Con una carrera tan genial como inconsistente, los Rolling Stones eran presa fácil de esta sección. Quitando discos en directo para olvidar y el no oficial Jamming with Edward!, Dirty Work es, posiblemente, su trabajo más impersonal. Aunque incluye temas bastante buenos, como el clásico "One Hit (to the Body)", la mayoría del material está lejos de ser el trabajo sucio de los mejores Rolling y se queda en una apolillada versión del grupo, que conserva un plastificado regusto a sus devaneos disco de principios de los 80. Más que prescindible. Espantos como "Too Rude" confirman el horror.
Antes de haber escuchado nada de los Kinks, creía tener una idea bastante clara del sonido del grupo por lo que se leía de ellos en críticas de grupos posteriores. Bueno, pues ni parecido. Debo reconocer que cuando escuché Something Else quedé desconcertado. De hecho siempre he visto con recelo ese (por otra parte extraordinario) álbum. Pero según me fui adentrando (poco a poco) en la discografía del grupo, descubrí que los placeres de su música no eran tan superficiales como yo pensaba. Y, cómo son las cosas, al final me he enganchado a este melancólico y brillante álbum.
El tercer y último álbum de los Beatles que integra esta lista es, quizá, el menos original. A pesar de que siempre suele tener por delante al Sgt. Peppers, es un habitual de las listas de mejores discos de la historia. Generalmente prefiero los discos que han pasado más desapercibidos, pero ante Abbey Road me tengo que rendir. Y lo hago encantado. Si A Hard Day's Night muestra el espíritu del duo creativo Lennon/McCartney, Abbey Road evidencia la fragmentación del combo. Lo maravilloso es cómo en ambos casos consiguen producir dos grandes obras de arte contemporáneas.
Fecha de publicación: 20 de octubre
Discográfica: Columbia
Duración: 55:30
Una canción: "Wheels"
Para bien o para mal AC/DC son una de las bandas más previsibles del rock. Desde 1980 no consiguen hacer nada parecido a un álbum, sino que se limitan a grabar una ristra de canciones que rehacen una y mil veces el mismo riff y las mismas letras. Una chapuza, vamos. Pero les funciona. Básicamente porque su público no espera otra cosa. En Black Ice, como siempre, hay buenas canciones pero nula innovación. El grupo se ha convertido en un pesado mastodonte que rumia la misma canción desde hace décadas. Naturalmente lo clavan. Nadie es capaz de hacer mejor rock duro que ellos. Pero a mi me agotan. ¿Para qué quiero yo estas canciones teniendo Highway to Hell y Back in Black? Para nada. Es lo mismo pero peor. Me da igual que sea "su mejor disco en años (quizá décadas)", como se dice en alguna parte. Teniendo en cuenta que su último disco era del 2000 tampoco parece tan meritorio. Son auténticos y eso hay que reconocérselo, pero creo que deberían dedicarse al single y no sacar más discos. Me hubiera conformado con cuatro o cinco cortes, tranquilamente. El resto, sobra.
Reseñas profesionales: allmusic 3/4, Rolling Stone 3,5/5, PopMatters 8/10, Billboard, Uncut, Blender 3/5
(PS) Y éste es el mejor clip español del año, con escasa o nula competencia. Que Juan Antonio Bayona esté ya en la élite del cine mundial no debería extrañar viendo el petróleo que es capaz de extraer de cuatro elementos formales. Aquí se marca una carnicería artística que recuerda un poco al "Hombre sin sombra" de Paul Verhoeven. Sencillo, brillante y cargado de referencias cinéfilas: lo mismo que lleva haciendo años el catalán para los grupos más pintorescos.
Fecha de publicación: 28 de octubre
Discográfica: LaFace
Duración: 47:02
Una canción: "Please Don't Leave Me"
Pink es una de las pocas artistas de su generación cuya biografía destaca por su dedicación a la música y no por sus extravagancias o desmanes variopintos. Se la agradece. Aunque sólo fuera por eso, merece mi admiración. Pero es que además hace unos discos fantásticos. Desde M!ssundaztood no me pierdo uno y, aunque su música ha madurado con ella, sigue siendo igual de consistente. Curiosamente, esa vida privada que nunca nos ha importado, viene al caso al hablar de Funhouse. Y es que el divorcio de la catante con el campeón de motocross Carey Hart marca decisivamente el tono del álbum. Las canciones se reparten casi a partes iguales un inevitable sentimiento de pérdida ("Please Don't Leave Me") y el alivio de terminar con una situación infeliz ("So What"). Una emoción de la que nunca habíamos sido testigos tan directos en un disco de Pink. Funhouse es el trabajo de una cantautora, no importa cuánta gente colabore en escribir las canciones ni lo sofisticado que sea su sonido.
