 ¿Quién no ha cogido en sus manos una estrella de papel de plata o ha sacado del portal el Niño Jesús para besarle? ¿Quién no ha cantado villancicos ante el belén familiar o adelantado a los Reyes Magos unos centímetros para acercarlos a la cueva del milagro? Pues resulta que ahora se lleva el árbol de Navidad cargado de regalos de El Corte Inglés. Y el belén artesano de nuestra infancia se tira a la basura, como ordenan los adoradores del laicismo...
Y yo digo: si el Invisible se dejó ver en la ternura de un Niño, amasemos con plastilina o barro o miga de pan, o corazón, la representación del hijo de María. Entronicémoslo en el centro del hogar, cerca, muy cerca de las enmarcadas fotografías de nuestros seres queridos...
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 Hace pocos días ha celebrado mi amigo, poeta mayor, José María Fernández Nieto su envidiable 90 cumpleaños (nació el 7 de diciembre de 1920). Todavía en el Centenario del nacimiento de Miguel Hernández, me ha enviado el poeta palentino, farmacéutico como León Felipe, un folleto de excelente presentación, dondo nos regala once inéditos, aunque premiados, sonetos. En la dedicatoria del librito, de su puño y letra para demostrar que, a pesar de los achaques ("cegato, sordo y patizambo como mis palabras"), conserva el humor y la inteligencia, me informa del envío de esta humilde edición.
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Con los brazos abiertos y sonrisa acogedora nos recibe hoy en la imagen Francisca Aguirre, rodeada de cuadros de su padre, pintor pamplonés afincado desde pequeño en Alicante, que logró traspasar a sus lienzos la divertida fiesta de la luz mediterránea junto con la mística sobriedad de rostros y paisajes navarros. También observamos en la fotografía profusión de cassettes dispuestos a ambientar la creación poética ("Yo no podría entender la vida sin la música", confiesa Paca).
En la segunda parte de "Historia de una anatomía" (Hiperión 2010, pulsar), que la poeta titula "Anamnesis", en los versículos iniciales de "Datos biográficos" puede leerse: "Fue mi padre un hombre / alegre donde los haya. / Nació para pintar y eso hizo. / Nació también para disfrutar / y también hizo eso. / Amó en su vida varias cosas: / la pintura, la justicia y a mi madre. / Tuvo tres hijas / y eso lo convirtió en un hombre feliz..."
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No quisiera cerrar el año del Centenario de Miguel Hernández sin dejar una pequeña reflexión en "Nido de Poesía" sobre el interesante poemario de la alicantina Francisca Aguirre: "Historia de una anatomía" (Hiperion 2010), premio Internacional de Poesía Miguel Hernández, dotado con 24.000 euros. Se presentaron al concurso 547 trabajos y fue muy reñida la selección.
Se trata de una obra original, con un lenguaje sencillo y directo, irónico y desenfadado a veces, sabio y hondo casi siempre, que tanto me recuerda a la escritora polaca Szymborska (Nobel 1996). Algunos títulos, más propios, a primera vista, de un manual de Fisiología que de un libro de versos, suenan así: Las manos, La cabeza, La boca, La mirada, La sed, El oído, El tacto... Y contabilizamos hasta cuarenta y cinco poemas que constituyen la totalidad de las cuartillas premiadas.
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Un Instituto de Secundaria moguereño lleva el nombre de "Francisco Garfias". Y es que su ciudad natal le ha honrado con los máximos honores: Hijo Predilecto y Medalla de Oro, además de poner su nombre a una calle del casco antiguo. Hablábamos del Instituto "Francisco Garfias" porque desde allí vamos a encontrar, en pdf, al alcance de un clic de ratón (pulsar), el poemario completo de "Pájaros de la Cañada" (Escuela Española 1989), de cuyas entrañables páginas escogeremos cuatro títulos que pueden darnos alguna idea del otro Francisco ("Curro" para los amigos), más sencillo, romántico, humilde, divertido...
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Un 6 de diciembre de 1921 nace en Moguer (Huelva), cuarenta años después de su paisano Juan Ramón Jiménez, el niño Francisco Garfias, que habría de ser, no muchos años después, compilador de una parte importante de los textos inéditos del poeta, y editor y crítico de toda su obra, en más de 20 volúmenes...
