y el country. Por otro, la inmensa capacidad como compositor de Lowe otorga al disco un irresistible encanto pop que lo hace inagotablemente escuchable. Pero por otro, el trabajo "en la sombra" tanto del guitarrista Billy Bremner como del batería Terry Williams es en todo momento extraordinario e imprescindible, ya sea dando la réplica guitarrera a Edmunds en "(You Ain't Nothing but) Fine, Fine, Fine" en el caso del primero o ayudando a Lowe a propulsar el ritmo endiablado de "If Sugar Was as Sweet as You" en el del segundo. Aunque hoy en día este álbum sea cruelmente ignorado en ocasiones, en su momento fue uno de los lanzamientos más esperados del año, aunque luego decepcionara a algunos por su exceso de caramelizante. El tiempo, sin embargo, ha dado la razón al grupo y hoy sus canciones suenan tan frescas y enérgicas como entonces, haciendo de cada nueva escucha una auténtica celebración del verdadero rock & roll. Uno de los que no pueden faltar en la colección de ningún melómano.
01 Teacher Teacher 2:35
02 If Sugar Was as Sweet as You 2:34
03 Heart 2:37
04 Now and Always 1:57
05 A Knife and a Fork 3:11
06 Play That Fast Thing (One More Time) 4:12
07 Wrong Again (Let's Face It) 2:22
08 Pet You and Hold You 3:11
09 Oh What a Thrill 3:06
10 When I Write the Book 3:17
11 Fool Too Long 2:51
12 (You Ain't Nothing but) Fine, Fine, Fine 2:52
13 Take a Message to Mary 2:27
14 Crying in the Rain 2:04
15 Poor Jenny 2:27
16 When Will I Be Loved? 2:13
Qué es: el SKDubs Gold es una exclusiva caja acústica en forma de contrabajo que combina música y escultura de forma exquisita. Se trata de un diseño del artista David Ellis destinado a coleccionistas.
Por qué merece la pena: más allá de su diseño, este lujoso gadget presenta unas características técnicas dignas de su exclusividad. Se trata de un sistema estéreo con cuatro altavoces para cada canal equipado con dos tubos de preamplificación, un amplificador de potencia Crown y un ecualizador Behringer.
Precio/disponibilidad: cuesta 9.640€, pero sólo se han fabricado tres unidades.
Una pega: a parte de las evidentes, no tiene tacha. Incluso trae de regalo un iPod.
El pasado 6 de junio, en una actuación en el Mallihide Castle (Dublín), Thom Yorke interpretó al piano un tema inédito titulado "Super Collider" (al parecer en referencia a un lenguaje de programación utilizado en la edición de sonido) y la grabación ya ha llegado al famoso portal. El ángulo no es el mejor pero el sonido es bastante decente para tratarse de una grabación casera en medio del griterío propio de este tipo de eventos. Una nueva demostración de que Radiohead (y especialmente Yorke) están viviendo una fructífera etapa creativa.
Fecha de publicación: 6 de mayo
Discográfica: Sub Pop
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Pitchfork 9,2/10
Billboard
UNCUT 4/5
Spin 4/5
Rolling Stone 4,5/5
Blender 3,5/5
Nouns es la puesta de largo de este dúo californiano tras el recopilatorio de sus primeros singles Weirdo Rippers. Apenas media hora de una insana mezcla de estrangulación de guitarra y aporreo de batería a la que, sin embargo, Dean Spunt (batería y voz) y Randy Randall (guitarra) saben sacar mucho partido. Trabajando sobre la base de la larga tradición del noise rock y la lo-fi, especialmente de los años 90, No Age consiguen ir más allá de la estética y ofrecer un álbum reconfortante y adictvo. La primera impresión no es agradable, seguro, pero más allá de la pretendida suciedad que destilan sus instrumentos, se esconden (aunque no siempre, es verdad) unas melodías cautivadoras, llenas de ritmo y gancho, que han catapultado a esta peculiar pareja artística, en el sentido más amplio de la expresión (también hacen videoarte, performance, exposiciones...), a las páginas de todas las grandes revistas especializadas. Puede que les haya ayudado esa etiqueta de cool, en parte buscada y en parte atribuida, que hoy transforma todo lo que toca en un éxito entre los "entendidos" (no hay más que ver la nota que les dan en la revista Pitchfork, la misma que pone verdes a Weezer), pero no cabe duda de que su música merece una mención.
01 Miner 1:50
02 Eraser 2:40
03 Teen Creeps 3:25
04 Things I Did When I Was Dead 2:27
05 Cappo 2:42
06 Keechie 3:27
07 Sleeper Hold 2:26
08 Errand Boy 2:41
09 Here Shold Be My Home 2:03
10 Impossible Bouquet 2:09
11 Ripped Knees 2:53
12 Brain Burner 1:51
Los archivos de la BBC son una de las mayores minas de tesoros musicales del mundo. Por sus estudios han pasado algunos de los grupos y solistas más importantes de la historia del rock. Y, aunque mucho de ese material ha sido ya publicado (las BBC Sessions o Live at the BBC son un ejemplo), los cajones de sus almacenes siguen repletos de grabaciones inéditas de artistas de la talla de David Bowie o Pink Floyd.
En 2005 el gigante audiovisual inglés ya firmó un acuerdo con Universal Music para publicar parte de ese material inédito. La discográfica optó por distribuirlo internacionalmente en numerosos productos (en DVD, como bonus en reediciones, etc.). Algo así podría ocurrir ahora pero con EMI. La compañía británica ha llegado a un acuerdo con la cadena pública para publicar material de los artistas vinculados a su discográfica.
Seguiremos, por tanto, sin conocer la totalidad de los "archivos secretos" de la BBC, pero tampoco es un mal acuerdo teniendo en cuenta que entre los artistas involucrados estarían algunas de las voces más populares de la música británica, como los citados Pink Floyd y David Bowie, Queen, Paul McCartney o Coldplay. Seguramente la estrategia de EMI pase también por incluir los nuevos temas en recopilatorios, reediciones y DVD especiales, aunque también cabe la posibilidad de que opten por algún tipo de lanzamiento en digital.
Qué es: un reproductor MP3 de tamaño reducido que nos permite nadar y practicar otros deportes acuáticos hasta 3 metros de profundidad escuchando nuestras canciones favoritas.
Por qué merece la pena: la única característica que lo diferencia de otros modelos similares es el tamaño, en principio más reducido (existen dispositivos para poder sumergir el iPod más pequeños, aunque requieren unos cascos resistentes al agua). La capacidad es de 1GB (250 MP3/500 WMA) y cuenta con una autonomía de hasta 15 horas proporcionada por una pequeña batería. Además flota, lo cual facilita que no lo perdamos aunque se nos caiga.
Precio/disponibilidad: cuesta 100€ y podemos comprarlo ya mismo en la web del fabricante.
Una pega: salvo que le demos un uso constante, no parece una buena inversión.
Tras algunos titubeos (primero dejaron sólo dos temas), los islandeses de Sigur Rós se han lanzado a colgar el último trabajo de la banda en su página web. Með suð í eyrum við spilum endalaust (o algo así) sale oficialmente a la venta el próximo 23 de junio, pero gracias a la red podemos escucharlo con un simple clic.
Y si un disco entero es demasiado Sigur Rós para vosotros (lo cual es perfectamente comprensible), aquí os dejo este vídeo. Es parte de un documental rodado este mismo año en el que la banda interpreta una versión acústica del tema "Njósnavélin".
Fecha de publicación: 2 de junio
Discográfica: Island
Reseñas profesionales:
Uncut 4/5
La última creación del otrora padrino del mod, Paul Weller, es uno de sus trabajos más impenetrables y personales. Sus casi 70 minutos de duración dan para mucho y Weller apuesta descaradamente por hacer un álbum definitivo, en el que quepa todo, tanto lo que ya habíamos oído antes ("Push it Along") como lo que no ("Song for Alice"). En la línea de los White Album, Sign 'O' the Times y demás dobles históricos, Weller persigue encarnar una desacomplejada (y bastante desconcertante) experimentación y un inspirado repertorio en un trabajo compacto y brillante. Y lo consigue. Aunque su amplísimo espectro musical pueda sorprender de entrada (sobre todo a quienes esperasen una segunda parte de As Is Now, su rockero último CD) el mágico y ciertamente onírico jardín en el que se ha metido el ex the Jam aquí termina atrapando al oyente de forma inevitable. Es exageradamente ecléctico, deslavazado, caótico, cuesta seguirlo, pero la belleza de las composiciones de Weller se impone a todo lo que hace de 22 Dreams un disco difícil, transformándolo en un nuevo universo sonoro para sus seguidores, del mismo modo que lo es también para su propio autor. Las colaboraciones de gente tan variopinta como Noel Gallagher y Gem Archer ("Echoes Round the Sun", el primer single), John McCusker ("Light Nights"), Little Barrie ("22 Dreams"), Graham Coxon ("Black River") o Aziz Ibrahim sólo contribuyen a enfatizar ese efecto caleidoscópico que transmite el álbum. Si no su mejor disco, al menos sí el más arriesgado y auténtico. Su cálida recepción en las listas de ventas lo confirma y el tiempo le concederá aún mejor consideración dentro del impresionante repertorio de Weller.
01 Light Nights 3:46
02 22 Dreams 2:50
03 All I Wanna Do (Is Be With You) 4:37
04 Have You Made Up Your Mind 3:17
05 Empty Ring 3:05
06 Invisible 4:08
07 Song For Alice 3:39
08 Cold Moments 5:01
09 The Dark Pages of September Lead to the New Leaves of Spring 0:46
10 Black River 3:50
11 Why Walk When You Can Run 4:13
12 Push it Along 2:54
13 A Dream Reprise 1:11
14 Echoes Round the Sun 3:10
15 One Bright Star 2:59
16 Lullaby Für Kinder 2:25
17 Where’er Ye Go 2:49
18 God 2:04
19 111 2:25
20 Sea Spray 3:56
21 Night Lights 6:06
Qué es: un altavoz flotante y resistente al agua que se conecta de forma inalámbrica con nuestro iPod a través de una base-transmisor incluida en el lote.
Por qué merece la pena: por ahora es el único dispositivo de estas características. Ha sido desarrollado por la empresa Grace Digital Audio, especializada en productos de sonido y puede ser una buena solución, de cara al verano, para las fiestas con piscina. Es sumergible e incorpora dos pequeños altavoces que se alimentan con 6 pilas AA. Además permite conectar hasta 6 aparatos al mismo transmisor.
Precio/disponibilidad: la broma sale por unos 97€ el pack completo (altavoz y base transmisora) y 65€ más por cada altavoz adicional. Se puede comprar en la web de Grace Digital Audio.
Una pega: qué hacer con él pasado el verano. No debe quedar igual de chulo en la bañera de casa.
Caravan For Girls Who Grow Plump in the Night (1973)
La grabación del disco definitivo de una de las bandas de culto del rock progresivo vine precedida de dos cambios en la formación del grupo. Por una parte la vuelta del teclista Dave Sinclair y por otra la incorporación del violinista Peter Geoffrey Richardson (según parece, no muy bien recibido por los fans en un principio). La carrera de Caravan hasta 1973 fue una sucesión de altibajos y cambios de estilo en la que componen, sin embargo, dos de sus obras maestras: su debut, Caravan (1968) e In the Land of Grey and Pink (1971). Pero no es hasta For Girls Who Grow Plump in the Night cuando la banda reconduce su aproximación a la música, abandonando el experimentalismo hueco de Waterloo Lily y se lanzándose a elaborar un disco en el que tuvieran cabida todas sus heterogéneas influencias, desde Traffic hasta el jazz, pasando por King Crimson o Kansas. For Girls Who Grow Plump in the Night es una enciclopedia del rock progresivo, un LP en el que se entrecruzan diferentes tendencias que se encuentran en el marco de unas composiciones inspiradísimas en las que cada melodía está perfectamente definida y ayuda a la coherencia del conjunto. Un trabajo compacto y sólido a pesar de su dispersión estilística gracias al virtuosismo compositivo e interpretativo de los músicos y a los extraordinarios arreglos (que tienen poco que envidiar a los de otro clásico del mismo año, el Selling England by the Pound de Genesis). Humor británico y musicalidad a raudales en un disco que pasa con pasmosa facilidad del pop bucólico al sinfonismo en el transcurso de una misma canción.
01 Memory Lain, Hugh/Headloss 9:15
02 Hoedown 3:18
03 Surprise, Surprise 4:05
04 C'thulu Thulu 6:12
05 The Dog, The Dog, He's at It Again 5:56
06 Be Alright/Chance of a Lifetime 6:33
07 L'Auberge Du Sanglier/A Hunting We Shall Go/Pengola/Backwards/A Hunting We Shall Go (Reprise) 10:03
Gene Simmons y Paul Stanley se retiran. Pero su banda, los míticos y enmascarados Kiss, no dejará de existir. Lo anunciaba ayer, por boca de Stanley, Rolling Stone. El proyecto consiste en poner en marcha un reality show del que salgan elegidos (a lo OT) los cuatro componentes de la renovada versión de la banda. Al parecer este genial disparate está ya firmado y pronto echará a andar.
Seguro que el resultado final será digno de verse (no sé si también de oírse), pero no faltarán los incondicionales de la banda a quienes les indigne ver el nombre de Kiss asociado a semejante burla. Desconozco las pretensiones últimas de Simmons (igual sólo se estaba quedando con el periodista o es ya que ya le da igual hasta su propio grupo), pero transformar a los autores de álbumes tan míticos como Destroyer o himnos como "Rock 'N' Roll All Nite" o "Beth" en una suerte de Fórmula Abierta no parece una buena idea. O sí.
En unas declaraciones al diario británico The Times, el legendario músico se despachó a gusto con esta frase en la que arremete duramente contra el entramado industrial de las compañías discográficas (que tanta fama como para que sus palabras lleguen hasta nosotros le han dado, por cierto).
El músico aprovechó para alabar a los profesionales de la industria editorial y del mundo del arte, a quienes considera más honestos en su trato con los creadores. Hace bien Dylan en denunciar las corrupciones del mundillo, pero, dada su posición, podría ofrecer una alternativa para que quienes desean poder vivir de la música no tengan que pasar por las manos de esa "basura hipócrita".
Además, como bien apunta un lector de NME, es obvio que el trato que haya podido recibir Bob Dylan dentro de la industria editorial o el mundo del arte son incomparables al que pueda esperar un artista principiante cuando escribe su primera novela o expone por primera vez su obra. Nada de esto desmiente su comentario (un poco parco en detalles, eso sí), pero esperemos que pronto tome cartas en el asunto y defienda a los músicos jóvenes con el mismo ahínco, pero con hechos. Tratándose de Bob Dylan, quedarse en estas palabras sabría a poco.
Bob Dylan Blood on the Tracks (1975)
Dicen algunos que es el disco favorito de sus fans más puristas. Para otros se trata, sencillamente, del mejor disco en la inmensa carrera de Dylan. En realidad Blood on the Tracks tiene algo de ambas cosas y que al mismo tiempo va más allá de ellas. Por una parte es un disco personal, no destinado a las masas ni en su temática ni en su música y por otra resulta difícil defender que alguno de sus discos anteriores o posteriores sea mejor. La inspiración de Dylan como compositor y escritor vive en este álbum un auténtico apogeo. Después de una serie de discos poco o nada afortunados durante los primeros años 70, y considerando la traumática situación personal por la que pasaba a consecuencia de su separación matrimonial de Sara Lownds, nadie esperaba que saliese con un trabajo tan espléndido como Blood on the Tracks (hasta cantando está soberbio; escúchese "Shelter from the Storm"). Acompañado por músicos de estudio y con Phil Ramone a los mandos de la producción, Dylan grabó el álbum en Nueva York a tiempo para la salida al mercado prevista por Columbia. Sin embargo, en el último momento, Dylan decidió volver a grabar cinco de las diez canciones que componen el disco. Lo hizo en Minnesota, secundado por músicos locales. Así las cosas, finalmente Blood vio la luz en enero de 1975. Desde el mismo momento de su aparición ha sido a un tiempo favorito de fans y críticos, quienes alaban cómo la belleza de su ejecución y la alegórica crudeza de su mensaje se dan la mano de forma inverosímil y embriagadora. Aunque el propio Dylan ha confirmado que no se trata de un álbum autobiográfico, algunos de sus versos han despertado toda clase de especulaciones sobre el auténtico sentido de las canciones. En cualquier caso, la pluma de Dylan se mueve a lo largo de estos diez temas al menos con la misma destreza que en sus mejores momentos (si no con más). En cuanto a la música, transcurre tranquila y sin aspavientos por toda la paleta sonora de Dylan, desde un colorista folk ("If You See Her, Say Hello") hasta un desgarrado blues ("Meet Me in the Morning"). Todo ello pasado por el tamiz de ese pop intransferible, estilizado con el paso de los años y que aquí luce elegante y sinuoso, no dejando resquicio a la monotonía ("Tangled Up in Blue"). Por estas razones, Blood on the Tracks es algo más que un disco para los más puristas o el mejor álbum de Dylan. Quizá fuese el producto de un capricho del destino, pero, sin duda, es un prodigio de la música contemporánea, una obra de arte. No todos los días se puede decir eso de un disco.
01 Tangled Up in Blue 5:41
02 Simple Twist of Fate 4:17
03 You're a Big Girl Now 4:34
04 Idiot Wind 7:47
05 You're Gonna Make Me Lonesome When You Go 2:55
06 Meet Me in the Morning 4:21
07 Lily, Rosemary and the Jack of Hearts 8:52
08 If You See Her, Say Hello 4:47
09 Shelter from the Storm 5:00
10 Buckets of Rain 3:22
Whitesnake Good to Be Bad (2008)
Fecha de publicación: 21 de abril
Discográfica: Steamhammer
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
El nuevo disco de los veteranos Whitesnake bien podría calificarse de resurrección. Su último trabajo, Restless Heart, databa, nada más y nada menos, que de 1998 y su impacto fue tal que en Estados Unidos ni siquiera llegó a editarse (un poco como todos sus trabajos de los 90). Han tenido que pasar diez años para que David Coverdale y su renovada tropa (de la formación de 1998 sólo queda él) se decidiesen a entrar en el estudio. Sin embargo (y más importante) han tenido que pasar más de veinte para que volviesen a excitar con su trabajo. En Good to Be Bad la banda se reencuentra con sus puntos fuertes: épica guitarrera a borbotones y baladería sensiblona. Puro exceso ejecutado con convicción, sabiduría y una renovada energía que ha devuelto a la banda a lo más alto de las listas (sobre todo en Europa). Good to Be Bad suena viejo y nuevo a un tiempo, fiel al sonido propio de la banda original pero producido como si se tratase de unos nuevos Whitesnake. Canciones como "All for Love" o la balada "'Til the End of Time" encierran toda la garra y la pomposidad del viejo heavy metal británico sin renunciar a elementos propios del nuevo milenio y a recuperar sonidos de un folklorismo casi inédito en los británicos (hay que remontarse a sus primera grabaciones). Imprescindible para nostálgicos y metal heads en general.