Reseñas profesionales: allmusic 3,5/5, Rolling Stone 3/5, Blender 3/5
La décima de sus sinfonías londinenses es un ejemplo paradigmático de la desenvoltura y maestría de Haydn en el género. Para muchos críticos, de hecho, se trata de su mejor sinfonía. Pero poco importa eso a la hora de enfrentarse con esta deliciosa escucha.
Si tuviera que definir la música de Haydn con una sola palabra, lo primero que me viene a la cabeza es el color. Más que la de cualquier otro compositor, la música de Haydn me sugiere la impresión de que las frases estuvieran compuestas a base de pinceladas de tonos anaranjados. Y no puedo evitar pensar en esta metáfora cuando escucho las sinfonías.
Todo un clásico de los despropósitos musicales, Dylan es una colección de nueve descartes de su ya de por sí poco inspirado álbum de versiones Self Portrait. Hay pocas razones (más allá de lo morboso del asunto) para interesarse por él. Completamente falto de inspiración, mediocre y aburrido, en él un Dylan adormilado canta con ese peculiar estilo que utilizó por primera vez en Nashville Skyline. Él mismo no quería que el disco saliese al mercado. En fin, que el mejor escribano echa un borrón y este es uno de los ejemplos más claros de la historia de la música popular.
Qué es: Se trata de una pareja de altavoces especialmente acondicionados con una película que repele el agua (perfectos para, por tanto, el cuarto de baño) y que incorpora una conexión minijack de 3.5 pulgadas a la que poder conectar casi cualquier dispositivo de audio y evitar además que se moje.
Por qué merece la pena: Se trata de un gadget realmente útil, que nos permite escuchar música en el baño sin ningún peligro y sin molestar a los vecinos con el volumen. Funciona con una batería de 6 horas de autonomía y está disponible en tres colores: blanco, azul y rosa.
Precio/disponibilidad: Por desgracia sólo está disponible en Japón.
Una pega: El diseño, demasiado cursilón.
Fecha de publicación: 21 de octubre
Discográfica: Polyvinyl
Duración: 55:19
Una canción: "An Eluardian Instance"
Of Montreal se ganaron mi admiración en 2004 con el espléndido Satanic Panic In The Attic. Todo lo que han hecho desde entonces apenas ha conseguido atraer mi atención y Skeletal Lamping no es una excepción. A pesar de todo, hay que reconocer que en Hissing Fauna, Are You the Destroyer?, disco que sacaron al mercado el año pasado, mantenían el tipo con bastante convicción. Sin embargo, con Skeletal Lamping han pegado un patinazo mayúsculo. Es un disco caótico, una especie de collage de melodías que ya suenan más que familiares y que los de Athens remezclan sin orden ni concierto. No intentéis distinguir estructuras coherentes ni singles pegadizos, aquí sólo hay una gratuita amalgama amorfa de sonidos que ni siquiera tiene gracia. Aburre. Y da un poco de apuro, la verdad. Sobre todo en las letras (que prefiero omitir). A lo mejor con cincuenta o sesenta escuchas, la cosa empieza a cobrar sentido (que alguno tendrá), pero no pienso quedarme a averiguarlo. Prefiero volver una y otra vez al inspiradísimo y maravillosamente empalagoso Satanic Panic In The Attic, todo lo que necesito saber de Of Montreal, de momento. Es un buen intento por parte de Kevin Barnes de seguir evolucionando como músico, pero le hace falta mejor material para convenerme.
Reseñas profesionales: allmusic 2,5/5, Rolling Stone 3,5/5, popMatters 6/10, Pitchfork 5,9/10
Vale, puede que las listas sean absurdas. Está claro que podríamos vivir sin ellas. Pero ¿por qué hacerlo? A mi me encantan las listas. A lo mejor resulta que su interés se encuentra precisamente en su inutilidad. No lo sé. Lo cierto es que las listas nunca dejan indiferente. Para bien o para mal.