Con sólo 15 años, conoció casualmente la obra del futuro premio Nobel, porque un hermano del ilustre poeta, Eustaquio, visitando a Curro porque estaba enfermo, le facilitó un librito del autor de "Platero y yo" para que se distrajese. Y así comenzó su interés por la persona y obra de tan importante moguereño, y por su mujer Zenobia. Pero no solo fue Garfias imprescindible especialista en JRJ. Fue, sobre todo, gran poeta como él. A lo largo de cinco entregas nos hemos asomado a alguno de sus trabajos líricos. Descubriremos hoy lo importante que fue para él la aventura del verso como expresión de su infatigable búsqueda de claves últimas de la existencia, formulando preguntas esenciales para las que tantas veces encuentra respuesta de sentido en la fe cristiana.
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Hace cuatro años editó Francisco Garfias, en Arcibel editores, un curioso poemario. Daba a conocer el octogenario poeta un ramillete de 96 poemas de amor compuestos hacia 1946. ¡Sesenta años después de su escritura permanecían inéditos! ¿Y porqué inéditos? En la solapa del libro se sugieren dos razones que sin duda influyeron en tan insólita demora: "el justificado temor a la censura de entonces, y el propio pudor del poeta al dar a luz sus versos más íntimos..."
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 Decoramos hoy la entradilla al post con la portada del poemario "Aunque es de noche" (Adonais), publicado en 1969, dos años antes de la concesión del Premio Nacional de Literatura por "La duda". Contiene sesenta sonetos en tres secciones: 1. Biografía, 2. Molino de mi sangre y 3. Casi Adviento. De este último conjunto seleccionamos tres poemas ("Está llorando", "La primera en la frente" y "A monic, a dos años de su muerte"); y, del primero, "Casi Adviento". La mejor presentación del libro, inspirado, ya desde el título y la cita inicial, en san Juan de la Cruz, nos la ofrecen los editores y aquí reproducimos:
"Garfias es un sonetista en el que se hermanan el primor de lenguaje y la hondura emocional, el estremecimiento y la belleza más depurada dentro de una temática de tono religioso, amoroso y, en general, autobiográfico."
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En 1951 publica Garfias, en Madrid, un retablo de extensos poemas líricos sobre la Asunción de María. Selecciona Leopoldo de Luis en su Antología de la Poesía Religiosa, dos de ellos: “No podías morir” y “Assumpta est Maria...” En verso libre y cultivando un delicioso jardín de metáforas, el autor, como lo hicieran Paul Claudel, Ricardo Molina o José Luis Martín Descalzo, recrea irisadas esferas de fantasía y sentimiento y las suelta a danzar al sol de la fe...
Todo nos llega muy bien bordado, con hilo teológico de exquisita calidad. En el escenario del poema de hoy, “No podías morir”, se relata hermosamente, a lo largo de 88 versos, la Anunciación, el Embarazo, la Navidad... Y hasta se sugiere, al final, la Dormición de María, víspera de su Asunción...
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La primera noticia que tuve de Francisco Garfias fue a través de la "Historia y Antología de la Poesía Española" de Federico Carlos Sáinz de Robles (Aguilar 1967). De los poemas allí reproducidos (siete) selecciono para hoy dos magníficos: "El mensaje" y "La frente". Como el tema religioso y las preguntas más hondas sobre el sentido de la vida y de la muerte son frecuentes en él, me permito transcribir unos párrafos de la "Poética" que escribió para la antología de Leopoldo de Luis:
"Creo, con Dámaso Alonso, que "si la poesía no es religiosa no es poesía. Toda poesía (directísima o indirectísimamente) busca a Dios". Esta búsqueda es, en el verdadero poeta, un hecho natural, consecuencia última de su ahondar, de la acumulación de sus experiencias vitales y estéticas, de su propio desasosiego existencial."
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El pasado 26 de octubre ha fallecido, a sus 89 años, en su ciudad natal Moguer, Huelva, el importante poeta religioso y existencial Francisco Garfias López. Entre los innumerables galardones recibidos a lo largo de su vida, destaca el Premio Nacional de Literatura, en 1971, por su poemario “La duda”.