01 Best Years 5:15
02 Can You Hear the Wind Blow 5:04
03 Call on Me 5:02
04 All I Want All I Need 5:41
05 Good to Be Bad 5:14
06 All for Love 5:13
07 Summer Rain 6:11
08 Lay Down Your Love 6:01
09 A Fool in Love 5:50
10 Got What You Need 4:16
11 'Til the End of Time 5:35
Qué es: los JBL Control NOW son unos novedosos altavoces circulares que están diseñados para adaptarse a los ángulos rectos de las paredes y poder combinarse entre sí. Cada unidad incluye dos altavoces de 4 pulgadas y un tweeter, con una potencia total de 50 vatios.
Por qué merece la pena: Su original diseño puede resultar muy práctico, además de distribuir uniformemente el sonido por la habitación donde los coloquemos. Además, la versión AW está preparada para ser utilizada en exteriores.
Precio/disponibilidad: 158€ cada unidad.
Una pega: el precio. Y, concretamente en el caso de los exteriores, que no sean resistentes al agua.
Def Leppard Songs from the Sparkle Lounge (2008)
Fecha de publicación: 29 de abril
Discográfica: Bludgeon Riffola/Island
Reseñas profesionales:
allmusic 3/5
Rolling Stone 2,5/5
Billboard
Tras reencontrarse con sus raíces en el fantástico Yeah! hace un par de años, los niños mimados de la New Wave Of British Heavy Metal de los 80 regresan a los temas originales con Songs from the Sparkle Lounge, cuyo extraño título hace referencia al lugar en que se crearon las canciones (un cuarto en el backstage de su gira 2006). Producido por Ronan McHugh, sin duda se trata de un trabajo menor dentro de la discografía de los Leppard y sin embargo, resulta más que bienvenido después del tropiezo de X. Ciñéndose escrupulosamente a los tres minutos de rigor por canción y jugando con diferentes sonidos (aunque ninguno novedoso), el álbum resulta tremendamente entretenido (como en "Bad Actress"). Sin embargo, un análisis más minucioso delata cierta falta de inspiración. Más de una guitarra parece tomada directamente de sus clásicos de los 80 ("C'mon C'mon", "Hallucinate"), sus influencias salen a la superficie con más descaro que en otras ocasiones (especialmente Queen en "Love" y Bealtes en "Only the Good Die Young") y las canciones carecen de la brillantez de hace veinte años (o incluso diez). Como lo que es, un disco "de carretera", Songs cumple con su función: es directo y entretiene. Para lo demás tendremos que esperar al siguiente.
01 Go 3:20
02 Nine Lives 3:32
03 C'mon C'mon 4:09
04 Love 4:17
05 Tomorrow 3:35
06 Cruise Control 3:03
07 Hallucinate 3:16
08 Only the Good Die Young 3:33
09 Bad Actress 3:03
10 Come Undone 3:33
11 Gotta Let It Go 3:55
King's X XV (2008)
Fecha de publicación: 20 de mayo
Discográfica: Inside/Out
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Casi veinte años después de firmar su obra maestra, Gretchen Goes to Nebraska (1989), los americanos King's X mantienen intacta su posisción de privilegio entre críticos musicales de todo pelaje. Su aperturista visión del metal y sus trabajadas letras les han convertido en una de las bandas más paradójicas del género. Pero, si bien infunden respeto y admiración entre críticos y compañeros de generación, jamás han gozado del respaldo del público. A pesar de que su música tiene todos los ingredientes para ser un éxito (es potente, melódica y tiene mucho gancho), sin embargo las listas de ventas nunca han sido lo suyo. En su último trabajo hasta la fecha, Ogre Tones (2005), ya intentaron enfatizar su lado más accesible y metálico con dispares resultados. En XV repiten productor, el clásico del metal ochentero Michael Wagener (Accept, Metallica, Alice Cooper, Ozzy Osbourne) y estrategia. Pero esta vez el resultado es sensiblemente mejor. Mientras que en Ogre Tones buena parte del material simplemente no daba la talla, para XV han escrito algunas de sus mejores canciones en mucho tiempo. Temas como "Rocket Ship" u "Alright" explotan al máximo las cualidades del grupo en el menor tiempo posible, ganando enteros en efectividad. Un trabajo sólido y convincente que, si bien no les ayudará a convertirse en un fenómeno de masas, mantiene su legado en un altísimo nivel.
01 Pray 4:15
02 Blue 4:25
03 Repeating Myself 4:09
04 Rocket Ship 2:44
05 Julie 2:41
06 Alright 2:59
07 Free 3:56
08 I Just Want to Live 4:21
09 Move 4:02
10 I Don't Know 3:32
11 Stuck 3:56
12 Go Tell Somebody 3:17
Iggy & the Stooges Raw Power (1977)
Raw Power, el último disco de los Stooges, es el ejemplo paradigmático de lo que puede dar de sí una banda a punto de estallar. En el caso del mítico grupo de Detroit esa sensación venía de lejos, formaba parte de su esencia, pero aquí era real. Las tensiones internas dentro de la banda, con Iggy Pop huido a Nueva York y dispuesto a aliarse con David Bowie, prescindiendo de los hermanos Asheton (guitarrista y batería de la banda) para la grabación de Raw Power, eran síntomas de una muerte inevitable e inminente. Finalmente se llegó a un apaño. La banda se reunió en Inglaterra junto a James Williamson (el nuevo guitarrista llegado de la mano de Bowie y que escribió junto a Pop toda la música para el álbum) y comenzaron las sesiones. Ron Asheton tuvo que ceder la guitarra a Williamson para ocuparse del bajo, pero el genuino poderío de la banda no se resintió. La situación personal del combo fue un caldo de cultivo perfecto para que una dosis de brutalidad inédita en la época tomara cuerpo en torno a ocho canciones tan básicas y vulgares como siempre. Rock de desguace, vasto, sucio, machista... justo lo que querían. Y les sirvió para crear su mito y pasar a la historia como una de las bandas más influeyntes a finales de los años 70.
01 Search and Destroy 3:30
02 Gimme Danger 3:33
03 Your Pretty Face Is Going to Hell 4:54
04 Penetration 3:41
05 Raw Power 4:16
06 I Need Somebody 4:52
07 Shake Appeal 3:04
08 Death Trip 6:07
Yes 90125 (1983)
Las reinvenciones rara vez salen bien. Son contados los casos en los que un grupo agotado artística y comercialmente ha conseguido renacer con el mismo éxito de antaño o incluso más. Posiblemente uno de los casos más espectaculares sea el de Yes. Quizá porque todo partió de un proyecto paralelo del bajista Chris Squire, los reyes del rock progresivo en los 70 protagonizaron en 1983 una de las transformaciones más desconcertantes y convincentes de la historia. Después de tocar la gloria (tanto en ventas como en críticas) con álbumes de la altura de Fragile o Close to the Edge y tras un lento declive que culminó con Drama en 1980, llegó 90125 y con él un sonido completamente renovado que poco tenía que ver con los interminables regueros sonoros de antaño. En la banda, sin embargo, pocos cambios. Tan sólo la inclusión de Trevor Rabin como guitarrista y la contratación del exitoso Trevor Horn como productor. Sin duda ambos contribuyeron decisivamente al cambio, el primero con su estilo típicamente ochentero en las seis cuerdas y el segundo con una producción cristalina y chispeante también muy al gusto de la época. Sin embargo, el disco supuso además la vuelta de dos de los miembros originales del combo, el cantante Jon Anderson y el teclista Tony Kaye. La vuelta del primero se hizo notar singularmente en la mejor parte del álbum: las canciones. El dúo Anderson/Squire volvió a funcionar como si los años no hubiesen pasado y poniendo esta vez el énfasis en las melodías y los estribillos el resultado no podía defraudar. 90125 (nominado como su número de catálogo original) ha quedado como uno de los mejores discos de los 80 dentro del mayoritariamente inane (todo hay que decirlo) circuito comercial de esos años. Al contrario que buena parte de los grupos de la época, los Yes supieron crear un trabajo con gancho y un single de éxito ("Owner of a Lonely Heart") que al tiempo resultase sustancioso pasados los años. Sin duda lo consiguieron (no hay ni medio tema malo en este álbum) y ese mérito no les hace sino merecer aún mejor consideración dentro de una historia del rock de la que los ingleses son, sin duda, protagonistas destacados (aunque no formen parte de esa bobada llamada Rock And Roll Hall of Fame).
01 Owner of a Lonely Heart 4:29
02 Hold On 5:17
03 It Can Happen 5:28
04 Changes 6:19
05 Cinema 2:06
06 Leave It 4:12
07 Our Song 4:18
08 City of Love 4:51
09 Hearts 7:35
Urge Overkill Saturation (1993)
Saturation, el cuarto álbum de Urge Overkill, fue el debut de este trio surgido a mediados de los ochenta en Chicago con una discográfica importante. Lo hicieron a lo grande, con el temazo "Sister Havana" encabezando un repertorio plagado de canciones que conseguían lo imposible, aunar la potencia del punk con la grandilocuencia del rock revienta estadios. Tras años de relación amor-odio con el mundillo de la escena alternativa, parecía que los Urge Overkill estaban llamados a ser unos nuevos Nirvana. Sin embargo, no fue así. La suerte nunca les acompañó y, aunque consiguieron cierta popularidad en la radio con "Sister Havana", Saturation pasó más bien desapercibido (ocupó el puesto 142 en la lista de Billboard). No obstante, es el mejor disco de la banda. De hecho, en su momento recibió las mejores críticas que un álbum de Urge Overkill había cosechado hasta entonces (y cosecharía después). Inexplicablemente el público no le dio la oportunidad que se merecía. Musicalmente lo tiene todo, desde el gancho irresistible de las potentes "Sister Havana" y "Positive Bleeding" hasta la brutal energía de "Tequila Sundae" o "Erica Kane", pasando por los hipnóticos acordes de "Dropuot" y la delicadeza de "Heaven 90210" y "Back On Me". Es impecable de principio a fin y gana con cada nueva escucha.
01 Sister Havana 3:50
02 Tequila Sundae 4:19
03 Positive Bleeding 3:43
04 Back on Me 3:10
05 Woman 2 Woman 2:40
06 Bottle of Fur 4:14
07 Crackbabies 4:02
08 The Stalker 2:53
09 Dropout 4:55
10 Erica Kane 3:08
11 Nite and Grey 4:23
12 Heaven 90210 3:47
Bo Diddley, uno de los pioneros del rock & roll, murió ayer en su casa de Archer (Florida) a la edad de 79 años a consecuencia de un fallo cardíaco. El mítico músico había sufrido un ataque al corazón el verano pasado y se encontraba todavía convaleciente. Su nombre formaba parte del (no tan) selecto Rock And Roll Hall of Fame desde 1987 y en 1999 recibió un Grammy en reconocimiento a toda su carrera.
De todo lo que se publicó ayer al respecto en la red me quedo con el vídeo de la BBC y el artículo distribuido por la agencia Reuters en el que hablan de algunas curiosidades relacionadas con lo que representó su figura, entre las que están su habilidad para construir instrumentos (como su inseparable guitarra rectangular) o su influencia en el rap.
Para una visión más amplia recomiendo el artículo escrito por Tjames Madison en liveDaily y la entrevista realizada en 2005 por Neil Struss para Rolling Stone.
Fecha de publicación: 3 de junio
Discográfica: Geffen
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Pitchfork 4,7/10
NME 7/10
PopMatters 7/10
liveDaily
UNCUT 4/5
Por tercera vez en su consistente carrera, Weezer (léase Rivers Cuomo) titulan homónimamente uno de sus álbumes, asociándolo además con un color. Primero fue el azul en su disco debut, luego el verde en su tercer LP y ahora el rojo en este sexto trabajo de estudio de los americanos. Aunque Weezer (The Red Album) ni ganará ni perderá adeptos para la banda, es decir, es más de lo mismo, en cierto sentido supone un cambio de rumbo. Su propuesta sigue ahí, melodías fácilmente degustables aderezadas con una sobredosis de guitarras, pero hacía tiempo que la banda no se tomaba las cosas de forma tan distendida, como si partieran, esta vez sí, de cero. No sólo resulta esto patente en el videoclip del primer single, "Pork & Beans", un simpático homenaje al frikismo cibernético, ni en las letras del resto del álbum, más plagadas de ironía que nunca, sino que también vuelven los temas de más de cinco minutos de la mano de las épicas "The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn)", "Dreamin'" y "The Angel and the One" y tanto Brian Bell como Patrick Wilson (y en menor medida también Scott Shriner) se suman a Cuomo en la creación de los temas (cosa que no sucedía desde el primer álbum), incluso ocupando su puesto frente al micrófono en "Thought I Knew" y "Automatic". Renovado sentido del humor y vuelta a los orígenes se dan en la mano en un Red Album que esperemos marque el tono de una nueva etapa más divertida que nunca en la carrera de la banda.
01 Troublemaker 2:44
02 The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn) 5:52
03 Pork and Beans 3:09
04 Heart Songs 4:05
05 Everybody Get Dangerous 4:02
06 Dreamin' 5:11
07 Thought I Knew 3:01
08 Cold Dark World 3:51
09 Automatic 3:07
10 The Angel and the One 6:46
Con motivo del lanzamiento de la última de sus absurdas listas, en este caso "100 Greatest Guitar Songs of All Time" (las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos), la revista Rolling Stone ha colgado en su web el cómo se hizo de la doble portada especial de la edición de junio.
Se trata de un breve vídeo en el que vemos desfilar a algunos de los big names de las seis cuerdas, desde B.B. King o Buddy Guy hasta Eddie Van Halen o Kirk Hammett. Amén de ver cómo intentan seducir a las cámaras, nos ilustran con algunos de sus comentarios.
The La's The La's (1990)
Bendecidos y condenados por el protagonismo exacerbado de Lee Mavers, cantante, guitarrista, compositor y cabeza pensante del grupo, the La's han pasado a la historia por éste su único disco de estudio, una bocanada de aire fresco con sabor a pop clásico que se reveló como una decisiva influencia en su tiempo. Británico hasta la médula, la devoción de Mavers por el pop guitarrero de Beatles, Small Faces o Kinks define la música de the La's. Aunque, indudablemente, es un disco de su tiempo (los ecos del post punk le delatan), The La's se define por sus melodías irresistibles, su sonido chispeante y simpático y por su encantador y definitivamente clásico patrón. En apenas media hora da un amplio repaso a los últimos treinta años del pop inglés, desde el folk épico de "Looking Glass" hasta la inmediatez del exitoso single "There She Goes". A pesar de todo ello, The La's (calificado por el propio Mavers como "un montón de mierda") se quedó lejos de triunfar en las listas (ocupó el puesto 196). Sin embargo, su influencia en el relanzamiento de este tipo de música durante los años 90 (pensad en Oasis) será decisiva.
01 Son of a Gun 1:56
02 I Can't Sleep 2:37
03 Timeless Melody 3:01
04 Liberty Ship 2:30
05 There She Goes 2:42
06 Doledrum 2:50
07 Feelin' 1:44
08 Way Out 2:32
09 I.O.U. 2:08
10 Freedom Song 2:23
11 Failure 2:54
12 Looking Glass 7:52
The Rubinoos The Rubinoos (1977)
Después de cuatro años intentando abrirse camino en el mundo de la música con su pop desfasado e irresistible, los Rubinoos consiguieron su primer contrato discográfico en 1977. El single "I Think We're Alone Now" (una versión del tema de Tommy James & the Shondells) precedió en unos meses a este LP, plagado de temas memorables y que pasó tan desapercibido como si nada. El grupo sólo cosecharía cierto éxito con el single "I Wanna Be You Boyfriend" perteneciente a su siguiente trabajo, un disco, sin embargo, menos brillante. The Rubinoos, en cambio, es un trabajo lleno de energía, diversión y mucho chicle de fresa. Las melodías empalagosas se suceden una tras otra en las gráciles voces de Jon Rubin (cantante principal) y compañía, para deleite de los incondicionales del género. En 1977 a nadie le interesaba ya este sonido, pero los Rubinoos recogieron el guante de Raspberries y de Big Star (otros incomprendidos en su época) para continuar esa labor casi heroica de mantener con vida un estilo más propio de principios de los años 60 en medio de una época que estaba a punto de ver estallar la revolución punk y en la que la música disco y el hard rock habían sustituido por completo al sonido power pop. Con los años hemos comprobado que su esfuerzo no fue baldío, ya que no tardarían mucho en surgir otras bandas (Cheap Trick, Bram Tchaikovsky y, sobre todo, the Knack) que continuarían por ese mismo camino (con mucho más éxito, por cierto). Y la cosa no se quedó ahí, llegando hasta el rock independiente de los 80 (los R.E.M., Hüsker Dü, etc.) y hasta hoy mismo (hace poco hablábamos del disco de los Foxboro Hot Tubs, por ejemplo). En definitiva, todo un clásico de relevancia histórica para la música, de calidad incuestionable y con mucho sentido del humor. El auténtico pop no puede dar más de sí.
01 I Think We're Alone Now 2:56
02 Leave My Heart Alone 2:39
03 Hard to Get 3:04
04 Peek-A-Boo 2:15
05 Rock & Roll Is Dead 2:55
06 Memories 5:34
07 Nothing a Little Love Won't Cure 2:42
08 Wouldn't It Be Nice 3:26
09 Make It Easy 3:07
10 I Never Thought It Would Happen 2:36
Queensrÿche Empire (1990)
En 1988 Queensrÿche produjeron uno de los discos míticos del metal ochentero, la "ópera-rock" Operation: Mindcrime. Pasados dos años llegó el temido momento de sucederlo. Toda una papeleta. Sin embargo, los americanos supieron hacer un disco que no se convirtiera en una segunda parte de su obra cumbre (aunque terminarían haciéndola, con muy buenos resultados por cierto, en 2006) reinventándose a ellos mismos y asumiendo el riesgo que eso entraña (se cuentan con los dedos de una mano los experimentos de este tipo que han salido bien). Su exitosa fórmula fue conseguir mimetizarse con el ambiente de finales de los 80 y ahondar más aún en sus influencias al mismo tiempo. Frente a su épico predecesor, Empire es un disco mucho más convencional, una colección de canciones que combina perfectamente los temas más cañeros con una renovada sensibilidad para las baladas e incluso el melodicismo pop. Aunque sus grupos de referencia sobresalen con más descaro que nunca, especialmente los Pink Floyd de la época The Wall ("Silent Lucidity"), Black Sabbath ("Empire") y Iron Maiden ("Another Rainy Night (Without You)"), Queensrÿche consiguen mantener intacta su impronta personal. Aunque son discos muy diferentes, apartándose sensiblemente del microcosmos del metal y acercándose a ese pop metal que barría en los 80, para muchos Empire consigue incluso superar a Operation. Y es que esa nueva accesibilidad no supone una mínima merma en la calidad de las interpretaciones (de milimétrica musicalidad) ni de las canciones (potentes, pegadizas y preciosistas). Ése es el triunfo de Empire y de Queensrÿche. Un triunfo que nunca volverían a reeditar.