En realidad esta lista por capítulos que empiezo hoy no es más que la recopilación de aquellos discos que han ocupado un lugar especial en mi colección a lo largo de los años. Ésos que siempre tienes a mano porque sabes que nunca te defraudan cuando te apetece aprovechar al máximo el rato que tienes para escuchar música.
En total he elegido cien álbumes, que iré repasando por orden cronológico de cuatro en cuatro, en veinticinco entregas. Será divertido escucharlos una vez más y recordar por qué todavía no me he cansado de ellos. Bueno, allá voy.
(PS) Por el momento, el mejor clip del año. El fulgor y brillo mediáticos de Mike Skinner puede que no sean los mismos y no hayan superado el hype de hace unos años, pero es imposible reconocer la pequeña joya que el londinense se ha marcado para el lanzamiento de su nuevo single. Tanto el vídeo como la canción transmiten cuidado y emoción, partiendo de elementos aparentemente nimios. Pocas películas "de prestigio" recientes poseen el nivel de belleza visual y composición que tiene el vídeo, sin más ostentación que los propios recursos estéticos que ofrece la naturaleza. Un trabajo ejemplar.
Según cuentan en rollingstone.com, el carismático líder de Weezer lanzará una segunda parte de su alabado Alone: The Home Recordings of Rivers Cuomo el próximo 25 de noviembre. El álbum llevará el apropiado título de Alone II y, aunque es previsible que también esté compuesto por tomas alternativas de éxitos del grupo, canciones inéditas y versiones de otros artistas, no se ha dado a conocer ningún otro dato sobre el proyecto. La noticia devuelve a este singular músico al primer plano de la actualidad musical sólo unos meses después de deslumbrar a la crítica de medio mundo con el último trabajo de su banda, Weezer (The Red Album), sin duda uno de los mejores álbumes de lo que llevamos de año y de toda la carrera del popular grupo de pop independiente americano.
(PS) Aquí están nuevamente los superventas vascos (¿cómo se dirá ahora, superdescargas en el emule?) con una ración de su pop blandito y pegadizo que todo el mundo defenestra en público y que, paradojas de la condición humana, genera beneficios millonarios a sus autores. Habiendo soltando el pesado lastre de Amaia Montero, siguen facturando fotocopias de sus hits anteriores -mal endémico de la música española- ahora gracias al ultraretocado debut vocal de Leire, nueva estrella patria en ciernes. Del vídeo, prodigio de imaginación y apabullante creatividad, mejor ni hablamos.
Qué es: Una mesa... Un robot... Se llama Brionvega RR226 y aunque podría ser cualquiera de las dos cosas, en realidad se trata de un completo equipo de música de diseño italiano en forma de mesa y con "cara" de robot.
Por qué merece la pena: Incorpora tocadiscos, fonógrafo, lector de CD y DVD, sintonizador de radio, dos grandes altavoces adaptables y (lo mejor) unas ruedas.
Precio/disponibilidad: Por ahora carece de precio, en la página del fabricante sólo podréis ver más fotos.
Una pega: Tiene pinta de que va a ser demasiado caro y demasiado grande para lo que ofrece.