01 Best I Can 5:35
02 The Thin Line 5:42
03 Jet City Woman 5:21
04 Della Brown 7:04
05 Another Rainy Night (Without You) 4:29
06 Empire 5:24
07 Resistance 4:50
08 Silent Lucidity 5:47
09 Hand on Heart 5:33
10 One and Only 5:54
11 Anybody Listening? 7:41
El Concierto para piano y orquesta No. 1 es, en realidad, el segundo compuesto por Chopin. Fue publicado en 1833 en Leipzig pero escrito seis meses después que el No. 2, publicado en la misma ciudad en 1830. Chopin contaba 20 años cuando lo terminó y esa juventud, esa frescura encarnada en un romanticismo desenfadado, son patentes a lo largo de toda la obra. Sin embargo, estos primeros conciertos, cuyas partituras llevaba Chopin en su maleta cuando se trasladó a París desde su Polonia natal, han sido siempre criticados por su gran diferencia de calidad entre la orquestación ("fría y casi inútil" para Berlioz) y la parte solista para piano, que evidencia su maestría en la escritura para este instrumento.
Sonic Youth Sister (1987)
Desde su debut en 1983 con el difícil Confusion Is Sex, Sonic Youth evolucionó rápidamente, mejorando con cada nuevo disco en musicalidad y visión. En su quinto trabajo, Sister, la banda culmina este proceso de perfeccionamiento y alumbra su primera obra maestra. La influencia de The Velvet Underground o The Stooges sigue estando muy presente, pero Sonic Youth encuentra aquí su propia voz. El ruido de sus instrumentos (que sigue presente como vehículo de expresión musical) tiene más intención que en ocasiones anteriores y ha renunciado a ser el protagonista. Como ocurriera en EVOL (1986) el protagonismo recae sobre las canciones, y los pasajes más estridentes de la música se utilizan cuidadosamente para favorecer las sensaciones que transmite cada tema con más convicción aún. Nada es gratuito ni hay atisbo de pretenciosidad en Sister. Aunque esto no lo convierte en un disco fácil. La música persigue, principalmente, un fin artístico y no puede ser escuchada como otras. Pero el esfuerzo (mayor o menor dependiendo del oyente) que requiere su escucha está ampliamente recompensado porque, contemplado en su conjunto, el disco esconde una belleza completamente singular, oculta tras esas frías guitarras torturadas. En realidad es un álbum acogedor y merece la pena comprobarlo.
Hoy nuestra frase del día pertenece nada menos que a David Bowie. El músico británico lleva tiempo mostrando su desprecio por el trabajo de otro de los grandes de la música británica de los últimos treinta años, Paul Weller. Este último, bastante menos arrogante, ha reconocido su admiración por la obra de su compatriota, cosa que Bowie le ha agradecido en un correo electrónico en el que, sin embargo, no ha desaprovechado la ocasión de echar más leña al fuego con esta frase:
"Precioso, Paul. Ahora ¿puedes devolverme mi corte de pelo?"
Y es que Ziggy Stardust se siente plagiado por Weller tras revisar una cubierta (la de arriba) de uno de sus primeros discos recopilatorios, London Boy, en la que luce un peinado similar al que adorna la cabeza del ex the Jam a día de hoy. Así están las cosas en la música, qué le vamos a hacer.
Foxboro Hot Tubs Stop Drop and Roll!!! (2008)
Fecha de publicación: 20 de mayo
Discográfica: Reprise
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Rolling Stone 3/5
Lo mejor de Stop Drop and Roll!!! es que es un disco de los que ya nadie hace. Remite constantemente a otra época (incluso tomando prestado algún que otro acorde). Suena pasado de moda. Antiguo. Por eso es genial. No hace mucho que Green Day anunciaron oficialmente que estaban detrás de los Foxboro Hot Tubs. Pero era ya un secreto a voces. Y es que, aunque disimulen, a Billie Joe y compañía siempre se les ha notado esa sana devoción que profesan por la música pop británica de los 60. En su disco Warning se desquitaron con un álbum totalmente comprometido con ese sonido (deleitando a quienes nos encantan los Beatles, Kinks, Who y demás y desquiciando a sus fans más militantes del movimiento punk) y ahora han formado una banda paralela para tener, quizá, una mayor libertad a la hora de hacer la música que les apetece hacer. Es posible que Green Day salgan perjudicados (o no, quién sabe si seguirán superándose y sorprendiéndonos), pero lo que está claro es que ellos tres salen muy favorecidos del experimento. Stop Drop and Roll!!! es un disco de apenas treinta minutos en el que vuelve la vertiginosa energía de los Green Day noventeros pero con ese toque retro que les ha catapultado por encima de su legión de imitadores en términos musicales. Bien por ellos.
01 Stop Drop and Roll 2:24
02 Mother Mary 2:48
03 Ruby Room 2:03
04 Red Tide 2:58
05 Broadway 3:31
06 She's a Saint Not a Celebrity 2:26
07 Sally 3:03
08 Alligator 2:26
09 The Pedestrian 2:16
10 27th Ave. Shuffle 2:49
11 Dark Side of Night 2:58
12 Pieces of Truth 3:04
La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos elabora cada año la lista de las 25 grabaciones sonoras que pasan a formar parte del Registro Nacional de Grabaciones.
No se trata de cualquier cosa. Los sonidos que integran este registro han sido seleccionados por su relevancia cultural, histórica o estética en la historia de América.
Este año está entre ellos el disco más vendido de todos los tiempos, el clásico de Michael Jackson Thriller (1982). Teniendo en cuenta que la selección de los títulos se realiza a medias entre las sugerencias de los ciudadanos y las propuestas del equipo de preservación de la Biblioteca, sorprende que hasta hoy no se hubiese incluido este disco, de relevancia incuestionable y éxito evidente.
En cualquier caso, Jackson compartirá privilegio con Roy Orbison, Joni Mitchell, Smokey Robinson & the Miracles, Herbie Hancock e incluso con Harry Truman y Ronald Reagan, las grabaciones de cuyos discursos también han merecido el reconocimiento.
En realidad no creo que le preocupe mucho, especialmente ahora que ha conseguido librarse del director de la Staatsoper Peter Mussbach, pero el caso es que los ingenieros de Honda han encontrado una nueva utilidad a su robot ASIMO: dirigir una orquesta.
Y lo han estrenado con la Orquesta Sinfónica de Detroit, que recientemente ha creado la fundación destinada a la educación musical The Power of Dreams Music Education Fund. Honda aporta 1 millón de dólares al proyecto y espera que con este robótico director puedan atraer la atención del mundo sobre los proyectos educativos de la fundación. En su debut, ASIMO interpretó The Impossible Dream, como no podía ser de otra manera.
Hoy nuestra frase del día se la ha ganado con creces Luke Pritchard, el cantante y guitarrista de the Kooks, quien reconoció ayer en The Daily Mirror su enemistad con Alex Turner (de los Arctic Monkeys) con esta frase:
"Tuve que pegar a Alex una patada en la cara".
El líder de los Kooks se refiere a un incidente acaecido en el transcurso de una actuación conjunta de su banda y los Arctic Monkeys en la que Turner intentó desenchufarle la guitarra mientras tocaba. No se anduvo con medias tintas a la hora de responder. Luego se le quedó esa cara, claro.
Pero ayer en el The Daily Mirror publicaron otra información que completa la que ofrecíamos hace un par de días acerca de la salida de Zak Starkey de Oasis. El diario británico ha revelado la identidad de quien ocupará su puesto. Se trata de Chris Sharrock, hasta ahora batería de Robbie Williams y the La's.
Por lo que se ve Gallagher sigue cultivando su vieja enemistad con Williams, a quien ya calificó hace tiempo como "bailarín gordo". En fin, que nos encanta el buen rollo que se traen las estrellas del rock actual.
La Agencia EFE difundía ayer la noticia. Promusicae, la patronal de productores de música españoles, ha encargado un informe sobre los hábitos musicales de los jóvenes españoles.
Por supuesto, Promusicae no publica ni la ficha técnica del estudio ni las estadísticas (al artículo de EFE habla de "entrevistas abiertas a una treintena de estudiantes de entre 15 y 24 años", que deben ser los hijos de Teddy Bautista y compañía), se limita a interpretar los resultados directamente. Tal que así:
"Los entrevistados dicen ser plenamente conscientes de que el intercambio de música a través de redes p2p es ilegal y perjudica a los artistas, puesto que no se les paga por su trabajo".
A base de falsedades camufladas de datos científicos como esta intentan justificar el titular del artículo: "Los productores ven en el control del uso de internet la solución a la piratería". Por supuesto la solución propuesta por estos amantes de la cultura es quitarle la conexión a quien haga uso de este tipo de programas.
Lo que quizá no comprenden (aunque yo creo que sí), es que una red se basa en compartir recursos. Sin eso no hay red y sin red no hay internet (hay otra cosa). Quienes quieran convertir la red en una teletienda, que lo digan, pero que dejen de tomarnos el pelo con falsos argumentos jurídico-éticos. Y ya de paso que produzcan mejor música.
Love Forever Changes (1967)
Todo lo que rodea a esta banda de culto de los 60 tiene una característica esencial: es raro. Para empezar su asombrosa propuesta musical resulta excepcional por su eclecticismo (especialmente para la época). Esa mezcla del rock más guitarrero y la poesía de Dylan con el jazz, el blues, la música clásica y sobre todo, con el flamenco, todo ello revestido de un ineludible componente étnico, sigue llamando la atención incluso hoy. Lo más fascinante es que a pesar de estos ambiguos planteamientos, la banda liderada por el enigmático Arthur Lee consiguió producir tres obras maestras en apenas dos años. Esa amalgama de influencias disparatadas sobre el papel funcionó perfectamente en el estudio de grabación (y sólo en el estudio, porque tampoco fueron de gira hasta mucho después) y nunca es eso tan evidente como en Forever Changes (aunque fuera su particular "canto del cisne" artístico). El año pasado cumplió cuarenta años, aunque parecía que la publicación en 2001 de la edición Deluxe cubriría las expectativas de un lanzamiento conmemorativo. Pero no ha sido así. Con unos cuantos meses de retraso, en abril de este año se ha publicado la edición de coleccionista, que ofrece una ingente cantidad de material inédito que, sin embargo, no aporta nada sustancial, básicamente las charletas del grupo en el estudio ( = para fanáticos del grupo). En cualquier caso, la música sigue siendo la misma, con su singular mezcla de crudeza, fragilidad, talento, musicalidad y paranoia y esa mágica capacidad para reinventarse a sí misma en cada nueva escucha. Un imprescindible al que conviene dar un repaso.
01 Alone Again Or 3:16
02 A House Is Not a Motel 3:31
03 Andmoreagain 3:18
04 The Daily Planet 3:30
05 Old Man3:02
06 The Red Telephone 4:46
07 Maybe the People Would Be the Times or Between Clark and Hilldale 3:34
08 Live and Let Live 5:26
09 The Good Humor Man He Sees Everything Like This 3:08
10 Bummer in the Summer 2:24
11 You Set the Scene 6:51
Hoy en Paisajes Sonoros inauguramos una nueva sección dedicada a recopilar esas frases que a veces las estrellas del mundo musical dejan caer con mejor o peor fortuna, con maligna intención o con ingenuidad y que más nos diviertan.
Y debutamos poniendo el listón bien alto con la frase que pronunciara ayer Ben Gibbard, cantante de Death Cab For Cutie, quien afirmó:
Roger Waters haciendo The Dark Side Of The Moon sería como si Ringo tocara el Sgt. Pepper's.
Gibbard se refiere a la actuación de Waters en la pasada edición del Festival de Coachella, en el que el ex Pink Floyd interpretó en su integridad el citado gran clásico de la banda, publicado en 1973.
Blondie Parallel Lines (1978)
Suena un tono. Nadie responde. Suena el siguiente. Siguen sin responder. Pero antes de que podamos oír el tercero, la atronadora voz de Deborah Harry nos coge la llamada, abriendo el tercer disco de Blondie con un ímpetu renovado. "Hanging on the Telephone" será sólo una más dentro de la ristra de hits que producirá este álbum en las fechas siguientes a su publicación. Para las esas colecciones que se empeñan en enlatar las canciones, arrebatándoles su gracia impunemente, ha quedado la poco representativa del sonido del álbum (es mucho más divertido) y número uno mundial "Heart of Glass". Pero más allá de esa, por otra parte, estupenda canción y de la anteriormente citada "Hanging on the Telephone", habitan Parallel Lines una decena de temas enérgicos, irresistibles, bailables y sexys que ganan y ganan con los años. La labor del productor australiano Mike Chapman (que después trabajaría también con The Knack, los creadores del megahit "My Sharona") a los mandos de la producción, sin duda tuvo mucho que ver a la hora de reconducir el sonido new wave de Blondie hacia un pop alegre y atemporal que resultó igual de influyente o más, contribuyendo a la popularización del grupo y de su cantante, Deborah Harry, quien pasará a representar el prototipo de intérprete femenina de su generación (y que luego delegará nada menos que en Madonna). En 2008 este trabajo está de cumpleaños. Una buena oportunidad para hacerse con una copia de la edición especial (o una antigua a mejor precio) y redescubrir el que es, sencillamente, uno de los discos esenciales de todos los tiempos.
01 Hanging on the Telephone 2:17
02 One Way or Another 3:31
03 Picture This 2:53
04 Fade Away and Radiate 3:57
05 Pretty Baby 3:16
06 I Know But I Don't Know 3:53
07 11:59 3:19
08 Will Anything Happen? 2:55
09 Sunday Girl 3:01
10 Heart of Glass 3:45
11 Gonna Love You Too 2:03
12 Just Go Away 3:21
Citando una fuente cercana a la banda, el diario británico The Sun publicaba hoy la noticia referente a la salida de Zak Starkey de Oasis. Tras completar las sesiones para el próximo disco de la banda, que verá la luz próximamente, el hijo de Ringo no volverá a actuar ni grabar junto al combo británico.
Según apunta esa fuente anónima a la que se atienen los periodistas británicos, se han producido discusiones con Noel Gallagher y desacuerdos generales con el grupo. Aunque la noticia no se ha confirmado de forma oficial, la publicación se ha encargado de rememorar sucintamente la historia de Gallagher y los baterías de Oasis.
Ampliando un poco más: en 1995, en plena apoteosis por el disco de oro conseguido con Definitely Maybe, el debut de la banda, Tony McCaroll, batería original de la formación, abandonó por discrepancias con Gallagher. Fue sustituido por Alan White, quien fue sustituido a su vez por Starkey justo antes de la grabación del hasta ahora último disco de la banda, Don´t Believe the Truth (2005).
Unido al susto que nos llevamos la semana pasada, cuando aparecieron en la red (ver YouTube) unas maquetas de tres temas de la banda como poco manifiestamente mejorables, esta noticia no parece augurar cosas buenas de cara al inminente lanzamiento del próximo trabajo de Oasis. Esperemos que, como hicieran en un contexto similar en 2005, Gallagher y compañía consigan sorprendernos de nuevo.
El próximo 14 de junio, el polifacético cantautor norteamericano abrirá su primera exposición como dibujante, una faceta artística que Dylan cultiva desde hace años.
El evento tendrá lugar en la Halcyon Gallery de Londres bajo el título de The Drawn Blank Series. Se trata de una colección de dibujos y bocetos realizados por Dylan durante las giras realizadas entre 1989 y 1992.
Sin duda, es una buena oportunidad para conocer más a uno de los artistas que más han contribuido a cambiar el curso de la historia de la música popular, aunque sus dibujos no sean su creación más feliz.
Steve Winwood Nine Lives (2008)
Fecha de publicación: 29 de abril
Discográfica: Columbia
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Rolling Stone 3/5
The Independent 3/5
UNCUT 3/5
Su carrera en solitario es una errática búsqueda que le ha llevado a adentrarse por casi todos los rincones del mundo de la música, desde el jazz hasta el pop, pasando por el blues o la psicodelia, reminiscencia de sus tiempos con Traffic. Pero Steve Winwood siempre será un viejo rockero y su juventud como cantante de blues revive en Nine Lives como hace mucho tiempo que no lo hacía. Y no sólo eso. Es su mejor disco desde los ochenta, cuando firmara algunos de sus mayores éxitos comerciales. Esta vuelta a los orígenes (tan de moda hoy en día) no es, sin embargo, casual. About Time (2003) ya anticipó un cambio de rumbo con respecto a sus discos anteriores (una serie de infructuosos intentos de revivir el éxito de Back in the High Life) y ese resurgir de Winwood como compositor se confirma en Nine Lives. Un disco que nos reconcilia con el músico y nos invita a esperar mucho más en sus próximos trabajos.
01 I'm Not Drowning 3:32
02 Fly 7:49
03 Raging Sea 6:17
04 Dirty City 7:44
05 We're All Looking 5:25
06 Hungry Man 7:07
07 Secrets 6:41
08 At Times We Do Forget 5:57
09 Other Shore 6:41
The Byrds Mr. Tambourine Man (1965)
Es uno de los discos debut más inolvidables de todos los tiempos, tuvo una importancia decisiva en su época como catalizador del llamado folk rock y ayudó a pasar una página fundamental en la evolución del rock (por entonces se estaba consolidando un nuevo género, el pop, que revolucionaría la industria musical). Su influencia se extiende hasta nuestros días. Durante décadas ha servido de fuente de inspiración a algunas de las mejores bandas a ambos lados del Atlántico. Pero todo eso es historia. Lo que hoy nos queda son doce sencillas canciones, interpretadas sin más pretensión que la de reivindicar el lirismo del folk a través de unas melodías tiernas y pegadizas pero absolutamente memorables, que mantienen intacta una singular frescura casi cuarenta y cinco años después. Sin duda, la cristalina producción de Terry Melcher acarrea con buena parte de la culpa. Pero también la guitarra de doce cuerdas y la mística voz de Roger McGuinn, líder del grupo, contribuyen indispensablemente a la creación de un sonido único, que crea adicción y que acalla las fauces de quienes ven en el rock un arte, ay, menor. Aquí hay tanta belleza e intensidad como en la música de Orff, la pintura de Gauguin o la escultura de Brancusi. Brilla, de hecho, la misma luz acogedora que en los trabajos de aquéllos, porque todos prescinden de la sofisticación para ofrecer una visión profunda de la realidad a través de las formas más simples y accesibles.
01 Mr. Tambourine Man 2:21
02 I'll Feel a Whole Lot Better 2:34
03 Spanish Harlem Incident 2:00
04 You Won't Have to Cry 2:09
05 Here Without You2:38
06 The Bells of Rhymney 3:33
07 All I Really Want to Do 2:05
08 I Knew I'd Want You 2:16
09 I'ts No Use 2:25
10 Don't Doubt Yourself, Babe 2:57
11 Chimes of Freedom 3:53
12 We'll Meet Again 2:10
Paul Weller Wild Wood (1993)
Cada nueva escucha de Wild Wood es un descubrimiento. En su segundo disco en solitario tras la desaparición de The Jam, Paul Weller perfecciona la apuesta de su anterior trabajo (un pop clasicista parcialmente inspirado en el folk y la psicodelia). Con Wild Wood, el músico inglés recupera su estatus artístico y alcanza la madurez compositiva que le convertirá en uno de los grandes artistas de finales del siglo XX. Es un disco calmado, emocionante, detallista, el tipo de música que eleva la categoría del rock como arte y como experiencia auditiva. Todas las facetas de la personalidad de Weller están presentes en este álbum. Las guitarras eléctricas piden paso en más de una ocasión entre un repertorio de sonidos cada vez más variado que va desde el órgano a los aplausos, pasando por el piano, la armónica, el Mellotron, las guitarras acústicas, toda clase de percusiones y el excelente trabajo de Marco Nelson en el bajo. Toda una gama de tonalidades sonoras que Weller utiliza con maestría para imprimir calidez al sonido y llevar sus canciones hasta el corazón del oyente. Una obra maestra de la música contemporánea.
Escucha Wild Wood a través de la página web de Yep Rock Records: http://216.69.135.140/MP3Players/Weller/WildWood/Wimpy.html
01 Sunflower 4:06
02 Can You Heal Us (Holy Man) 3:41
03 Wild Wood 3:22
04 Instrumental, Pt. 1 1:37
05 All the Pictures on the Wall 3:56
06 Has My Fire Really Gone Out? 3:50
07 Country 3:39
08 Instrumental Two :49
09 5th Season 4:54
10 The Weaver 3:43
11 Instrumental One, Pt. 2 :34
12 Foot of the Mountain 3:37
13 Shadow of the Sun 7:36
14 Holy Man (Reprise) 1:50
15 Moon on Your Pyjamas 3:59
16 Hung Up 2:40
Rick Springfield Working Class Dog (1981)
Working Class Dog no es uno de esos discos que hay que escuchar antes de morir. Rick Springfield no es uno de los nombres propios de la historia de la música popular. Pero sin duda su música (y en particular este disco) tiene algo que la distancia de la de otros iconos pop de la juventud ochentera. No deja de ser "música para adolescentes", pero las canciones de Springfield son de lo mejor del género. En vez de pervertir el nombre del pop y comerciar con él, el australiano remite a la esencia del género, yendo a lo fácil (que a veces es lo más difícil). Claro que consigue componer un álbum repleto de temas con regusto de clásicos atemporales, algo que no está al alcance de otros artistas dentro del mainstream. Títulos como "Jessie's Girl", "Love Is Alright Tonight" o "I've Done Everything for You" son clarísimos ejemplos de hits asequibles para todo tipo de públicos pero de calidad. Aunque la producción juega en su contra en ocasiones, encasillando al disco en exceso dentro de la época en que fue editado, su pretensión es no conocer de modas y las canciones cumplen ese objetivo a la perfección. Su amable envoltorio no las priva de ser estupendas composiciones, escritas con sabiduría e inteligencia. Aunque la figura de Springfield quedará asociada por siempre a la adolescencia y a la superficialiad, su música reclama atención. Una atención que merece y que yo le doy.
01 Love Is Alright Tonite 3:28
02 Jessie's Girl 3:14
03 Hole in My Heart 3:12
04 Carry Me Away 3:01
05 I've Done Everything for You 3:17
06 The Light of Love 2:45
07 Everybody's Girl 2:59
08 Daddy's Pearl 2:37
09 Red Hot & Blue Love 2:59
10 Inside Silvia 4:43
Qué es: una estructura en forma de 'W' atravesada por 6 láseres que transmiten al ordenador, a través de USB, una serie de señales según interactuemos con los haces, transformándolos en sonidos musicales.
Por qué merece la pena: permite disfrutar del placer de "hacer" música sin necesidad de ningún conocimiento teórico ni pericia o talento (ideal para nuestra sociedad, vaya).
Precio/disponibilidad: cuesta 599,95 dólares, al cambio, algo más de 387€ y se puede comprar en esta web.
Una pega: puede hacer que te sientas bastante ridículo (sobre todo después de haber pagado casi 400 euros).
Elvis Costello & the Imposters Momofuku (2008)
Fecha de publicación: 6 de mayo
Discográfica: Lost Highway
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Pitchfork 7,5/10
PopMatters 7/10
Dos años después de The River in Reverse, su magnífica colaboración con Allen Toussaint, Costello vuelve junto a los Imposters en el pintorescamente titulado Momofuku (se debe a Momofuku Ando, inventor de la cup noodle, un envase para sopa de fideos precocinados), un álbum en el que el veterano músico recupera un sonido que creíamos perdido para siempre. Aunque la carrera de Costello nunca ha decaído como la de alguno de sus compañeros de generación, la vitalidad y la frescura de sus primeras grabaciones se había ido transformando poco a poco en un sonido complejo y elaborado que ya no ponía el énfasis en las melodías pegadizas y el gancho de los arreglos. Esa sofisticación propia de su madurez como músico caracterizó The Delivery Man (2004), su último trabajo junto a los Imposters. Pero en Momofuku Costello recupera parte de una frescura casi juvenil que recuerda por momentos a las grabaciones con the Attractions. Como aquéllas, las de este álbum han sido rápidas y esa es la clave de la energía del álbum. En tantas ocasiones los discos de Costello han parecido estar demasiado trabajados que la sensación de urgencia que transmite Momofuku es más que bienvenida. [Por cierto, a pesar de las muchas especulaciones y comentarios del propio Costello, al final el disco sale también en CD].
01 No Hiding Place 4:00
02 American Gangster Time 3:46
03 Turpentine 5:42
04 Harry Worth 4:28
05 Drum & Bone 2:35
06 Flutter & Wow 4:23
07 Stella Hurt 4:46
08 Mr. Feathers 2:46
09 My Three Sons 3:06
10 Song with Rose 3:03
11 Pardon Me, Madam, My Name Is Eve 3:53
12 Go Away 4:55
Trent Reznor y sus Nine Inch Nails siguen dispuestos a hacer tambalear los firmes cimientos de la industria discográfica.
Tras ofrecer de forma gratuita su último trabajo, el instrumental Ghost I-IV, y dos temas inéditos, ayer dieron la nota colgando un nuevo álbum al completo.
Lleva por título The Slip y se compone de diez nuevos temas ("Discipline" incluido) que no verán la luz en formato CD hasta julio.
El archivo descargable incluye un PDF con los créditos y las carátulas del álbum. En la producción han acompañado a Reznor Atticus Ross y Alan Moulder.
The Replacements Let it Be (1984)
The Raplacements son uno de los nombres propios de la música alternativa de los ochenta. Más en concreto, son los hijos musicales de Hüsker Dü, los líderes de la escena punk de Mineápolis (la cuna de ambas bandas) y en muchos sentidos sus carreras siguen caminos paralelos. Desde sus inicios, los Replacements ganaron adeptos con su incendiario directo en el que podía pasar cualquier cosa o nada en absoluto, dependiendo de su estado de embriaguez. Sus primeros discos fueron un fiel reflejo de esa estética asilvestrada, que supieron plasmar con crudeza en dos plásticos esenciales, Sorry Ma, Forgot to Take Out the Trash y Hootenanny. Pero para su tercer LP la fórmula ya estaba más que agotada. En plena década de los ochenta la irreverencia punk ya se había mimetizado con el entorno y el público estaba insensibilizado ante sus desvaríos. Conscientes de ello, Paul Westerberg y compañía decidieron dejar de lado su faceta más adolescente y preocuparse seriamente por la música (lo que les salvó de acabar siendo esclavos de su tiempo como otros muchos grupos). El resultado demostró que no eran una banda más, sino un combo lleno de talento todavía por explotar. Aunque se siguen distinguiendo trazos de sus discos anteriores ("Tommy Gets His Tonsils Out"), en Let it Be son evidentes las nuevas referencias de la banda. Empezando por el título (aunque sea en forma de burla, es un homenaje a los Beatles) y terminado por la versión del clásico de Kiss "Black Diamond", los Replacements expanden su vocabulario considerablemente en este disco, incorporando el pop, el rock & roll y el surf a su punk alternativo de siempre. Aunque, a primera vista, les quedó un álbum irregular e incluso inconsistente, el eclecticismo del material contribuye, sin embargo, a configurar un trabajo sólido y potente. Aunque ellos no lo pretendieran, Let it Be se convirtió en banda sonora de una generación y es una bandera de la época en que apareció. Sería, además, su pasaporte para firmar con una gran discográfica. Cosa que harían, siguiendo la estela de los Hüsker Dü y que luego continuarán otros como R.E.M., pero esa es otra historia.
01 I Will Dare 3:18
02 Favorite Thing 2:19
03 We're Comin' Out 2:21
04 Tommy Gets His Tonsils Out 1:53
05 Androgynous 3:11
06 Black Diamond 2:40
07 Unsatisfied 4:01
08 Seen Your Video 3:08
09 Gary's Got a Boner 2:28
10 Sixteen Blue 4:24
11 Answering Machine 3:40
Los Byrds pondrán a la venta en junio la grabación que recoge su actuación de 1971 en el Royal Albert Hall londinense. Por aquel entonces el grupo estaba formado por Roger McGuinn, Clarence White, Skip Battin y Gene Parsons. Precisamente McGuinn confirmó que la grabación provenía de su colección privada y que otras similares podrían aparecer próximamente. Bob Irwin, responsable de Sundazed Records fue quien les animó a publicarlas. [NME]
Ya ha llegado a YouTube la sorprendente parte de la actuación de Prince en Coachella en la que versionó el tema de Radiohead "Creep". [Rolling Stone]
Nueve grandes compañías discográficas denunciaron al portal Project Playlist ayer, acusando a sus responsables de un "masivo infringimiento" del copyright de artistas como U2 o Gwen Stefani. La web permite a sus usuarios compartir música de forma fácil y gratuita a través de la red y pasarla a sus iPhone o iPod. Según la demanda, la página cuenta con 600.000 usuarios y recibe 9 millones y medio de visitas diarias. ¿Cómo se atreven? [Reuters]
El pasado sábado, Bon Jovi se vio obligado a retrasar durante tres horas su concierto en el BankAtlantic Centerin Sunrise de Florida por una amenaza de bomba. Una llamada alertó a la policía. Finalmente resultó ser una falsa alarma. [NME]
Mudcrutch Mudcrutch (2008)
Fecha de publicación: 29 de abril
Discográfica: Reprise / Wea
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Uncut 3/5
PopMatters 8/10
Mudcrutch nunca llegaron a grabar un disco cuando nacieron en 1970 con Tom Leadon y Tom Petty al frente. Tras una serie de singles y varias maquetas la banda se disolvió y Petty formó los exitosos Heartbreakers, junto a los que ha grabado sus grandes álbumes clásicos. Sin embargo hoy, casi cuarenta años después, el rockero ha impulsado esta reunión con sus antiguos compañeros en lo que supone el primer LP de la banda. Todo el espíritu del rock sureño de los americanos sigue intacto en este trabajo, que destila buen gusto por los cuatro costados. Es la elección ideal para hacer un ejercicio de nostalgia o para redescubrir una época gloriosa para la música. Desde las apasionadas versiones de las clásicas "Shade Grove" y "Lover of the Bayou" hasta la ligereza de "This Is a Good Street", pasando por la épica de "Crystal River", Mudcrutch hace un espectacular recorrido por todos los paisajes del rock americano más atemporal.
01 Shady Grove 3:58
02 Scare Easy 4:35
03 Orphan of the Storm 4:07
04 Six Days on the Road 3:28
05 Crystal River 9:29
06 Oh Maria 3:43
07 This Is a Good Street 1:54
08 The Wrong Thing to Do 4:10
09 Queen of the Go-Go Girls 3:42
10 June Apple 2:25
11 Lover of the Bayou 4:32
12 Topanga Cowgirl 3:54
13 Bootleg Flyer 3:48
14 House of Stone 3:00
Durante todo el día de ayer, los británicos Coldplay acapararon buena parte de la atención de la prensa musical internacional. Su nuevo disco, Viva La Vida or Death And All His Friends, aparecerá el próximo 12 de junio y Chris Martin y los suyos ya están promocionándolo.
Aunque ya anunciaron que el 7 de mayo los lectores de NME podrán adquirir una versión en vinilo del primer single de su nuevo trabajo, ayer confirmaron que "Violet Hill" también podrá ser descargada desde su página web. Será a partir de las 13:15 de hoy y durante una semana.
Además, según ha publicado la propia NME, ya conocemos la carátula que llevará el disco (en la foto). Se trata de una fotografía del famoso cuadro pintado por Eugène Delacroix en 1830 La Libertad guiando al pueblo, sobre el que se ha escrito el título del álbum.
En otro orden de cosas, la banda también anunció la celebración de dos conciertos gratuitos para promocionar el nuevo CD. Tendrán lugar en la Brixton Academy de Londres el 16 de junio y en el Madison Square Garden de Nueva York el 23 del mismo mes.
La web We7 ofrece MP3 gratuitos de los artistas del sello Sony/BMG y otros clásicos como Elvis Presley o Michael Jackson. Aunque para descargarlos todavía hay que pagar, los usuarios pueden escuchar las canciones sin ningún coste mientras visitan la página. El único inconveniente son 10 segundos de anuncios entre una canción y la siguiente. El catálogo que abarca la web asciende a 250.000 temas. [NME]
Rufus Wainwright compondrá una ópera para la Metropolitan Opera, basada en el día a día de un cantante de este género. Según afirmó, "quería escribir una ópera desde los 14 años". La inspiración la encontró en estrellas como María Callas o Norma Desmond y en la película Diva de Jean-Jacques Beineix. [NME]
Este verano regresa el Hippiefest, un festival musical sólo apto para nostálgicos. Entre los integrantes del cartel de esta edición están los principiantes Jack Bruce (de Cream), Eric Burdon & the Animals y los Turtles. El evento dará comienzo el próximo 11 de julio en Phoenix. También acudirán a la cita con la historia del rock Badfinger (con Joey Molland) y Terry Sylvester (miembro fundador de los Hoolies). [liveDaily]
El ex Pink Floyd Roger Waters cerró la última edición del festival Coachella, celebrado el pasado fin de semana, con una espectacular puesta en escena del clásico Dark Side of the Moon, cerdo volador gigante incluido. Durante las tres horas de actuación también repasó algunos temas en solitario. [NME]
El que fuera batería y líder de Genesis en los 70, Phil Collins, ha anunciado que no volverá a ir de gira ni grabar discos. En una entrevista concedida a The Times, el músico declaró que seguirá escribiendo música, pero que la gira que acaba de protagonizar junto a sus antiguos compañeros en Genesis ha sido la última de su vida. Collins afirmó sentirse más interesado por el coleccionismo que por la música a estas alturas de su vida. [NME]
Los irlandeses U2, que llevan un año trabajando en su nuevo disco, han decidido desechar todo lo que han grabado hasta el momento y comenzar de nuevo. The Edge, el guitarrista del grupo ha afirmado que se lo tomarán más en serio a partir de ahora. [los40.com]
Este fin de semana se celebró uno de los festivales más multitudinarios de cada año, el californiano Coachella. Entre lo más destacable de lo ocurrido allí estuvo la reaparición de los británicos the Verve, con Richard Ashcroft a la cabeza y las actuaciones de los Raconteurs, que dieron cuenta de su último CD, Consolers of the Lonely, los aclamados Les Savy Fav, y Prince, quien versionó el tema de Radiohead "Creep". [Reuters]
La edición digital de la revista Rolling Stone ha colgado en su web el último disco de los punks Les Savy Fav. Se trata de un directo grabado en el Bowery Ballroom de Nueva York que lleva por título After the Balls Drop. [Rolling Stone]
Madonna Hard Candy (2008)
Fecha de publicación: 28 de abril
Discográfica: Warner Bros.
Reseñas profesionales:
allmusic 2/5
Pitchfork 5,3/10
NME 5/10
liveDaily
PopMatters 5/10
UNCUT 3/5
A Madonna le quedaba un disco para terminar su contrato con Warner Bros. y eso es algo que resulta tristemente evidente después de escuchar su último trabajo. Hard Candy no es más que eso, un puro trámite para pasar a otra etapa (quizá vinculada a Live Nation). Ya desde la portada se advierten las pocas ganas de hacer música interesante que tenía Madonna aquí. Una absurda (pero muy extendida) inercia le ha llevado a contar con el macro productor Timbaland y con varios colaboradores "comodín", como Justin Timberlake (quizá para asegurar cierto número de ventas a la compañía). En lo musical muy poquito se salva de esa sensación de cansancio y falta de interés, que llega incluso a la vergüenza ajena en algunos momentos. Si su último Cd, Confessions on a Dance Floor fue una interesante recreación de sus mejores momentos como reina del pop, Hard Candy es todo lo contrario, un disco artificialmente "moderno", frío, repetitivo hasta el mareo y tremendamente aburrido. Muy poco recomendable.
01 Candy Shop 4:15
02 4 Minutes 4:03
03 Give It 2 Me 4:47
04 Heartbeat 4:03
05 Miles Away 4:48
06 She's Not Me 6:04
07 Incredible 6:19
08 Beat Goes On 4:26
09 Dance 2night 5:03
10 Spanish Lesson 3:37
11 Devil Wouldn't Recognize You 5:08
12 Voices 3:39
El trompetista inglés Humphrey Lyttleton murió el pasado viernes. El músico fue ingresado a principios de la semana pasada para ser operado del corazón. Lyttleton había alcanzado una inmensa fama por algunas de sus otras actividades profesionales, como dibujante, escritor, locutor de radio y presentador de concursos en la BBC. Pero su pasión fue el jazz, en el que empezó inspirándose en figuras como la de Louis Armstrong. [Reuters]
El nuevo single del sexteto brasileño CSS (cansei de ser sexy), "Rat Is Dead (Rage)", estará disponible desde esta misma tarde en la página web de la banda. La canción forma parte del próximo disco del grupo, Donkey, que verá la luz el 21 de julio. [lahiguera.net]
Revolution Rock es el último DVD retrospectivo de la carrera de the Clash. Dirigido por Don Letts, incluye imágenes de la interpretación de "Know Your Rights" en la edición de 1983 del californiano US Festival en San Bernardino, California. Aquélla fue la última actuación de su guitarrista y cantante Mick Jones junto a la banda. Además añade algunas rarezas, como la ocasión en que el bajista Paul Simonon cantó "Guns of Brixton". [Billboard]
La poetisa y rockera Patti Smith lanzará un disco junto a Kevin Shields, guitarrista y cantante de My Bloody Valentine. Se trata de un directo que recoge sus actuaciones conjuntas de junio del 2005 y septiembre de 2006. A la venta el 10 de julio. [NME]
Firmemente asentadas en la tradición de las Variaciones Goldberg de Bach y las Variaciones Diabelli de Beethoven, las Variaciones sobre un tema de Haydn de Johannes Brahms ahondan en el concienzudo estudio que el compositor realizó a lo largo de su vida de algunos de los grandes nombres de la música clásica, como Händel o Beethoven.
También conocidas como Variaciones San Antonio, fueron compuestas durante una estancia veraniega de Brahms en el lago Starnberger, cerca de la ciudad de Múnich. El tema en el que están basadas pertenece al primero de una serie de seis Divertimentos que, efectivamente, se creían escritos por Haydn. No obstante, algún tiempo después se comprobó que eran obra de su discípulo Ignace Pleyel.
En 1830, Fanz Liszt anotó en una libreta el primer esbozo del tema principal de este concierto. Pasarían casi tres décadas hasta que el compositor húngaro diera su forma definitiva a esta obra. Esta gran tardanza se debió principalmente a su intensa actividad como concertista.