Coincidiendo con nuestra conmemorada Guerra de la Independencia, Beethoven compuso dos de sus obras más características. Aunque se trata de trabajos musicalmente muy distintos, la Quinta y la Sexta, son dos de sus sinfonías más reconocibles (junto a la omnipresente Novena, claro). Aunque fue descrita por el propio compositor como la expresión de las emociones que la contemplación de la naturaleza despertaban en su alma, la "Pastoral" tiene más en común con un relato operístico que con una obra puramente conceptual. Precisamente ahí reside gran parte de su atractivo. Es una partitura tremendamente entretenida. Si bien es cierto que consigue crear una atmósfera bucólica sin la que no nos creeríamos los personajes y decorados insinuados por Beethoven. Al igual que hiciera Mozart años atrás, el genio de Bonn también se preocupó por atraer la atención de un sector lo más amplio posible del público, y no sólo la del más cultivado. Los títulos de los cinco movimientos de la Sexta sinfonía ("El despertar de alegres sentimientos al llegar al campo", "Escena en el arroyo", "Alegre reunión de campesinos", "La tormenta" y "Canto de los pastores: alegría y sentimientos de agradecimiento después de la tormenta") nos permiten hacernos una idea bastante clara de lo que está "ocurriendo" en la obra, algo tan inusual como admirable para la época. Los sonidos onomatopéyicos que salpican toda la partitura: el agua cayendo por la falda de alguna ladera, los cantos del ruiseñor, la codorniz, el cuco (representados por la flauta, el oboe y el clarinete respectivamente, según indicó sobre la partitura el propio compositor), etcétera, también contribuyen a acercar la música a los oídos menos educados. La gran virtud de una obra recibida con indeferencia por el público (que esperaba otro huracán al estilo de la Quinta) en su estreno, pero poseedora de una frescura y una sensibilidad inigualables. Doscientos años no han sido nada para esta colorista y adictiva música, que sigue cautivando y fascinando a generaciones de aficionados. Una de esas obras que siempre apetece escuchar.
(PS) Ya por el tercer disco, podemos entrever que los "mojacamas" por excelencia van a cambiar su estilo muy poquito. Así que la gracia reside en la efectividad o lo pegajoso de sus melodiosos seudo-himnos a lo U2. Los hijos de la Gran Bretaña capitaneados por el inflado Tom Chaplin no han acertado demasiado y la canción suena a más de lo mismo, pero peor. El video juega con el rollo post-apocalíptico del último cine inglés como "28 días después", "Hijos de los hombres"... Es meritorio el esfuerzo y tiene su gracia, podía haber sido peor.
Fecha de publicación: 9 de septiembre
Discográfica: Touch and Go
Duración: 34:30
Una canción: "Folios"
The New Year es una bada de rock independiente de la que hasta ayer mismo no tenía noticia (sonora). Hace cosa de un mes sacaron su tercer disco y las excelentes críticas que ha recibido hicieron que me picara la curiosidad. La mayoría de los grupos jóvenes no me interesan demasiado, han sido tantas decepciones (Strokes, Arcade Fire, Editors...), que casi siempre me vence la pereza y me agarro a los disos más viejos que tengo (ésos que nunca fallan). Quizá porque en realidad llevan veinte años de carrera, los hermanos Kadane (hoy líderes de The New Year) me inspiran, sin embargo, esperanza. Me ha pasado con pocos grupos actuales (the Fiery Furnaces, por ejemplo). Al contrario que otras bandas "indie", los americanos recurren al hipnotismo de sus acordes y la melancolía de sus melodías para captar nuestra atención. ¿Están locos? No. Lo sorprendente es que lo consiguen y mientras que la portada (al fin y al cabo, lo primero que degustamos del disco) nos podría sugerir que nos encontramos ante un disco áspero o difícil, ellos lo hacen fácil y adictivo. Claro que también hay buenas dosis de angustia y claustrofobia en este álbum. Temas como "The Door Opens" son un claro ejemplo. Aunque pronto quedamos aliviados con la emotividad de "Folios" y "Seven Days and Seven Nights", dos preciosistas baladas acústicas donde las guitarras dibujan unas melodías tan brillantes como desoladoras. La susurrante voz de Matt Kadane tampoco ayuda a hacer de The New Year un disco "accesible" (que no batirá récords de ventas, vamos), pero alivia enormemente ver cómo alguien se sale de la tónica dominante y produce un álbum tan intenso y lleno de pasión.