Liszt fue uno de los más reputados pianistas en su tiempo y después ha sido reconocido como uno de los más extraordinarios de toda la historia. Sin embargo, encontró otra dificultad. Su empeño por sintetizar los lenguajes pianístico y orquestal le costó más de un quebradero de cabeza. Incluso tuvo que recurrir a la ayuda de su discípulo Joachim Raff para orquestar la composición.
El coreógrafo danés Kim Brandstrup ha rescatado una olvidada partitura del ruso Sergei Prokofiev para transformarla en un nuevo ballet. La música fue escrita como banda sonora de la versión cinematográfica de La reina de espadas de Pushkin, un proyecto que nunca llegó a realizarse.
Sin embargo, Brandstrup se ha refugiado en otras influencias para crear su ballet. En primer lugar en El idiota de Fyodor Dostoyevsky (sobre todo para los personajes), pero también en Iván el terrible, la conocida película de Sergei Eisenstein a la que también Prokofiev puso música.
El estreno de la obra tuvo lugar el pasado miércoles en el Covent Garden londinense, según informó Reuters. Entre los bailarines principales se cuentran el cubano Carlos Acosta (en la foto), la rumana Alina Cojocaru y la española Laura Morera. El espectáculo incluye imágenes en blanco y negro, proyectadas sobre el escenario.
Aunque titulada "Londres", la Sinfonía 104 de Haydn es tan sólo la última de una serie de doce sinfonías que el compositor escribió durante su estancia en la capital inglesa y con las que puso fin a su contribución al género. Aunque durante los años que pasó al servicio de la familia Esterházy gozó de libertad para, según sus propias palabras, "ser original", cuando tuvo que regresar al circuito comercial lo hizo con un ímpetu experimentador casi inédito en su carrera.
Sorprendentemente, al regresar a Viena abandonó esta tendencia y consagró el resto de su vida a la música de cámara y coral. Su obra ya había calado hondo en el difunto Mozart y en su joven alumno Beethoven (entre otros muchos).
El próximo 24 de junio saldrá a la venta el nuevo disco del fundador y líder de the Jam, Paul Weller. Se trata de un álbum doble que lleva por título 22 Dreams y sucede a su último trabajo, As Is Now (2005). Para la grabación, Weller ha contado con la participación de dos de los protagonistas del fenómeno Brit pop de los 90: el batería de Blur, Graham Coxon y los miembros de Oasis Noel Gallagher y Gem Archer. [En Pitchfork]
The Jesus And Mary Chain han publicado su nuevo single a través de la web de la revista británica NME. Se trata de una canción perteneciente a la banda sonora de la serie de éxito internacional Héroes. [En NME]
Los archivos de Greatful Dead, que incluyen algunos recuerdos como el primer contrato discográfico de la banda, réplicas de los esqueletos de sus componentes a tamaño real y dibujos realizados a mano por los fans, residen ya en la Universidad de California, donde serán expuestos en una sala de lectura de la biblioteca McHenry. Hasta ahora los objetos eran custodiados por Eileen Law, empleada del grupo desde el 72. [En liveDaily]
Con motivo del 30 aniversario de su lanzamiento, el 8 de julio saldrá a la venta una doble edición especial del clásico de Billy Joel The Stranger. La edición normal estará compuesta de dos CDs y una edición deluxe limitada añadirá un DVD. [En liveDaily]
El primer vídeo es el segundo videoclip de Accelerate, el último disco de R.E.M. Se trata del cuarto corte del álbum, "Hollow Man".
El segundo es un single de adelanto del nuevo trabajo de Tom Petty junto a su primera banda, Mudcrutch, reformada recientemente. Se trata de una versión del tema de los Byrds "Lover of the Bayou".
El pasado 22 de abril moría, a la edad de 60 años, el cantautor Paul Davis. A pesar de ser un gran desconocido para la mayoría su tenue rock triunfó en más de una ocasión en las listas de ventas durante los años 70 y 80. De hecho es uno de los artistas más exitosos de las listas de singles. Entre sus hits se cuentan: "Ride ‘Em Cowboy" (1974), "I Go Crazy" (1977) y "Cool Night" y "‘65 Love Affair", ambas escritas en 1982. [En allmusic]
El próximo 7 de mayo saldrá a la venta, junto con la revista británica NME, el primer single del nuevo trabajo de Coldplay, Viva La Vida Or Death And All His Friends. "Violet hill" y "A spell a rebel yell" son sus caras A y B, respectivamente. [En Hipersonnica]
El próximo 6 de junio, unos reformados Boston emprenderán su primer tour por los Estados Unidos desde 2004. La banda se reagrupó tras la muerte de su cantante original, Brad Delp, acaecida el año pasado. Coincidiendo con la gira, el grupo lanzará un Greatest Hits con canciones de sus cinco discos, fotografías y comentarios de Tom Scholz, cerebro del combo desde los 70. Michael Sweet (Stryper) y Tommy DeCarlo sustituirán a Delp en la voz. [En liveDaily]
Scott Weiland se encuentra grabando ya su próximo álbum, que sucederá a 12 Bar Blues (1998), junto a Steve Albini y Adrian Young (batería de No Doubt). Aunque todavía no hay fecha, Weiland espera poder sacarlo en noviembre de este mismo año. [En Pitchfork]
El próximo 10 de julio se celebrará en Liverpool el primer Día de los Beatles. La fecha coincide con el 44 aniversario del regreso de la banda a su ciudad de origen tras la primera gira del grupo por Estados Unidos. El evento servirá para disparar las ventas de todo tipo de quincallería del grupo. Guitarras inflables y pelucas inundarán todos los comercios y las emisoras de radio programarán sus canciones durante toda la jornada. [En NME]
Nine Inch Nails han colgado en su web oficial un nuevo single que podemos descargar de forma gratuita. "Discipline" se puede descargar desde la web del grupo como MP3 o desde su página de remixes para que cada fan cree su propia versión. [En Hipersonica]
En una entrevista concedida a Rolling Stone con motivo del Día de la tienda de discos, Lars Ulrich, batería de los míticos Metallica, habló sobre la crisis de este tipo de establecimientos y sobre la grabación del nuevo disco del grupo junto a Rick Rubin. Ulrich destacó la importancia de las tiendas discos en su infancia, habló de las nuevas posibilidades de Internet y elogió la "delirante" forma de trabajar de Rubin. [En Rolling Stone]
Seguimos enlazándoos a los discos más interesantes que la discográfica Yep Roc Records ha colgado en Internet. Hoy os recomendamos Electronic Projects for Musicians, una recopilación de caras B del grupo de pop independiente Apples in Stereo:
http://216.69.135.140/MP3Players/Apples/BSides/wimpy.html
MGMT Oracular Spectacular (2008)
Fecha de publicación: 22 de enero
Discográfica: Columbia
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Pichfork 6,8/10
Rolling Stone 3,5/5
Billboard
PopMatters 5/10
MGMT, anteriormente conocidos como the Management (e nombre se sigue pronunciando igual), son uno de los últimos grupos en triunfar dentro del pop independiente. Tras unas primeras grabaciones enmarcadas en una estética electroclash radical, el dúo formado por Ben Goldwasser y Andrew Van Wyngarden se reinventó como grupo de pop neo psicodélico. Abrazaron una serie de influencias mucho más clásicas, que hundían sus raíces en la música pop de finales de los 60. Se acercaron así a otras bandas de similares planteamientos como Of Montreal, junto a los que emprendieron una gira en 2007 furto de la que ha surgido una sugerente colaboración entre Van Wyngarden y Kevin Barnes, líder de Of Montreal. Oracular Spectacular es su LP de debut y supone la confirmación de que su apuesta va en serio. Es un disco sólido en el que no arriesgan pero consiguen elaborar un sonido que, sin dejar de ser propio, pueda llegar a un público mucho más amplio. La música de MGMT está más cerca de los Kinks y los Beatles que de cualquier grupo de la electrónica independiente. Ganchos irresistibles y melodías empalagosas sin límite.
01 Time to Pretend 4:21
02 Weekend Wars 4:12
03 The Youth 3:48
04 Electric Feel 3:49
05 Kids 5:02
06 4th Dimensional Transition 3:58
07 Pieces of What 2:43
08 Of Moons, Birds & Monsters 4:46
09 The Handshake 3:39
10 Future Reflections 4:00
El próximo 30 de abril comenzará en Boston el juicio en el que Yoko Ono ha denunciado a la empresa World Wide Video para evitar que salga a la luz un vídeo en el que John Lennon aparece consumiendo drogas. Además, ayer conocimos que, junto a los dos hijos del músico, la artista ha denunciado también a los productores del documental Expelled: No Intelligence Allowed por utilizar "Imagine" sin permiso. [En NME y Reuters]
La noche del pasado martes la E Street Band ofreció su primer concierto tras la muerte de Danny Federici. El teclista fue homenajeado con una interpretación de "Backstreets" en la que su puesto, vacío, fue iluminado por un foco. [En Rolling Stone]
Arctic Monkeys y the Strokes preparan ya sus respectivos siguientes trabajos. Alex Turner (de los Monkeys) anunció ayer que la banda lleva tiempo trabajando en varias demos que grabarán a lo largo del verano y que serán la base de su tercer disco, que posiblemente salga el año que viene. Nikolai Fraiture, bajista de los Strokes, anunció, a través de la web de la banda, que están preparándose para grabar sus nuevas canciones. [En NME y NME]
Los belgas Soulwax estrenaron anoche en Londres su nuevo DVD, Part Of The Weekend Never Dies. La premiere vino precedida de la aparición del trailer a través de Internet. EL documental ha sido producido por el director Saam Farahmand. [En NME]
Hasta ahora siempre se había pensado que Elvis Presley nunca estuvo en Inglaterra. Pues bien, Bill Kenwright, productor teatral y amigo del rockero londinense Tommy Steele, afirma lo contrario. En declaraciones a BBC Radio 2, Kenwright aseguró que Elvis realizó un viaje secreto a Londres, en compañía de Steele, allá por 1958. El Rey del rock contaba por entonces 23 años y visitó el Parlamento y el Palacio de Buckingham. En NME.
Los británicos the Kooks han conseguido el primer puesto en las listas de ventas con su nuevo trabajo, Konk. Mariah Carey se ha quedado en la tercera posición con su E=mc2. En lahiguera.net.
El cantante soul Al Wilson, famoso por su número uno de 1974 en Estados Unidos "Show and Tell" murió el pasado lunes, según informó la prensa local. La causa de la muerte fue, al parecer, una insuficiencia renal. El cantante de 68 años estaba ingresado en un hospital de Fontana (Los Angeles). Natural de Mississippi, Wilson publicó su primer sigle, "The Snake", en 1968. "Show and Tell" fue número uno durante una semana. En Reuters.
Keith Richards, guitarrista de los Rolling Stones, ha anunciado que tiene la intención de abrir un museo en el que exponer las cerca de 3.000 guitarras que ha ido acumulando con los años. En los40.com.
The Feelies Crazy Rhythms (1980)
En medio de la efervescencia musical de finales de los 70, con toda una serie de tendencias queriendo abrirse camino tras la explosión punk, la escena underground de Nueva York dio a luz innumerables bandas que, en su mayoría, se han perdido en el olvido con el paso del tiempo. Pocas han conseguido ser tan originales e influyentes como the Feelies. Tomando como referencia el pop avant-garde de los también neoyorquinos Velvet Undeground y el Krautrock, los Feelies incorporaron algunos sonidos de su tiempo, sobretodo de la new wave, el surf rock y el punk. Esa compleja amalgama resultó en un cóctel explosivo que sentó cátedra en el underground amerciano, marcando la pauta para los venideros Hüsker Dü o R.E.M. Crazy Rhythms es su álbum debut, aunque es un disco tremendamente bien acabado. Además de sus angulosas canciones, los Feelies incorporaron dos versiones de temas clásicos de Beatles y Rolling Stones. Si bien en "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" se toman más libertades, el "Paint It Black" de los Rolling es mucho más fiel al original, evidenciando un gran reconocimiento a la música de estos dinosaurios del rock. Aunque no hicieron tan grandes cosas después, los Feelies merecen un lugar destacado en la historia del rock como el clásico que son.
01 The Boy With the Perpetual Nervousness 5:09
02 Fa Cé-La 2:01
03 Loveless Love 5:08
04 Forces at Work 7:08
05 Original Love 2:55
06 Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey (Lennon, McCartney) 4:09
07 Moscow Nights 4:32
08 Raised Eyebrows 3:00
09 Crazy Rhythms 6:08
10 Paint It Black (Jagger, Richards) 2:54
Ayer salió a la venta el nuevo disco de Elvis Costello y the Imposters, Momofuku. Sin embargo, hasta el 1 de mayo el LP sólo estará disponible como doble vinilo. En su renovada página web, el músico ha explicado que el título proviene del inventor de la Cup Noodle (un envase para sopa de fideos), Momofuku Ando. Además cuenta las historias que hay detrás de cada tema, incluyendo detalles sobre las colaboraciones de Roseanne Cash, Johnathan Rice y Jenny Lewis (Rilo Kiley ). En Rolling Stone.
Diez años después de su muerte, una exposición recopila parte del trabajo de Linda McCartney como fotógrafa junto a algunas de las grandes esrtellas del rock, incluyendo el grupo de su marido. En BBC News.
A través de su página web oficial, Smashing Pumkins han afirmado que quizá no vuelvan a grabar otro álbum juntos. Al parecer Billy Corgan y los suyos tienen pensado servirse de formatos más novedosos para publicar sus próximos trabajos. Descartan así una posible disolución de la banda. El batería Jimmy Chamberlin lo dejó claro: "escribiremos y grabaremos hasta que estemos muertos". Los rumores se habían disparado tras el frío recibimiento dispensado a su último álbum. En NME.
Los Guns N' Roses están "en negociaciones" para el lanzamiento de su nuevo álbum, Chinese Democracy, tras más de una década de producción. Lo han asegurado a través de su web. La fecha sigue siendo una incógnita. En Billboard.
Pulp Different Class (1995)
Una de las mejores razones por las que apasionarse por la música. Different Class es uno de los discos más excepcionales que se pueden escuchar, imprescindible desde cualquier punto de vista. Posiblemente la razón por la que el sonido de este álbum es tan único, sea la larga y errática trayectoria de Pulp durante los años 80, que les condujo a través de los más diversos estilos (desde David Bowie, al rock independiente, el new age, la música dance...). Llegados a los 90, abrazaron la corriente Brit-pop imperante (Suede, Blur, Oasis, Elastica, etc.), aplicando toda esa experiencia acumulada. Los resultados fueron, en primer lugar, el impecable His 'n' Hers de 1994 y, más tarde, el milagroso Different Class de 1995. Un trabajo en el que van más allá de las influencias anteriores, que ya les hacían extraordinarios, e incorporan un sinfín de nuevas ideas que aportan a su música un dramatismo y una teatralidad insólitos. En algunas ocasiones rememoran el teatro musical, en otras nos sumergen en densos océanos de sonido para sacarnos a la superficie repentinamente con alguna de las grandiosas melodías que palpitan en cada canción. Es adictivo, emocionante, excitante; uno de los discos más redondos de la historia de la música.
01 Mis-Shapes 3:46
02 Pencil Skirt 3:11
03 Common People 5:50
04 I Spy 5:55
05 Disco 2000 4:33
06 Live Bed Show 3:29
07 Something Changed 3:18
08 Sorted for E's & Wizz 3:47
09 F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E 6:01
10 Underwear 4:06
11 Monday Morning 4:16
12 Bar Italia 3:24
Hüsker Dü Warehouse: Songs & Stories (1987)
El último disco de estudio de la banda de rock alternativo Hüsker Dü y, sin duda, uno de sus mejores trabajos. Aunque rechazado en ocasiones por los puristas debido a sus concesiones en la producción, Warehouse: Songs & Stories (el segundo doble disco del grupo, tras el legendario Zen Arcade de 1984), es todo un clásico del rock underground y uno de los álbumes más influyentes de los 80. Un año antes, la banda debutó en la discográfica Warner Bros. con el irregular Candy Apple Grey, dando el salto al mainstream después de una importante carrera en el anonimato. Pero el incipiente agotamiento del grupo y la inconsistencia de su debut en Warner, desaparece en Warehouse. La banda recupera su infalible inspiración y firma un disco a la altura de sus mejores trabajos de mediados de la década. Aunque posiblemente su canción más reconocible sea "Could You Be the One?", cada tema de los veinte que integran el álbum posee una melodía irresistible, un ritmo incansable y una interpretación imponente que lo hacen imprescindible. A pesar de sus detractores, Warehouse es un inmejorable punto y final a la carrera de esta mítica y desconocida banda que, junto a R.E.M. cambió las pautas de la música rock tras el desvanecimiento del punk.
01 These Important Years 3:49
02 Charity, Chastity, Prudence, and Hope 3:11
03 Standing in the Rain 3:41
04 Back From Somewhere 2:16
05 Ice Cold Ice 4:23
06 You're a Soldier 3:03
07 Could You Be the One? 2:32
08 Too Much Spice 2:57
09 Friend, You've Got to Fall 3:20
10 Visionary 2:30
11 She Floated Away 3:32
12 Bed of Nails 4:44
13 Tell You Tomorrow 2:42
14 It's Not Peculiar 4:06
15 Actual Condition 1:50
16 No Reservations 3:40
17 Turn It Around 4:32
18 She's a Woman (And Now He Is a Man) 3:19
19 Up in the Air 3:03
20 You Can Live at Home 5:25
Todd Rundgren Hermit of Mink Hollow (1978)
En 1978, la carrera en solitario de Todd Rundgren ya era digna de una posición de privilegio en la historia del rock. Sin embargo, la tenía aparentemente abandonada, ya que su última grabación (de 1976), fue un disco mitad versiones, mitad composiciones propias y desde 1974 desarrollaba una intensa actividad con el grupo Utopia, un proyecto paralelo impulsado por él mismo con la intención de seguir descubriendo nuevos sonidos. Sin embargo, Hermit of Mink Hollow devuelve a Rundgren a su estatus de 1972, tanto comercialmente como artísticamente. Aunque se trata de un disco mucho menos aventurado que Something/Anything, su calidad es equivalente. Desde el primer momento nos encontramos con algunas de las composiciones más directas de Rundgren. Tanto balladas como canciones pop, soul e incluso una incursión en la comedia con "Onomatopeia", conviven de forma completamente natural. El álbum tiene la coherencia de los mejores trabajos de Rundgren sin renunciar a la detalladísima producción típica de este orfebre del pop. La mejor opción, junto con The Ballad of Todd Rundgren, para quienes deseen aproximarse a su música sin pasar por sus experimentos sonoros más arriesgados. Aquí sólo encontrarán al Todd Rundgren estrella del pop.