Reseñas profesionales: allmusic 4,5/5, PopMatters 8/10, Pitchfork 7,5/10
Fecha de publicación: 19 de octubre
Discográfica: Reprise/Rhino
Duración: 68:57
Una canción: "Sara [Edit]"
La primera vez que le hinqué el diente a Fleetwood Mac fue con Rumours. Encontrar una explicación a sus millonarias ventas e impecables críticas era una tentación demasiado poderosa. Sólo me hizo falta una escucha para comprenderlo. No se necesita más. Uno de los discos más adictivos que te puedes llevar a las orejas. Absolutamente pegajoso. Tusk es el siguiente álbum que grabó aquella encarnación de Fleetwood Mac, liderada por Lindsey Buckingham. Y no puede ser más diferente. Para empezar, sus veinte canciones (divididas en dos discos) se prolongan durante más de una hora, cosa que echa bastante para atrás en un primer momento, acostumbrados a los 40 minutos de Fleetowood Mac y Rumours. Además, ni por asomo nos encontramos aquí sucesiones de hits como las de sus dos discos anteriores. En Tusk dominan los temas lentos, sugerentes, carnosos, simplemente bonitos ("Beautiful Child"), de los de paladear con tranquilidad. Una calma que se ve interrumpida de cuando en cuando por ráfagas de algo parecido a sus canciones más rockeras y bailables, pero que conservan un regusto "experimental" de lo más desconcertante e incluso frustrante (aunque sepas de antemano que no es así, esperas una tercera entrega del pop/rock irresistible de sus predecesores). Cómo no, esto es precisamente lo que hace que años después ya nunca escuche Rumours pero Tusk se mantenga entre mis discos de cabecera. Se llama sustancia.
Qué es: se llama Simplifi y es un dock con funciones de sincronización y carga para iPod o iPhone Simplifi.
Por qué merece la pena: porque incorpora la posibilidad de leer y escribir en tarjetas digitales Memory Stick, Memory Stick Pro, SD, xD y CF (CompactFlash)y tiene 2 conectores USB para otros dispositivos.
Precio/disponibilidad: cuesta 69,99 dólares y se puede comprar en el sitio oficial.
Una pega: si te interesa un aparatejo de éstos la verdad es que está bastante bien, el problema son los dock en sí, toda una industria paralela que hace furor, pero cuya utilidad es más que discutible. Se puede cargar el iPod igual sin compar este chisme, vamos.
Fecha de publicación: 15 de septiembre
Discográfica: Hollywood
Duración: 58:46
Una canción: "Call Me"
Y al final, lo hicieron. No sé si habrá sido cosa de la fiebre por resucitar viejas glorias del rock que recorre hace un par de años el planeta (y que parece que pronto manchará también el buen nombre de Led Zeppelin), o esta idea llevaba ya tiempo cociéndose en la cabeza de Brian May, pero es mala, muy mala. Este grupillo de tercera división que Paul Rodgers, Brian May y Roger Taylor quieren hacer pasar por Queen no sólo no añade nada (bueno) a la discografía del legendario combo inglés, sino que sería mediocre hasta para las carreras en solitario de cualquiera de los tres. Y el disco, un trabajo blandengue, ridículo, completamente innecesario, tópico y que bien podrían haberse ahorrado. Sinceramente creo que, aunque es lo que realmente pretende, no conseguirá agradar ni a los fans de toda la vida del grupo (no le llega a la suela del zapato a lo peor de Queen, Made in Heaven incluido) ni a quienes prefieran el trabajo en solitario de May o Rodgers (que en ningún momento llega a este nivel de inanez). Desde luego que Rodgers hace menos el ridículo que intentando cantar las canciones de Mercury, pero no basta con eso. Este disco está completamente fuera de lugar, no es más que un peñazo de casi una hora (¡encima!) que espero no volver a escuchar nunca.
Reseñas profesionales: allmusic 2/5, Uncut 2/5
Fecha de publicación: 6 de octubre
Discográfica: Big Brother/Reprise
Duración: 45:51
Una canción: "The Shock of Lightning"
Aquí está. Después de meses de los ya tradicionales (y un poco pesados, la verdad) rumores, polémicas, desmentidos, cambios de batería y demás (todo mentira, por supuesto) que rodean cada nuevo lanzamiento discográfico de Oasis últimamente (o quizá siempre, ya no me acuerdo), al fin podemos degustar las nuevas canciones de los hermanos Gallagher. Pongámonos en antecedentes. Lo último que habíamos sabido de los británicos (vídeos supuestamente robados aparte) se llamaba Don´t Believe the Truth, grabado en 2005. Casi todo el mundo coincidió en decir que era lo mejor que habían hecho desde (What's the Story) Morning Glory, nada menos. Pero resulta que este nuevo álbum, aunque bien distinto, mantiene también un nivel muy por encima del de sus trabajos de finales de los noventa y principios de esta década. La pesadilla de los críticos. ¿Qué decir entonces ahora? Están quienes defienden que Dig Out Your Soul mejora claramente a Don´t Believe y quienes opinan que supone un bajón. Para mí que ninguno quiere reconocer la nada periodísticamente jugosa realidad. Ambos discos son similares en calidad, aunque completamente distintos en todo lo demás. Don´t Believe era el sonido de una banda redescubriendo su amor por la música, retomando sus referencias de siempre al desnudo. Nunca les habíamos oído algo como "Mucky Fingers", casi una versión de la Velvet Underground o "Let There Be Love", posiblemente su balada más descaradamente beatleniana. En Dig Out Your Soul, por el contrario, vuelven a ser ellos mismos, enmascarando la deuda que les ha unido siempre a Beatles y Rolling Stones con un sonido propio, más musculoso y detallado que el de Don´t Believe. Eso sí que hacía mucho tiempo que no lo escuchábamos. Así que, en cierto modo, este CD completa el resurgimiento de Oasis como grupo, después de sus andadas por el terreno de la mediocridad, que ya duraban demasiado. Si Don´t Believe the Truth les sirvió a ellos para recordar por qué les gusta la música, Dig Out your Soul nos ha servido a nosotros para recordar por qué nos gusta Oasis.
Reseñas profesionales: allmusic 4,5/5, NME 8/10, Billboard, Rolling Stone 2,5/5, Uncut 3/5, PopMatters 6/10
Fecha de publicación: 7 de octubre
Discográfica: Shangri-La
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
Billboard
Rolling Stone 4/5
Pitchfork 6,4/10
Después de más de dos décadas sin conseguir recrear convincentemente el sonido original de la banda, finalmente Chrissie Hynde ha optado por dejarse llevar y volver a escribir canciones para ella misma. El resultado, Break Up the Concrete, es lo mejor que la banda ha grabado desde 1984, cuando firmaran su última obra maestra con Learning to Crawl. Recurriendo a cuatro nuevos compañeros de grupo para las sesiones, Hynde consigue dar al disco un toque de álbum en solitario, como si se tratase del trabajo de una consagrada cantautora. De hecho el disco tiene más de una referencia a la música de Bob Dylan o Joni Mitchell, aunque sobre todo, tiene un inconfundible sabor a rock americano primitivo. Rockabilly, country y rock & roll 'pre-Beatles' se entrecruzan constantemente a los largo de los once temas del CD con la misma naturalidad que si lo llevaran haciendo toda la vida. Pero las enérgicas "Boots of Chinese Plastic" o "Break Up the Concrete" tienen su perfecta contrapartida en inspiradas baladas como "The Nothing Maker" o "One Thing Never Changed", que completan el sonido de un álbum breve (dura menos de cuarenta minutos), intenso y bailable que desconcierta y maravilla a un tiempo. Uno de los mejores discos del año.
01 Boots of Chinese Plastic 2:31
02 The Nothing Maker 3:58
03 Don't Lose Faith in Me 2:45
04 Don't Cut Your Hair 2:14
05 Love's a Mystery 3:01
06 The Last Ride 3:40
07 Almost Perfect 4:48
08 You Didn't Have To 3:09
09 Rosalee 4:14
10 Break Up the Concrete 2:41
11 One Thing Never Changed 3:44
Fecha de publicación: 30 de septiembre
Discográfica: Hi Fi
Reseñas profesionales:
allmusic 3,5/5
Arena no ocupará un lugar destacado en la inmensa carrera de Todd Rundgren. De hecho puede considerarse un pequeño paso atrás con respecto a su último trabajo, al irresistible Liars. Al contrario que en aquél, aquí Rundgren agarra la guitarra y se pone serio (aunque la portada indique otra cosa), creando un disco carente de chispa y que da la impresión de ser un mero capricho después de que la gira con The New Cars le volviera a brindar la posibilidad de tocar en un estadio repleto de gente. Aprovechando la experiencia, Rundgren da marcha atrás al reloj y regresa a los tiempos en que el arena rock de bandas como Boston o Asia (que incluso tienen un disco titulado igual) arrasaba entre buena parte del público. El problema es que ya no estamos en 1982 y ese sonido no tiene demasiado sentido, restándole inmediatez a este, por otra parte, intachable CD. Y es que con las canciones de Arena, Rundgren consigue mantener el tipo con creces y demostrar que su enorme talento (otra cosa es la inspiración) sigue intacto. "Mad" es una excelente apertura, que marca el tono del resto del disco. "Courage" es un tema pegadizo al más puro estilo Rundgren. Y otras, como "Mercenary" o "Mountaintop", muestran la cara más guitarrera de este maestro del pop. Es prescindible, sí, pero más de uno se conformaría con firmar aunque sólo fuera un disco así en toda su carrera.