01 All the Children Sing 3:08
02 Can We Still Be Friends? 3:34
03 Hurting for You 3:20
04 Too Far Gone 2:38
05 Onomatopoeia 1:34
06 Determination 3:11
07 Bread 2:48
08 Bag Lady 3:13
09 You Cried Wolf 2:20
10 Lucky Guy 2:04
11 Out of Control 3:56
12 Fade Away 3:04
The Byrds Sweetheart of the Rodeo (1968)
Sencillamente el mejor disco de country rock de la historia. De la mano del gran amante del country Gram Parsons (que se incorporó a los Byrds como pianista y primer guitarrista), el grupo se adentra en el ambiente del Nashville de los 50 con total naturalidad. Aunque entre sus 11 canciones sólo figuran dos composiciones originales (la fantástica "Hickory Wind" y "One Hundred Years from Now", ambas de Parsons), cada tema es ejecutado con un estilo impecable y un devoto reconocimiento. En realidad The Byrds no eran nuevos en el country, ya desde su segundo disco, Turn! Turn! Turn!, habían coqueteado con los tres acordes y las melodías simples propias del género, aunque nunca yendo tan lejos como aquí. Con Sweetheart of the Rodeo, los Byrds expandieron su influencia más aún, contribuyendo decisivamente a la popularización del country rock y animando a muchos otros grupos a recorrer ese mismo camino. Como demostrará el paso del tiempo, los californianos merecen al menos la misma atención que sus contemporáneos The Beatles, The Rolling Stones o The Beach Boys, aunque nunca la consiguieran. Afortunadamente, su influyente obra les ha procurado el destacado lugar que les correspondía.
01 You Ain't Going Nowhere (Dylan) 2:38
02 I Am a Pilgrim (Traditional) 3:42
03 The Christian Life (Louvin, Louvin) 2:33
04 You Don't Miss Your Water (Bell) 3:51
05 You're Still on My Mind (McDaniel) 2:26
06 Pretty Boy Floyd (Guthrie) 2:37
07 Hickory Wind (Buchanan, Parsons) 3:34
08 One Hundred Years from Now (Parsons) 2:43
09 Blue Canadian Rockies (Walker) 2:05
10 Life in Prison (Haggard, Sanders) 2:47
11 Nothing Was Delivered (Dylan) 3:34
British Sea Power Open Season (2005)
Una de las vacas sagradas del rock independiente actual, British Sea Power es además un grupo excelente que sobrepasa las barreras del género sin ceder a la mediocridad del pop prefabricado. Lo consiguen siendo honestos consigo mismos y evolucionando como grupo. Ciertamente su sonido es mucho más directo aquí que en su debut, pero en muchos aspectos lo mejora. Su infinita capacidad para crear melodías memorables y sugerentes brilla en Opean Season de forma mucho más intensa. La producción es la típica de sus orígenes: un colchón sonoro sobre el que descansan melodías tenues, cantadas con pretendida dejadez y sacudidas por guitarras punzantes. Hay espacio para casi todo en Open Season, desde el pop sin tacha de "It Ended on an Oily Stage" o "To Get to Sleep" hasta experimentos textiles como "True Adventures" (el único toque de cierta pretenciosidad). Aunque no gozan de mucha popularidad (y mucho menos en nuestro país), estos británicos son dignos de atención y lo demuestran en cada nota.
The Stone Roses The Stone Roses (1989)
Es el disco que marca el camino por el que transitará la música pop británica durante los años 90. The Stone Roses pasaron de ser una banda de culto a encabezar todo un movimiento cultural (aunque por poco tiempo) gracias a su inteligente fusión del pop británico clásico (Beatles, Kinks, Small Faces, Byrds, Traffic y demás) y los ritmos dance que inundan el panorama de Madchester a finales de los 80. Para algunos, sin embargo, fue un debut decepcionante, ya que esperaban la música experimental de sus inicios y se encontraron con un álbum sorprendentemente maduro y en el que los sonidos de la cultura rave y el dance estaban completamente integrados en una estética mucho más amable. Pero son precisamente esa estética y el sonido pop del conjunto los que han conseguido que The Stone Roses se convierta en uno de los discos de referencia en la historia del rock y que llegue a millones de personas. Entre sus once canciones encontramos todo tipo de melodías, ritmos, ambientes y sensaciones que si bien conforman un álbum muy compacto, a la vez nos mantienen alerta en todo momento por sus contrastes. La aparente dejadez de Ian Brown al cantar y los extraordinarios arreglos de su inseparable (por entonces) John Squire, que repletos de gancho, contribuyen a crear fascinación por este trabajo, sin duda uno de los mejores discos debut de la historia. Es una lástima que el grupo no tuviera cierta continuidad, aunque hubiera sido imposible superar este brillante álbum.01 I Wanna Be Adored 4:52
02 She Bangs the Drums 3:42
03 Waterfall 4:37
04 Don't Stop 5:17
05 Bye Bye Badman 4:00
06 Elizabeth My Dear 0:59
07 (Song for My) Sugar Spun Sister 3:25
08 Made of Stone 4:10
09 Shoot You Down 4:10
10 This Is the One 4:58
11 I Am the Resurrection 8:12
Lily Allen ha colgado dos nuevas canciones en su sitio de MySpace. Se trata de dos demos que, según la propia cantante, ilustran su cambio de dirección artística. Un hecho que ella misma relaciona directamente con su cambio de imagen (se ha teñido de rubia). Las canciones llevan por título "I Could Say" y "I Don't Know" y probablemente serán sucedidas por nuevas creaciones de Allen en breve, según afirma la artista en su web.
Metallica han lanzado una nueva web en la que prometen ofrecer en primicia parte de su nuevo disco antes de su salida oficial al mercado, prevista para finales de este verano. Lleva por título Mission Metallica y suponemos se tratará de una experiencia parecida a lo que ya han hecho otras bandas, como Rush el año pasado. El grupo lleva varios meses trabajando en el disco (todavía sin título) junto al productor Rick Rubin.
Velvet Revolver también se apuntan a lo de crear una nueva web, pero en su caso, con un motivo distinto. Según afirmó Slash, la banda pretende hacer audiciones on line para buscar un sustituto para el cantante Scott Weiland, que abandonó la banda a primeros de mes para reunirse con sus antiguos compañeros de Stone Temple Pilots. Próximamente la banda ofrecerá un concierto en Las Vegas en el que actuarán con varios cantantes.
El próximo 30 de junio se publicará David Bowie, Live Santa Monica '72, un álbum en directo que recoge el concierto celebrado en Los Angeles el 20 de octubre de 1972, perteneciente a la gira Ziggy Stardust. Bowie ha declarado que por entonces sentía que "era" el conocido personaje, no que estuviera actuando. En el concierto, que estará disponible en doble vinilo y CD, participan también el pianista Mike Garson y el guitarrista Mick Ronson.
Hace tan sólo un mes contábamos que la recuperación de Danny Federici, el teclista de la E Street Band, estaba resultando, en palabras del guitarrista de la formación, Steve Van Zandt, "un poco milagrosa".
Tristemente, la noticia musical de este fin de semana ha sido la muerte del veterano músico, un auténtico icono de los teclados tras su participación en álbumes míticos, como Born in the U.S.A., junto a su amigo Bruce Springsteen, quien ha colgado un emotivo vídeo en su web como homenaje.
Fue el jueves. Tenía 58 años y estaba ingresado en el Memorial Sloan-Kettering Cancer Center de Nueva York. Llevaba tres años luchando contra un melanoma. A pesar de lo cual siguió de gira con la E Street Band hasta el año pasado.
Todos los medios se han hecho eco de esta noticia durante el fin de semana, destacando la importancia de Federici en el sonido clásico de Springsteen (él mismo lo ha afirmado), tanto en los teclados ("Hungry Heart"), como con el acordeón ("4th Of July, Asbury Park (Sandy)").
En noviembre de 2007, Federici abandonó el Magic Tour con la E Street Band. Fue el mes en que se creó este blog y esa fue una de las primeras noticias que dimos. Su muerte nos ha sobrecogido especialmente.
George Onslow (1784-1853)
De padre inglés y madre francesa, George Onslow, vivió toda su vida en Francia, donde estudió composición con Anton Reicha. Su formación también contó con las lecciones de piano de J.B. Cramer, pianista y compositor inglés muy admirado por Beethoven. Más adelante, su interés por los cuartetos de cuerda le llevó a completar su formación con el violoncelo. Fue miembro honorífico de la Sociedad Filarmónica de Londres y ocupó una silla en el Instituto de Francia y fue el único compositor francés de la época que produjo música de cámara en gran cantidad. Su obertura de Le colporteur gozó de éxito en su momento. A pesar de todo ello, Onslow es hoy un gran olvidado.
La exposición a la que hace alusión el título se celebró a la muerte del arquitecto y diseñador Viktor Hartmann en 1873. Los cuadros eran dibujos, acuarelas y maquetas que este polifacético arstita realizó durante su corta vida. Hartmann era amigo íntimo de Mussorgsky, uno de los integrantes del llamado Grupo de los cinco junto a otros compositores nacionalistas rusos. Inspirado por la retrospectiva de Hartmann, Mussorgsky decidió emprender la composición de una pieza en la que se dieran la mano lo musical y lo visual, creando una obra de arte total en la que las impresiones visuales nos llegan a través del oído. El pintor ruso Wassily Kandinsky definió esta sinestesia (aunque en sentido contrario: pintar la música) con la frase "el mundo suena".
Quién: Joe Satriani.
Dónde: Castellón, Granada, Madrid, Barcelona y Murcia.
Cuándo: del 3 al 7 de mayo.
Qué: Satraini llega a España dentro de la gira de presentación de su último disco, Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. El día 3 del próximo mes de mayo estará en el Auditorio de Castellón, el 4 en el Palacio de Congresos de Granada, el 5 en la Sala la Riviera de Madrid, el 6 en el Palacio de la Música de Barcelona y el 7 en el Auditorio y Centro de Congresos Victor Villegas de Murcia. Las entradas están disponibles en Bancaja, tick tack ticket y telentrada.com.
Blue Oÿster Cult Secret Treaties (1974)
Siempre que se habla de los orígenes del heavy metal se hace referencia a un sinfín de grupos de finales de los 60 y principios de los 70, quedando casi siempre Led Zeppelin como su expresión definitiva. Muy pocas veces aparece el nombre de Blur Oÿster Cult, un grupo formado en 1967 en el Stony Brook College de Long Island por dos estudiantes y críticos musicales y que tuvo una influencia decisiva en el género. Ya en sus dos primeros álbumes sentaron las bases de la relación de la música heavy con la literatura fantástica y de terror, introduciendo además elementos de la psicodelia, tan en boga por entonces. Para su tercer álbum, Secret Treaties, la banda buscó nuevos caminos por los que desarrollar sus inquietudes. Aunque las guitarras potentes y la temática fantástica siguieron siendo su seña de identidad, las canciones se aproximan aquí a un estilo mucho más accesible, que se recrea más en la tradición rockera americana que en la experimentación hacia nuevos sonidos (lo cual será aún más evidente en su siguiente LP, Agents of Fortune). Así las cosas, Secret Treaties hubiese sido un paso atrás de no ser por las ocho magistrales canciones que lo componen. El sonido es más convencional (a pesar de ser impecable en su ejecución), sí, pero el disco no te deja respirar. Pasa de una melodía empalagosa e irresistible a otra con una sencillez y facilidad pasmosas. Los Cult iban sobrados. Secret Treaties es un álbum pegadizo, inmensamente entretenido e impregnado de toda la energía del auténtico heavy metal, en el que se entremezclan tintineantes pianos, crujientes guitarras y sugerentes letras.
01 Career of Evil 3:59
02 Subhuman 4:37
03 Dominance and Submission 5:22
04 ME 262 4:44
05 Cagey Cretins 3:16
06 Harvester of Eyes 4:40
07 Flaming Telepaths 5:18
08 Astronomy 6:27
Ayer ofrecíamos un enlace desde el que poder escuchar el disco debut de Nick Lowe, Jesus of Cool, a través de un reproductor on line puesto en marcha por Yep Roc Records.
Hoy continuamos ofreciendo la posibilidad de acceder a esta serie de discos que la discográfica Yep Roc Records pone a disposición de los suscriptores de su lista de correo.
En esta ocasión hemos seleccionado otra de la joyas de la discográfica: the Sadies. Aunque no se trata de una banda veterana, estos canadienses atesoran ya una importante carrera, reflejo de la cual es su excelente discografía. Desde 1998 han publicado ya siete discos. En Yep Roc Records nos ofrecen la posibilidad de escuchar su última creación, New Seasons, un disco editado en 2007 y al que la crítica ha reaccionado de forma muy favorable.
Aquí está la dirección: http://216.69.135.140/MP3Players/Sadies/NewSeasons/wimpy.html
Según informa la página oficial de los Beatles, este verano sale a la venta All Together Now, un DVD que rememora los detalles del proceso de creación del último álbum de los Beatles, LOVE, junto al Cirque du Soleil. El documental, de 84 minutos de duración, se completa con varios contenidos extra que ahondan en el proceso de creación y producción de música y espectáculo. All Together Now verá la luz el próximo 24 de junio, aunque ya se puede reservar una copia en beatles.com.
Los fans de Weezer están de enhorabuena. La banda americana lanza este año nuevo disco y desde ayer mismo podemos escuchar el primer single de ese nuevo trabajo, "Pork and Beans", desde su web. Weezer, el sexto disco de la banda liderada por el singular Rivers Cuomo, saldrá a la venta el próximo 24 de junio (también). Sucederá así a Make Believe, publicado en 2005, aunque en diciembre del año pasado pudimos disfrutar de Alone, una excelente colección de grabaciones caseras de Cuomo.
Franz Ferdinand han subido a YouTube "Under the Stage", un vídeo en el que aparece la banda en su local de ensayo de Glasgow interpretando lo que se supone es un fragmento de una de las canciones de su próximo álbum, que podría ver la luz este mismo año. Los escoceses llevan desde marzo de 2007 inmersos en el proceso de grabación del que será su tercer disco y que sucederá a You Could Have It So Much Better (2005). Los 47 segundos que dura dan más bien para poco.
En la entrada biográfica sobre Ryan Adams de la web musical de referencia allmusic.com se define a este artista como "uno de los pocos que saltaron de la escena country alternativa al éxito comercial masivo".
Pues bien, el cantautor se ha despachado en su blog con la siguiente frase: "ODIO la música country. Siempre lo he hecho". Queda claro que la definición de la prestigiosa web no se ajusta al criterio del artista.
Pero no es la única confesión que ha hecho Adams en Foggy (así se llama la web). Según cuenta, quiso empezar en una banda de heavy metal, se convirtió en compositor "por error" y sólo ha salido con cinco mujeres (ninguna de ellas Winona Ryder, por cierto).
También negó haber echado a un fan de uno de sus conciertos por haberle llamado Bryan Adams (de quien afirma que "no es un artista serio"), como se ha especulado en más de una ocasión.
Tanta sinceridad puede ser debida a que el músico piensa dejar de publicar este blog, según dicen en NME.com que se desprende de sus últimos posts.
La exquisita discográfica Yep Roc Rcords ha enviado un correo electrónico a los suscriptores de su lista de correo en el cual informan de las fechas de los conciertos que algunos de sus artistas realizarán durante los próximos meses. Hasta aquí todo normal.
La sorpresa viene cuando se pinchan una serie de enlaces a los distintos artistas que llevan directamente a una página ocupada únicamente por un reproductor en el que podemos escuchar un disco entero de forma totalmente gratuita.
Uno de los artistas disponibles es nuestro idolatrado Nick Lowe. Y si pinchamos el enlace podemos escuchar su fenomenal disco debut, Jesus of Cool, enterito y totalmente gratis. Incluso añade tres canciones más al repertorio original.
Aquí está la dirección: http://216.69.135.140/MP3Players/Lowe/JesusOfCool/Wimpy.html
Echolyn Mei (2002)
Firmemente asentados en la tradición del rock progresivo de los 70 y bebiendo directamente de algunos de sus mejores exponentes, como King Crimson o los primeros Genesis, Echolyn se han convertido en uno de los mejores grupos del género en la actualidad. Mientras que muchos otros han optado por seguir el camino marcado por Fates Warning en los ochenta y después por Dream Theater y su legión de imitadores en los 90, son pocos los grupos que se han propuesto seriamente aportar algo nuevo al rock progresivo. Dentro de éstos podemos encontrar todo tipo de bandas, desde los metaleros Pain of Slavation o Shadow Gallery hasta los más poperos Echolyn quienes, en 2002, ya contaban con varios clásicos entre su repertorio. Aún así se propusieron ir más allá y firmaron el que posiblemente sea su mejor álbum, Mei. Se trata de una larga composición de casi 50 minutos en la que no hay separación por temas y que fluye como si de una sola canción se tratase. Ese componente épico llevado al extremo es lo que primero llama la atención de Mei, pero en esta ocasión hay que decir que no se trata de una mera excentricidad (tan típica del género), sino que es un ejercicio musical de exquisita ejecución e inteligente planteamiento. No es una música fácil, pero sí accesible. No requiere la devoción a este tipo de grupos que se hace imprescindible para escuchar algunos discos de King Crimson, por ejemplo. En el fondo se trata de un disco de música pop, compuesta con desmedido esmero y genialidad e interpretada por unos auténticos virtuosos de sus instrumentos. Sin duda merece un hueco entre nuestras recomendaciones más fervientes.
01 Mei 49:33
Qué es: un dispositivo de altavoces con tecnología NFC y Bluetooth que nos permite escuchar música desde cualquier dispositivo compatible.
Por qué merece la pena: la tecnología NFC permite que, acercando cualquier dispositivo compatible a los altavoces, podamos escuchar los archivos que tengamos guardados en la memoria sin necesidad de introducir claves, realizar procesos complicados o pulsar ningún botón de los dispositivos.
Precio/disponibilidad: su precio rondará los 100€, aunque no estará disponible hasta el verano.
Una pega: no todos los dispositivos de audio son compatibles.
El que fuera bajista de los míticos the Clash, Paul Simonon, exhibirá parte de su trabajo como pintor en una galería londinense. Simonon, actualmente integrante de los The Good, The Bad & The Queen, no exponía sus obras desde hacía seis años. Para la ocasión ha seleccionado algunas de sus pinturas al óleo, que podrán ser contempladas por los visitantes de la Thomas Williams Gallery, situada en la Old Street, en Londres hasta el 9 de mayo. Parte de su trabajo está profundamente inspirado por la cultura española.
Según informa la agencia internacional de noticias Reuters, los cuatro miembros originales de la mítica banda Jane's Addiction, pionera de la escena alternativa, tocarán por primera vez en 17 años la próxima semana. El motivo es la entrega de un premio a su trayectoria por parte de la revista musical NME. Así, el bajista Eric Avery, el cantante Perry Farrell, el guitarrista Dave Navarro y el batería Stephen Perkins se subirán juntos al escenario el próximo 23 de abril, durante la gala de los NME Awards, que tendrá lugar en Los Angeles.
El 100 Club, uno de los locales con actuaciones en directo más míticos de Londres, ha anunciado que acogerá una exposición fotográfica permanente titulada 100 Club Picture Show que incluye fotografías de las actuaciones en directo de algunas de la bandas más míticas del panorama británico, como los Rolling Stones o los Sex Pistols. Además se han incluido varias instantáneas del fotógrafo Dean Chalkley en las que retrata el directo de bandas menos conocidas como the Horrors y Kings of Leon. La exposición abrirá el próximo 9 de mayo.
Antwan "Big Boi" Patton, miembro de los raperos Outkast, está colaborando con el Atlanta Ballet (la compañía de ballet más longeva de los Estados Unidos) en un espectáculo de danza basado en el hip-hop. El estreno tuvo lugar la semana pasada en la ciudad de Atlanta. Dentro de la música que conforma la función está su inédito single "Sir Lucious Leftfoot Saves The Day" y un mash-up del tema de Outkast "Morris Brown" y La Traviata de Guiseppe Verdi. Según The Guardian, el show (que, al parecer, ha recibido unas estupendas críticas) pasará por Europa.