01 Mad 3:36
02 Afraid 4:52
03 Mercenary 4:02
04 Gun 3:54
05 Courage 3:44
06 Weakness 5:15
07 Strike 3:29
08 Pissin 4:39
09 Today 5:22
10 Bardo 6:13
11 Mountaintop 4:18
12 Panic 3:11
13 Manup 4:00
Fecha de publicación: 26 de agosto
Discográfica: Steamhammer
Reseñas profesionales:
allmusic 3,5/5
Pitchfork 7,2/10
PopMatters 7/10
Más de lo mismo. La banda liderada por el excéntrico e inagotable (va camino de los 63 años) Lemmy Kilmister, sigue dándole vueltas a la misma canción desde hace 30 años. Con la única excepción de la sorprendentemente melódica "English Rose", todo en Motörizer suena demasiado familiar como para hacer de este álbum un clásico de la talla de Overkill o Ace of Spades. Su sonido sigue siendo tan mastodóntico, sucio, veloz y crujiente como siempre y su actitud igual de cretina, lo cual es, posiblemente, lo mejor que se puede decir de una banda con una trayectoria tan dilatada como la de los británicos (¿acaso no estamos diciendo lo mismo de los mucho menos veteranos Metallica?). Pero Lemmy parece tan ofuscado en permanecer fiel al sonido de la banda, que deja de lado la composición y se limita a recrear las mismas melodías y temas de siempre. Si no fuera por eso, Motörizer podría estar entre los mejores discos del grupo, que sigue en un estado de forma envidiable. A pesar de todo, satisfará plenamente a sus fans de toda la vida y sigue siendo mejor que el 90% del heavy metal que se hace hoy en día.
01 Runaround Man 2:56
02 Teach You How to Sing the Blues 3:02
03 When the Eagle Screams 3:43
04 Rock Out 2:06
05 One Short Life 4:00
06 Buried Alive 3:12
07 English Rose 3:33
08 Back on the Chain 3:24
09 Heroes 4:54
10 Time Is Right 3:13
11 The Thousand Names of God 4:33
Fecha de publicación: 25 de agosto
Discográfica: Roadrunner
Reseñas profesionales:
allmusic 4,5/5
El power metal es uno de los subgéneros más delimitados del heavy metal. Las bandas que lo practican (casi exclusivamente europeas) repiten, tópico a tópico, la fórmula establecida a finales de los 80 por los germanos Helloween. Dragones, llamaradas y tormentas de fuego inundan unas letras tan predecibles como (conscientemente) ridículas, mientras que la música queda reducida a melodías empalagosas y grandilocuentes e interminables solos de guitarra. No obstante, de cuando en cuando, alguno de estos grupos consigue dar a luz una suerte de álbum definitivo del género, que obliga a recaer en el vicio de escuchar este tipo de música (un auténtico guilty pleasure). Ése fue el caso de algunos clásicos como The Marriage of Heaven & Hell, pt. II en 1997 o Reckoning Night en 2005. Y es también el caso de Ultra Beatdown, un CD en el que los británicos Dragonforce (hasta ahora conocidos únicamente por la aparición de su single "Through the Fire and Flames" en el Guitar Hero) despliegan todo un arsenal de pomposidad y virtuosismo para crear un álbum realmente espectacular, lleno de imaginación y recursos que consiguen revitalizar el sonido caduco del género. Uno de esos discos que combinan a la perfección el gancho de unas melodías y unos arreglos cien por cien ochenteros con el virtuosismo que Herman Li y Sam Totman, sus dos guitarristas, despliegan en los solos. Continúa siendo un misterio cómo una hora de heavy metal a toda pastilla puede hacerse tan digerible, pero los Dragonforce se las arreglan para que, incluso con una mala predisposición, acabemos disfrutando como adolescentes con sus cuentos de hadas y su pomposa grandilocuencia.