Los portales Last.FM y Wikipedia han unido sus fuerzas para crear una web que, si bien no pasa de ser un mero pasatiempo, puede hacernos pasar horas entretenidos casi sin darnos cuenta. El proyecto consiste en incorporar la página de la Wikipedia al diseño de Last.FM.
La web resultante se llama WIKIfm y nos permite leer los artículos correspondientes a los grupos que escuchemos en el reproductor. No es una mala idea, pero podría mejorarse sustituyendo la Wikipedia por el más especializado (y profesional) portal allmusic.com y generando mayor interacción entre ambos, ya que, por ahora, simplemente están juntos.
Una buena idea sería poder acceder a los artistas similares y demás directamente, sin tener que pasar por el portal tradicional de Last.FM o hacerlo con el reproductor (que elige por su cuenta los grupos).
Qué es: un sistema de altavoces 2.1 para el iPod (sólo modelos posteriores a la tercera generación) y para cualquier reproductor que se pueda conectar a su entrada de línea y con sintonizador de radio.
Por qué merece la pena: incorpora tecnología Blupin, que permite recibir y enviar música a través de Bluetooth con un rango de alcance de hasta 100 metros, soportando los perfiles A2DP y AVRCP.
Precio/disponibilidad: 230 dólares (146€). Se puede comprar a través de la web de la marca.
Una pega: el precio.
Bruce Springsteen Born to Run (1975)
Después de firmar un debut firmemente encuadrado en la tradición folk dylaniana y un ambicioso segundo disco en el que se atrevió con casi todo, para su tercer álbum, Bruce Springsteen se propuso crear un sonido propio. Sus dos primeros plásticos son clásicos absolutos pero, sin duda, fue Born to Run el álbum que catapultó la fama de Springsteen, convirtiéndole en una estrella. Sin olvidar nada de lo aprendido anteriormente, el rockero de New Jersey decidió reforzar el sonido de su banda con una producción más elaborada (deudora del modelo de Phil Spector) que incluía pianos, campanas, crujientes guitarras y una imponente sección de vientos con Randy Brecker en la trompeta como gran estrella. Para ello hizo un par de cambios en su banda de apoyo que la dotaron de mayor vistosidad (aunque perdió en virtuosismo) y con los que conformó un equipo capaz de producir ese sonido grandilocuente y elaborado que caracteriza este disco. Algo parecido pasó con las canciones. El Boss tuvo que adecuar su estilo de cantautor folk a ese potente sonido. Sorprendentemente el cambio es imperceptible. Springsteen escribió ocho temas más que dignos de sus aspiraciones, que combinaban la épica, el romanticismo, la poesía y el puro rock n' roll con maestría. Born to Run es uno de los grandes referentes de la era del Rock y uno de los trabajos más celebrados de Springsteen, al que, no obstante, seguirán muchas otras obras maestras de su misma altura.
01 Thunder Road 4:49
02 Tenth Avenue Freeze-Out 3:10
03 Night 3:00
04 Backstreets 6:30
05 Born to Run 4:30
06 She's the One 4:30
07 Meeting Across the River 3:18
08 Jungleland 9:35
The Edge ha emprendido la remasterización de los tres primeros álbumes de U2, Boy, October y War, con vistas a una reedición con sonido mejorado y que incluirá fotos inéditas, notas del guitarrista, caras B y varios temas en directo. Hay que recordar que hace poco se anunciaba que el nuevo trabajo de estudio de la banda irlandesa, producido por Daniel Lanois, saldrá en octubre de 2008.
El guitarrista de la mítica banda británica Queen, Brian May, ha recibido una beca honorífica por su contribución a la astronomía y la divulgación de la ciencia en la Universidad John Moores de Liverpool. May estudió Astrofísica en el Imperial College de Londres cuando tenía 20 años, pero dejó su carrera científica aparcada para dedicarse a la música junto a Freddie Mercury y compañía.
Noel Gallagher, cantante y compositor de los británicos Oasis, ha criticado la inclusión del rapero Jay-Z en el cartel del festival de Glastombury. Afirma que esta decisión no casa con la filosofía del evento. "Glastonbury tiene una tradición de música de guitarra. Es una decisión equivocada incluir hip-hop en Glastombury". Además, Gallagher ha desmentido la posible actuación en el O2 Arena londinense.
Metallica ha anunciado el lanzamiento de una reedición de los dos primero álbumes de la banda en formato vinilo. El lanzamiento tendrá lugar con motivo del 25 aniversario de su debut, Kill 'Em All, y se tendrá lugar el próximo 27 de mayo. A la edición original en LP le acompañará una edición Deluxe disponible en un doble LP. Para junio están previstas las reediciones de los dos siguientes álbumes.
AC/DC se encuentran ya grabando su primer disco en ocho años. Aunque no se ha dado a conocer una fecha para el lanzamiento, han trascendido otros detalles, como el nombre del productor. Se trata de Brendan O'Brien (Pearl Jam, Soundgarden, Korn, the Black Crowes, Rage Against the Machine...). La noticia ha trascendido gracias a Eddie Spaghetti, el líder de Supersuckers, quienes han visto retrasada la grabación de su disco a consecuencia del trabajo de O'Brien con los AC/DC.
Gail Zappa, viuda del mítico Frank Zappa, ha decidido demandar a un club de fans del artista americano por utilizar su nombre y su imagen en un festival anual que organizan desde 1998 y que lleva por nombre Zappanale. Arf Society, el club de fans alemán demandado, afirma que el Zappa Family Trust (la empresa familiar que gestiona los derechos de Zappa) estaba al tanto de la utilización de este nombre, así como de un logotipo que imita el bigote del músico desde la fundación del festival.
El excéntrico cantante Robbie Williams presentará un programa de radio sobre extraterrestres en la BBC. Se trata de un documental que fue grabado por el ex Take That parte a principios de año en Los Angeles junto a Jon Ronson y parte en una conferencia sobre OVNIS que tuvo lugar en Laughlin, Nevada. Llevará por título Robbie Williams And Jon Ronson Journey To The Other Side (El viaje de Robbie Williams y Jon Ronson al otro lado) y se emitirá el próximo 6 de mayo en la emisora BBC Radio 4.
La errática estrella del pop Britney Spears sufrió un accidente de tráfico sin consecuencias graves para su integridad física el pasado sábado. El choque no causó daños a ninguno de los implicados ni a sus vehículos.
Fecha de publicación: 15 de abril
Discográfica: Astralwerks
Reseñas profesionales:
Pitchfork 4,9/10
allmusic 4,5/5
UNCUT 3/5
Konk es uno de los discos más esperados de 2008 para muchos. Gracias a su excelente debut, Inside In/Inside Out (2006), the Kooks formaban ya parte de la lista de grupos más prometedores para más de un aficionado al rock. Tristemente Konk se queda lejos de confirmar a los Kooks como una de las grandes bandas del panorama actual. Se trata de un álbum muy en la línea del anterior, siguiendo su patrón, pero carente de chispa en las canciones y las interpretaciones. Aunque su sonido sigue siendo una interesante amalgama de distintas músicas británicas, en esa línea heterogénea de sus compatriotas Supergrass, le faltan unas canciones más llamativas que distingan a the Kooks de la marea de grupos británicos nacidos en el nuevo siglo (los Arctic Monkeys, Babyshambles, Kaiser Chiefs, Editors y un largo etcétera). Quizá tengamos que esperar a un tercer álbum de esta joven banda para verles explotar como creemos que pueden hacerlo.
01 See the Sun 3:36
02 Always Where I Need to Be 2:41
03 Mr. Maker 3:00
04 Do You Wanna 4:06
05 Gap 4:00
06 Love It All 2:50
07 Stormy Weather 4:01
08 Sway 3:36
09 Shine On 3:14
10 Down to the Market 2:27
11 One Last Time 2:38
12 Tick of Time 4:25
13 [Hidden Track] 3:14
Ha ya tiempo que viene hablándose mucho de Chinese Democracy, el disco en el que Axl Rose lleva trabajando 14 años y que supondrá la vuelrta de los míticos Guns N' Roses.
Durante este largo proceso de producción se ha gastado ya 13 millones de dólares, convirtiendo Chinese Democracy en uno de los más caros de la historia.
Pues bien, ahora parece que la discográfica Geffen Records ha afirmado estar en posesión de una copia definitiva del álbum.
Se hacía eco de la noticia la web TheROCKradio.com, citando fuentes cercanas a la compañía Geffen Records, una filial de Universal.
En la misma página web hacen referencia a otra información relacionada con Rose y el álbum. Se trata de un reality-show televisivo protagonizado por el ex Guns N' Roses que se pondría en marcha coincidiendo con la salida del disco. La noticia apareció el martes pasado en AllyourTV.com.
George Kalinsky, el fotógrafo oficial del Madison Square Garden neoyorquino en 1972, ha encontrado 40 fotografías inéditas de Elvis Presley que él mismo realizó en aquél año, mientras buscaba material para una campaña promocional.
Las fotografías pertenecen a distintos momentos de la actuación de Presley durante la segunda noche en la que actuó en el Garden en 1972.
El trabajo corría a cargo de la empresa Great Moments in New York y el resultado lo pueden contemplar ya en la Virgin Megastore de Times Square, en Nueva York. Allí figura una de las fotos del Rey, luciendo uno de sus trajes de paracaidista.
Para Elvis Presley Enterprises, la empresa que gestiona el legado comercial de Elvis, ha declarado, por boca de su portavoz, Kevin Kern, que el hallazgo ha supuesto toda una sorpresa para ellos, tanto por la cantidad como por la calidad del material.
La compañía americana Olive Media Products Inc., especializada en soluciones de audio multi-room inalámbricas de alta calidad, ha presentado uno de sus productos estrella, el Opus No4.
Se trata de un potente servidor de música (de hasta 1 TB de capacidad) con lector/grabador de CDs, donde poder almacenar todos nuestros archivos y acceder a ellos de forma cómoda a través de su pantalla LCD de 480x272 píxeles.
Sin embargo, no todo son ventajas. En primer lugar, se nos quedaría cojo sin el Melody No2, un dispositivo reproductor de audio HD al que se conecta a través de WiFi (con unos cuarenta metros de alcance).
En segundo lugar, el mayor inconveniente: su precio. Sólo el Opus No4 está entre los 950 y los 1.150 euros. A lo que hay que sumar otros 380 por el Melody No2. Sólo recomendable para auténticos fanáticos de la música.
Un estudio encargado por la empresa Travelodge ha concluido que, por encima de artistas como James Blunt, Snow Patrol, Take That o Norah Jones, la mejor música para coger el sueño es la de Coldplay. En la encuesta se preguntó a 2.248 británicos.
Leigh McCarron, portavoz de Travelodge, afirmó que el estudio muestra que cada día confiamos más en la música lenta para liberar nuestras mentes de la presión de la vida moderna y ayudarnos a conciliar el sueño.
"Parece que Coldplay han dado en el clavo entre los británicos insomnes", añadió. En AOL music han repetido la encuesta, esta vez poniendo a Martin y los suyos frente a James Blunt y el resultado era de un 70%/40% a favor de los primeros cuando se redactó este artículo.
Parece claro lo que significa para la mayor parte de la gente la música de este grupo que, sin embargo, vende millones de discos.
Fecha de publicación: 5 de febrero
Discográfica: A&M
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Rolling Stone 3,5/5
Billboard
PopMatters 8/10
Es su sexto disco de estudio, Sheryl Crowe decide, en efecto, tomar algunos desvíos en su carrera. Algunos la llevan hacia terrenos ya transitados con éxito, como volver a contar con Bill Bottrell en la producción. Otros marcan un nuevo camino en la carrera de la artista. Nunca antes habló de sus sentimientos y vivencias con una sinceridad igual. Quizá los movidos años que ha vivido Crow últimamente, la separación del ciclista Lance Armstrong, su lucha contra el cáncer y la adopción de su hijo, hayan contribuido a dotar a sus canciones de un extra que unir a su sentido del humor y su contagioso optimismo. En cuanto a la música, acompaña las letras con la misma versatilidad. Aunque la primera parte del disco es más variada y la segunda más tranquila, el todo conforma un trabajo excelente, que no sólo no la aleja de su mejor música, sino que le abre esos nuevos y prometedores desvíos a los que se refiere en el título.
01 God Bless This Mess 2:09
02 Shine Over Babylon 4:02
03 Love Is Free 3:22
04 Peace Be Upon Us 4:22
05 Gasoline 5:07
06 Out of Our Heads 4:27
07 Detours 3:28
08 Now That You're Gone 3:51
09 Drunk with the Thought of You 2:38
10 Diamond Ring 4:10
11 Motivation 3:47
12 Make It Go Away (Radiation Song) 3:23
13 Love Is All There Is 4:01
14 Lullaby for Wyatt 4:07
Accelerate, el nuevo y flamante álbum de los míticos R.E.M., ha debutado en el número uno de las listas de éxitos británicas, según conocimos el domingo. Se trata del octavo número uno de los de Athens en el Reino Unido, donde obtuvieron su primer número uno en 1991 con Out of Time.
La damnificada ha sido Duffy quien, con su disco debut, Rockferry, llevaba cuatro semanas en lo más alto. Esta misma semana sale a la venta su trabajo en España.
El repentino éxito de Accelerate ha sorprendido a muchos después de que "Supernatural Superserious", su primer single del nuevo trabajo, debutara en el número 63 tras la publicación del LP. Anteriormente llegó al puesto 54 de ventas en la red.
Para celebrarlo, podemos disfrutar desde ayer mismo del concierto de la banda el portal La Blogotheque, en el que interpretan varios temas de Accelerate, como "Living Well Is The Best Revenge", "Houston", "Sing For The Submarine", "Until The Day Is Done" y la inédita "On The Fly".
Madonna ha hablado sobre cómo ha sido su colaboración con artistas como Justin Timberlake, Kanye West y Timbaland en su nuevo álbum, Hard Candy, que verá la luz el próximo 28 de abril, precedido por el single "4 Minutes", que aparecerá una semana antes.
Hablando de su relación con Timberlake, la cantante afirmó que que es una persona divertida con la que escribir una canción. Aseguró que sus jornadas de trabajo se parecían a una sesión de psicoanálisis.
"No he trabajado con muchos compositores con los que me haya sentido instantáneamente conectada y empezásemos a tocar con el ritmo de las palabras. Él está tan interesado en el ritmo de las palabras como en su significado", relató Madonna.
La reina del pop contó además que su trabajo junto a Kanye West fue vertiginoso, ya que el rapero tenía que coger un vuelo justo después y que mientras grababa con Timbaland, se animó incluso a coger la guitarra durante un momento de la sesión.
The Kooks, que lanzan su segundo disco de estudio el próximo 14 de abril, han revelado que estuvieron a punto de separarse tras la salida del grupo del bajista Max Rafferty el enero pasado, poco después de reincorporarse tras una enfermedad. El cantante Luke Pritchard comentó a The Sun que la idea de la separación rondó las mentes del resto de los componentes de la banda debido al impacto que la marcha de Rafferty tuvo sobre ellos. Finalmente decidieron continuar. "Es difícil dejar escapar algo que te importa tanto".
Los Rolling Stones siguen en la brecha de las nuevas tecnologías a pesar de su veteranía y ahora lanzan su propio canal en YouTube. Se llama Living Legends y ofrece la oportunidad a los fans de hacerles preguntas a los miembros de la mítica banda británica. Mick Jagger y Keith Richards han invitado a los internautas a grabar en vídeo su pregunta y enviarla. Los propios Jagger y Richards contestarán a las que sean seleccionadas como las mejores. Entretanto, las reacciones de la crítica al documental Shine a Light se suceden. La de UNCUT.
Hoy nace Pitchfork.tv, la web de vídeos musicales del célebre portal especializado en música. Entre los contenido programados para este debut están actuaciones de Liars, Jay Reatard, A Place to Bury Strangers y the Thermals. Además, colgarán el documental de los Pixies loudQUIETloud y una entrevista con la estrella del pop sueco Robyn. Pero la estrella de la jornada serán, cómo no, Radiohead. Los venerados rockeros grabaron una exclusiva actuación para el portal de su tema "Bangers & Mash" (perteneciente al In Rainbows, CD2).
La localidad alemana de Verden, al noroeste de Alemania, rindió el sábado tributo a John Lennon colocando una escultura en memoria del músico. Se trata de un trabajo diseñado por Uwe Blaschke que se compone de tres columnas de hormigón de distintas alturas con distintas placas de bronce. Varias inscripciones realizadas en el monumento recuerdan el paso de Lennon por la ciudad en septiembre de 1966, cuando el rodaje de la película Cómo gané la guerra, de Richard Lester, recaló en la localidad para grabar algunas escenas.
Fecha de publicación: 22 de enero
Discográfica: New West
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
UNCUT 5/5
Pitchfork 8,2/10
Rolling Stone 4/5
PopMatters 6/10
Puede resultar prematuro decir que este será el mejor disco del año. Sin embargo no lo es tratándose de una banda como Drive-by Truckers. Todo lo que han hecho estos enamorados del auténtico rock n' roll destila buen gusto, entusiasmo y una maestría fuera del alcance de la inmensa mayoría de las bandas actuales. No es sólo su impecable estilo, versátil pero auténtico, poético pero sincero, sino que su forma de componer, sus letras, su inagotable imaginación han vuelto a resurgir tras un A Blessing and a Curse si bien excelente, demasiado limitado en sus aspiraciones como para estar a la altura de la que posiblemente sea la mejor banda de rock de la actualidad. En Brighter Than Creation's Dark, uno de esos discos que te atrapan al instante y te obligan a volver a ellos constantemente, los americanos Drive-By the Truckers vuelven a parecer indestructibles en su empeño de hacer buena música. Habrá que empezar a creer que realmente lo son.
01 Two Daughters and a Beautiful Wife 3:05
02 Dimes Down 3:20
03 The Righteous Path 4:13
04 I'm Sorry Huston 3:11
05 Perfect Timing 2:57
06 Daddy Needs a Drink 3:48
07 Self Destructive Zones 4:12
08 Bob 2:15
09 Home Field Advantage 5:01
10 The Opening Act 6:48
11 Lisa's Birthday 3:19
12 That Man I Shot 6:03
13 The Purgatory Line 3:48
14 The Home Front 3:18
15 Checkout Time in Vegas 2:41
16 You and Your Crystal Meth 2:19
17 Goode's Field Road 5:28
18 A Ghost to Most 4:41
19 The Monument Valley 4:33
Continúa la batalla legal que mantiene Apple Corps frente a la discográfica estadounidense Fuego Entertainment para impedir que se publiquen las cintas que contienen grabaciones inéditas de los primeros conciertos de los Beatles con Ringo Starr a la batería.
El pasado miércoles la compañía británica impulsó un acuerdo extrajudicial por el que los americanos se comprometen a no publicar el material hasta que el tribunal federal resuelva el caso.
Pero las posturas siguen siendo las mismas. Apple defiende que las cintas fueron grabadas sin autorización y que Fuego Entertainment no tiene derecho a distribuirlas y además afirman que la calidad de las grabaciones es muy baja y perjudicaría la memoria de la banda.
Por su parte, Michael Joblove, directivo de la compañía americana, ha afirmado que confía en poder ofrecer finalmente a los fans unas grabaciones que, según afirma, tienen derecho a escuchar. Aclaró que el acuerdo ha sido voluntario y que ellos ya obtuvieron en su día los derechos para poder distribuirlas.
Por parte de Apple ven al acuerdo como una evidencia de su derecho a evitar la publicación del material, mientras que en Fuego Entertainment interpretan que de esta forma el tribunal tendrá algo más de tiempo para considerar sus reclamaciones.
El pasado viernes, el Tribunal de Apelación londinense devolvió a Gary Brooker, cantante del grupo británico Procol Harum los derechos sobre el tema más conocido de la banda, la balada "A Whiter Shade Of Pale", compuesta en 1967.
Desde 2006, Matthew Fisher, organista de la formación, también disfrutaba de los royalties, después de que un tribunal le concediera el 40% de los derechos de autor argumentando que era el compositor de la melodía principal del tema.
La canción ha vendido más de 10 millones de copias en sus cuarenta años de vida y, aunque la sentencia reconoce la autoría conjunta de Fisher y Brooker, considera que el hecho de que le llevara 38 años llevar el caso a los tribunales le inhabilita para seguir beneficiándose económicamente.
"Mathew Fisher es culpable de una tardanza excesiva e inexcusable en su reclamación", afirma la sentencia. Fisher no ha dudado en calificarla de "peculiar" y ha anunciado que apelará a la Cámara de los Lores, la última instancia judicial en Gran Bretaña.
"A Whiter Shade of Pale" fue número uno de las listas de éxitos en 1967, cuando incluso se cuenta que John Lennon llegó a decir que era su canción favorita del año.
Después de la Novena, la Quinta Sinfonía fue la obra que más tiempo le llevó a Beethoven componer, cuatro años en total. Lo hizo ya casi totalmente sordo y en periodos interrumpidos por la composición de otras obras, como la Cuarta Sinfonía o la ópera Leonora. Sin embargo, la audacia del genio de Bonn ha convertido a la pieza en la sinfonía más célebre de la historia. En ella podemos sentir la llamada del destino a nuestra puerta, amenazante, que simboliza la lucha interna del propio artista, resumida en el conocido motivo inicial. No obstante se trata de un trabajo de grandes proporciones que conduce lentamente al oyente hacia un clímax que nos invita a oponernos a la fuerza del destino, al más puro estilo beethoveniano.
La fascinación se mezcla con el terror al escuchar esta fantasmal grabación que, según afirman los expertos en grabaciones sonoras primitivas de First Sounds, es la más antigua de la que se tiene constancia. Según cuentan fue realizada por el inventor francés Léon Scott de Martinville (1817-1879) en el París de 1860. Se trata de una voz femenina entonando una canción tradicional francesa del siglo XVIII, "Au clair de la Lune", que aventaja en 17 años a la que era hasta ahora la más antigua que se había escuchado, realizada por Edison en 1877.
El mejor artículo sobre el asunto es el publicado el pasado martes en el blog de allmusic.com. En él, Uncle Dave Lewis, aclara que Thomas Edison nunca afirmó haber inventado la grabación sonora. Lo que inventó fue el fonógrafo, el primer aparato que permitía reproducir una grabación. Pero anteriormente Scott ya había patentado el autofonógrafo, que podía registrar sonido pero no tenía forma de reproducirlo después. De ahí la confusión.
Los sonidos que captaba el autofonógrafo se grababan en un papel ahumado imposible de reproducir en la época pero que de hecho contenía el registro sonoro, como han demostrado en First Sounds, que han conseguido llevar a cabo la primera reproducción de este tipo de soporte. Los papeles se encontraban en la oficina de patentes de la Académie des Sciences francesa. Pudieron escanearlo gracias a un complejo programa desarrollado hace algunos años por la Biblioteca del Congreso estadounidense que permitió que un ordenador leyese las ondas del papel y las transformara en sonidos reconocibles.
El resultado son diez segundos de una grabación de baja calidad pero que sobrecoge de manera un tanto siniestra.
Aunque forma parte de la trilogía Trionfi junto a Catulli Carmina (1943) y Trionfo di Afrodite (1953), la cantata escénica Carmina Burana supera ampliamente a ambas en popularidad. De hecho es la obra más conocida de Orff y un ejemplo paradigmático de su concepción musical. La pretensión que impulsa su obra es la de crear una "teatro total" en el que la música, la danza y el teatro se fundan en un espectáculo que asombre a los espectadores y que los invite a la reflexión. Para ello renuncia a las tendencias musicales de su época, dominada por las vanguardias, para refugiarse en un tosco primitivismo dominado por un ritmo febril que le ha valido el desprecio de muchos. Su obra ha sido tachada de superficial y banal, pero bajo esa máscara de simplicidad se esconde una desbordante imaginación.
Quién: Beck
Dónde: La Riviera (Madrid)
Cuándo: miércoles 9 de julio
Qué: el pasado miércoles 2 de abril se pusieron a la venta las entradas (Livenation, Serviticket, TickTackTicket, Halcón Viajes y Escridiscos) para el concierto que traerá a Beck hasta Madrid este verano. El californiano hará un extenso repaso por sus canciones más clásicas e interpretará varios temas de su último trabajo, The Information (2006). Beck ya se encuentra inmerso en su próximo proyecto junto al productor Danger Mouse.
El pasado día 2 de abril, Billboard lanzó su versión en español, dedicada a cubrir la música latina. Se trata de la primera vez que la prestigiosa publicación apuesta por ofrecer contenidos en nuestra lengua. Aunque no será formalmente presentado hasta la decimonovena Conferencia anual Billboard de la Música Latina, que se celebra entre el 6 y el 10 de este mes. La web incluirá listas, reseñas, vídeos, columnas, noticias y entrevistas especialmente dirigidas al público de habla hispana.
Esta debió ser la cara que se le quedó al cantante Calvin Harris cuando se dio cuenta de que había perdido su portátil en la flamante Terminal 5 del aeropuerto londinense de Heathrow. ¿Por qué? Porque ahí almacenaba la única copia de su próximo álbum. Tras meses de trabajo, parece que el artista tendrá que volver a grabar todas sus nuevas canciones si quiere sacar el disco a la venta. Para colmo de males, la compañía British Airways le ha ofrecido una compensación económica de unos 1.500 euros.
MySpace va a ampliar su negocio incluyendo un servicio de descargas de canciones, tonos para el móvil y fondos de pantalla para el ordenador. Aunque no se han especificado los costes que tendrán estas descargas, se han anunciado también las posibilidades de incluir además la posibilidad de comprar entradas para conciertos y quincallería variada. Algunas de las grandes casas discográficas, como Sony BMG, Universal y Warner Music Group ya han firmado con MySpace. ¿Querrán quitarle el puesto a iTunes?.
Precisamente Apple ha anunciado que su web de descargas iTunes se ha convertido oficialmente en la mayor tienda de música de los Estados Unidos. Los datos proceden de un estudio realizado por la empresa NPD que concluye que iTunes ha superado a los grandes almacenes Wal-Mart en ventas de discos. Para contabilizar las ventas de discos de iTunes han considerado cada 12 canciones como un CD tradicional (ya que en iTunes sólo se pueden comprar canciones sueltas).
There Are But Four Small Faces es la versión americana del tercer disco de la banda británica the Small Faces, editado un año antes en Inglaterra y titulado simplemente Small Faces. A pesar de no ser el "original", esta segunda edición del álbum, que presenta significativos cambios con respecto a la inglesa (diferentes canciones y orden), es superior, gana con los cambios y la incorporación de "Itchycoo Park", "Tin Soldier" y "Here Come the Nice", tres grandes clásicos del grupo (sobre todo la primera). También existe una tercera versión de 1997 que combina las dos. En cualquier caso, el álbum marca la transición del grupo de ser una banda de R&B a convertirse en uno de los grupos punteros de la psicodelia, ganándole la partida en ocasiones a los mismísimos the Who. Liderados por Steve Marriott, los ingleses buscan aquí un sonido con el que sentirse cómodos y poder dejar definitivamente atrás las influencias de James Brown y Otis Redding. Gracias a este paso de gigante, una año después serían capaces de crear el gran Ogden's Nut Gone Flake, su obra maestra y una de las referencias fundamentales de la psicodelia británica. Aunque el R&B sigue tiñendo las canciones del grupo, por doquier asoman experimentaciones y nuevas influencias, muy propias de la época y ejecutadas a la perfección por los Small Faces, que consiguen crear un disco vibrante, variado, camaleónico, en el que hay tantas ideas juntas que requiere algo de paciencia hasta poder saborearlo bien. Pero merece la pena, son uno de los mejores grupos de los 60.
01 Itchycoo Park 2:50
02 Talk to You 2:08
03 Up the Wooden Hills to Bedfordshire 2:04
04 My Way of Giving 1:58
05 I'm Only Dreaming 2:25
06 I Feel Much Better 3:57
07 Tin Soldier 3:23
08 Get Yourself Together 2:15
09 Show Me the Way 2:08
10 Here Comes the Nice 3:03
11 Green Circles 2:51
12 (Tell Me) Have You Ever Seen Me 2:14
Ayer conocíamos dos noticias que hacían referencia a colaboraciones de sendos iconos del rock con estrellas de la electrónica más actual.
Se trata del incombustible Iggy Pop y la poética Patti Smith, que han compartido estudio y escenario con el DJ Fatboy Slim y el innovador cantautor Patrick Wolf, respectivamente.
En el caso de Pop y Slim, la colaboración se sustancia en una grabación que será incluida en el próximo álbum del DJ, también conocido como Norman Cook. La grabación tuvo lugar en la casa de Slim después de que ambos se conocieran en Miami.
Según contó el propio Cook a The London Paper, "Se pasó por casa y nos tomamos un te. Fuera del escenario Iggy es un hombre muy amable y educado". Habrá que permanecer atento al resultado de esta extraña reunión.
Por otra parte, Patrick Wolf y Patti Smith compartieron escenario durante un concierto secreto celebrado el pasado sábado. El evento tenía como objetivo homenajear al poeta Dylan Thomas y los dos cantautores tocaron tres canciones juntos.
Sin embargo, esto no será una excepción, ya que ambos piensan seguir colaborando. "Patti y yo estaremos muy pronto haciendo música juntos. Pronto estaremos grabando para el próximo álbum. Me dijo que tendríamos un buen futuro juntos y cómo podía no estar de acuerdo", comentó el inclasificable Wolf.
Como todos los viernes, hoy llegan a la cartelera las nuevas películas de la semana. Pero en esta ocasión tenemos que referirnos a dos estrenos estrechamente relacionados con la música. Son el documental de Martin Scorsese sobre los Rolling Stones Shine a Light y el biopic sobre el líder de the Clash, Joe Strummer: vida y muerte de un cantante.
Del primero se lleva hablando mucho tiempo. Fue rodado durante dos noches en el Beacon Theatre de Nueva York en 2006, e incluye imágenes de la banda en los años 60 (ésas que no gustaron nada al batería Charlie Watts). La cinta abrió el Festival de Berlín el pasado 7 de febrero y en la premiere del pasado día 2 en Londres la recepción fue extraordinaria.
Menos bombo ha tenido la versión dirigida por Julien Temple de la biografía de una de las figuras clave del punk: Joe Strummer. El líder de the Chash fue amigo de Temple, quien le rinde un homenaje a través de las propias palabras del músico, acompañadas de cuantioso material de archivo y entrevistas a personalidades como Bono, el propio Scorsese o Mick Jagger.
El martes repasábamos los distintos programas simuladores de instrumentos musicales diseñados para el iPhone de Apple. Hoy destacamos el KORG DS-10, una aplicación que transforma nuestra Nintendo DS en un completo sintetizador.
El programa viene a completar antiguos títulos como Jam Sessions, un juego que permitía tocar la guitarra en la pantalla de la consola portátil.
Por ahora sólo estará disponible en Japón (a partir de julio de 2008), donde Nintendo ha desarrollado esta aplicación a partir de MS-10, un primitivo sintetizador que ya ofrecía la oportunidad de crear música en cualquier lugar.
El KORG DS-10, la primera aplicación musical para la DS, ejemplifica la estrategia de la marca nipona, abriendo el mercado a un público que nunca hubiera pensado en comprarse una videoconsola. Consta de dos simuladores de sintetizador y una drum machine.
Titulado provisionalmente Emotional Fascism, el tercer disco de Elvis Costello todavía hoy es visto por algunos como un bajón creativo con respecto a sus dos primeros trabajos. Ciertamente el sonido de Armed Forces no es inquieto ni impredecible como en aquéllos, pero si bien My Aim Is True y This Year's Model fueron dos álbumes eclécticos y arriesgados, para su tercer LP Costello pretendía otra cosa. Dejó para las letras su lado más ácido, haciendo nuevos descubrimientos quizá un tanto paranoicos y en la música llevó a cabo su primer ejercicio de álbum de género (lo que se convertirá en una costumbre de aquí en adelante). El de Liverpool abraza en Armed Forces el sonido del pop británico que tanto admiraba en los Beatles de la época de Rubber Soul y Revolver. No es extraño que eligiera a su amigo Nick Lowe como productor para que atemperara el salvajismo de sus Attractions e hiciera sonar al disco al tiempo sofisticado y accesible. El resultado es que las melodías que habían aparecido antes meramente esbozadas, ahora adquieren un protagonismo mucho mayor, sobresaliendo un Costello mucho más amable en lo musical. Es, por tanto un acercamiento al post pub rock, más que al post punk de sus primeros discos, que le servirá para sentirse libre para dar rienda suelta a su infinita sabiduría sobre todo tipo de músicas, que irá introduciendo en sus posteriores trabajos. En cualquier caso, es su tercera obra maestra y el descarado gancho de canciones como "Accidents will Happen", "Oliver's Army", "Busy Bodies", "Two Little Hitlers" o la fantástica versión del clásico de Lowe "What's so Funny About Peace, Love and Understanding" no hace sino convertir la música de Costello en una experiencia todavía más acogedora.
Citando una fuente anónima (dos motivos para no fiarse mucho de la información), el diario británico The Sun hizo pública ayer una información que apuntaba la posibilidad de que una canción "perdida" de John Lennon pudiera ver la luz como homenaje a Neil Aspinall, tristemente fallecido el mes pasado. Al parecer se trata de una grabación casera que requeriría mucho trabajo de restauración, aunque se ignora si McCartney o Ringo estarían interesados en acometer la tarea de reconstrucción del tema. La tonada lleva por título "Now and Then" y fue escrita por Lennon en los 70, aunque nunca llegó a terminarla.
Alegando que el cantante Scott Weiland no está comprometido con los fans ni la música de Velvet Revolver, Slash anunciaba antes de ayer que ambos separarán sus caminos a partir de ahora. Weiland queda así excluido del grupo y se cumple la promesa que hizo en el último concierto de la banda, en Glasgow, de que no volverían a actuar juntos. Según Slash el comportamiento errático del cante sobre el escenario y sus problemas personales también han pesado a la hora de tomar la decisión. Ayer el cantante (que piensa reincorporarse a su antigua banda, los Stone Temple Pilots) respondía al resto de su ya ex grupo. "La verdad del asunto es que la banda lleva tiempo sin llevarse bien a muchos niveles".
Precisamente el que fuera guitarrista de los Guns N' Roses (o que todavía lo es, nunca se sabe) anunció ayer que lanzará su propia gama de guitarras. Se trata de unos modelos de edición limitada de Gibson y Epiphone Les Paul Standard sólo disponibles en selectas tiendas de música repartidas por todo el mundo. El evento tuvo lugar en el Gibson Guitar Showroom, en Londres, al tiempo que se anunciaba la salida de Weiland de Velvet Revolver. Durante el acto Slash declaró: "siempre he tocado con la Les Paul y estoy muy orgulloso de tener mi propio surtido producido por Gibson y Epiphone, los fabricantes de las mejores guitarras del mundo. Espero que músicos de todo el mundo las disfruten tanto como yo".
"Puede que sepas el título original del Kill 'Em All de Metallica, pero estás seguro de poder afirmar cuál fue el coste final del álbum de Tom Petty Hard Promises, publicado en 1981". Con esta frase nos invitan a participar en la revista Rolling Stone en la versión 2008 de su Casi imposible cuestionario sobre Rock & Roll. Se trata de diez preguntas un tanto rebuscadas que se renovarán semanalmente a partir de hoy mismo cada viernes. En efecto no es fácil de responder, pero sí es divertido pasar el rato buscando las respuestas entre nuestra colección de discos o por Internet. Una vez completado podemos pedirle que nos lo corrija y, junto a nuestra puntuación nos calificará con un comentario jocoso. O no.
Lo han llegado a calificar de "película de crimen y misterio" (¿?). En realidad es un vídeo casero grabado por Doherty en su casa de Wiltshire junto con algunos de sus colegas de marcha. ¿De qué va? Pues nada, él y unas amigas están de juerga (cómo no) y al recibir una llamada de teléfono emprenden una búsqueda que les conduce a un bosque cercano donde finalmente encuentran una figura con forma de pollo. Aunque no lo parezca, es un rollo tremendo. Pero bueno, aquí está para quien quiera comprobarlo.
Cuatro días antes de cumplir los 62 años, el influyente músico alemán Klaus Dinger murió el pasado día 20 de marzo a consecuencia de un fallo cardíaco.
Ha dado a conocer la noticia Grönland, la discográfica de una de las bandas en las que participó Dinger, los míticos Neu!
En los años 70, despuntó como batería de Kraftwerk, uno de los grupos pioneros del krautrock alemán, al que Dinger contribuyó de forma decisiva a través de su particular estilo tocando la batería.
Ese estilo se llamó motorik, una variante que bebía del surf, pero propulsada por un ritmo repetitivo y punzante que se reveló como una influencia decisiva para muchas bandas en décadas posteriores.
Después de debutar con los Kraftwerk, Dinger contribuyó también a la formación de otra banda clásica de la escena alemana alternativa de principios de los 70, Neu! A partir de 1975 formó La Dusseldorf, un grupo que vendió más de un millón de discos durante los 70 y los 80.
Finalmente parece que será Martin Scorsese quien firmará el primer biopic sobre Bob Marley. El ganador de un Oscar firmó ayer, según informa NME.com, su contrato como director de la cinta. Al parecer la película se estrenará en 2010 y será el tercer proyecto relacionado con la música del americano tras sus trabajos con Bob Dylan (No Direction Home) y the Rolling Stones (Shine a Light). Como ya indicamos, un segundo proyecto de biopic de Marley se encuentra en fase de producción. Se trata del proyecto del director Rudy Langlais basado en las memorias de la viuda del cantante, Rita Marley.
Foxboro Hot Tubs han publicado un nuevo single, "The Pedestrian", que puede ser descargado directamente desde la web de la banda foxborohottubs.com. Este spinoff de Green Day, que debutaron en diciembre del año pasado con tres canciones que también colgaron en su web, ya dispone de un LP, Stop Drop And Roll, igualmente disponible en la red.