01 Heroes of Our Time 7:15
02 The Fire Still Burns 7:52
03 Reasons to Live 6:25
04 Heartbreak Armageddon 7:42
05 The Last Journey Home 8:15
06 A Flame for Freedom 5:20
07 Inside the Winter Storm 8:11
08 The Warrior's Side 7:14
Fecha de publicación: 9 de septiembre
Discográfica: Bobolink/Razor & Tie
Reseñas profesionales:
allmusic 4/5
Rolling Stone 3/5
UNCUT 3/5
Casi un álbum en colaboración con Steve Earle, quien se ocupa de la producción, las voces y escribe tres de las canciones, Day After Tomorrow es, sin embargo, mucho más. Se trata de un disco en el que la artista folk más importante de la década de los 60 da rienda suelta a sus pasiones musicales, contando con gente como Tom Waits, Elvis Costello, T Bone Burnett, Patty Griffin, Thea Gilmore o el propio Steve Earle en la composición de unos temas que recuperan el sonido más auténtico de su música sin renunciar a los temas y la estética actuales. Grabado en la mítica ciudad de Nashville, Baez ha recurrido además a un grupo de músicos locales encabezado por Tim O'Brien y Darrell Scott (especialistas en cualquier instrumento con cuerdas), y que cuenta también con la presencia de Viktor Krauss y Kenny Malone, un clásico de la escena de Nashville, en la sección rítmica (bajo y batería, respectivamente). Todos estos elementos conforman un álbum a la antigua usanza, muy del gusto de lo que solía hacer Baez en los 60. Un CD que complacerá sus fans de siempre y en el que sus nuevos oyentes descubrirán una de las grandes voces de la música popular.
01 God Is God (Earle) 3:29
02 Rose of Sharon (Gilkyson) 3:34
03 Scarlet Tide (Burnett, Costello) 2:25
04 Day After Tomorrow (Brennan, Waits) 5:31
05 Henry Russell's Last Words (Jones) 3:37
06 I Am a Wanderer (Earle) 2:30
07 Mary (Griffin) 3:54
08 Requiem (Gilkyson) 3:55
09 The Lower Road (Gilmore) 4:11
10 Jericho Road (Earle) 3:29
Fecha de publicación: 19 de agosto
Discográfica: RED
Reseñas profesionales:
allmusic 3/5
Rolling Stone 4/5
UNCUT 4/5
Billboard
Pitchfork 5/10
PopMatters 8/10
SPIN 4/5
Épico, hímnico, onírico y preciosista, Forth es el primer trabajo de The Verve en más de una década. Pero escuchándolo, nada evidencia el paso de un periodo tan largo de tiempo. Aunque no es su mejor álbum, sin duda Forth sorprende por su consistencia e inspiración y por mostrar a una banda en un estado de forma magnífico. Urban Hymns (1997) fue la culminación de la primera etapa del grupo, un disco insuperable en todos los sentidos para Richard Ashcroft y compañía. Sin embargo, Forth abre la puerta de un nuevo periodo creativo para The Verve. Mientras que muchos de sus contemporáneos terminaron por sucumbir a sus propios días de gloria en los 90, The Verve optaron por desaparecer en el momento justo y durante once años para mantener intacta la frescura de su música y poder ahora deleitar a sus fans con una nueva ración de pop psicodélico e irresistiblemente atemporal. Y lo han conseguido (especialmente en la primera mitad del álbum). Aunque Ashcroft ni mucho menos había desaparecido de la escena musical en este tiempo (firmando tres discos de bastante interés), la vuelta de The Verve es, sin duda, uno de los acontecimientos musicales del año.
01 Sit and Wonder 6:52
02 Love Is Noise 5:29
03 Rather Be 5:38
04 Judas 6:18
05 Numbness 6:34
06 I See Houses 5:37
07 Noise Epic 8:13
08 Valium Skies 4:34
09 Columbo 7:30
10 Appalachian Springs 7:33
Domingo, 23 de noviembre
JunglaDeAsfalto.com
Alicia Antolín de la Hoz
Juan Carrasco de las Heras
Ángel Sáez García
Julián Moreno Mestre
Antonio García Fuentes
Mariasun Miquel
Carlos Gómez Cabana
Rafael Herrera Guillén
Paulino Toribio
Padre Fortea
Carlos Gómez Cabana
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