He rastreado pacientemente Internet buscando poemas suyos y, a excepción de los publicados en la web del Instituto de Secundaria de Moguer que lleva su nombre, casi exclusivamente encontré dos títulos enlazados a mi web “Nido de Poesía” (pulsar aquí y aquí) que, para mi alegría, habían sido incorporados a la página de Wikipedia “Francisco Garfias López” (pulsar) y reproducidos en muchos portales de la red (encended los altavoces).
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 EL POEMARIO “Las nubes”, “el libro más completo y armonioso de Cernuda” (L. F. Vivanco), dedicamos el post de hoy a presentar un emocionante poema escrito en difíciles tiempos (entre el final de la Guerra civil española y el inicio de la Segunda Guerra Mundial). Exiliado en Inglaterra, con el corazón muy herido por la orgía de sangre que se estaba derramando en tantos frentes de muerte y destrucción, buscando acaso luz y serenidad, se asoma curiosamente Cernuda al Libro Sagrado de los cristianos y descubre la emocionada belleza y fuerza de la resurrección de Lázaro (Juan 11, 1–44). Identificándose, sin duda, con el amigo de Jesús, muerto que vuelve a la vida, medita en un largo poema de 117 versos los fascinantes versículos de tan extrañísima historia.
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 Leíamos en el último post (pulsar) dos poemas de Hernández de distintas épocas, “Imposible” y “Vecino de la muerte”. En ambos existían notables coincidencias en la visión filosófica de la muerte y el enterramiento.
Pero hay otro trascendente momento en su vida, el inesperado fallecimiento, en la Navidad de 1935, de su íntimo amigo José Marín (“ramón sijé”). Los impresionantes versos que escribió Miguel, conmovido por la muerte de su joven y culto maestro (aunque contaba solo 22 años recién cumplidos) pasarán a la historia junto a las Coplas de Jorge Manrique o el Llanto por Ignacio Sánchez Mejías de García Lorca...
A la derecha, en imagen, podemos contemplar una extraña fotografía del oriolano Miguel en el cementerio de su pueblo, visitando la tumba de Pepito, probablemente en abril de 1936. ¿De qué se ríe? Se recuesta placidamente sobre la tierra, confiado acaso en su místico credo del ciclo vida, muerte, vida... O, abriendo vuelo a la trascendencia, en la que sí creía su amigo, celebra ya con él otra vida superior (ha clavado en el suelo un pequeño crucifijo...).
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 Con sólo quince años, se ocupa Miguel de pastorear cabras. Pero en su tiempo libre, y en el no tan libre, devora literatura que le prestan en la biblioteca pública y en el despacho del sacerdote vecino Luis Almarcha. Se queja doña Inocenta, la bibliotecaria, del mal trato que da a los libros ensuciándolos y doblando las hojas por el lomo. Pero el adolescente autodidacta de ojos muy abiertos va conociendo más y más buenos autores líricos que le estimulan y emocionan. Como jugando, va imitándoles con notable calidad.
Y no le faltan temas sobre los cuales escribir: su propia vida, ante todo, entre animales y naturaleza agreste. Y sobre personajes mitológicos de la cultura griega y latina, algunos de ellos también pastores. Y bien se cuida de tener siempre a mano el modesto diccionario de la Lengua, y otro, muy práctico, muy manoseado, de la Rima. Ilusionadamente va pasando a limpio, con buena caligrafía, complicados borradores que desaguan la nube de sus versos sobre las pautadas hojas de un apaisado cuadernillo escolar.
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 En el mes de los difuntos, parece oportuno recordar al singular poeta sevillano Luis Cernuda, que falleció un 5 de noviembre en el lejano México. Dedicaremos el post de hoy a presentar dos importantes títulos de su último poemario "Desolación de la quimera", publicado un año antes de su repentino final. Tenía sólo 61 años y se sentía desarbolado y viejo, injustamente tratado desde España. En los versos de hoy se enfrenta Cernuda a un tema central en su obra: la muerte. Obsesionado con el paso del tiempo, vivir era para él "estar a solas con la muerte".
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El pasado jueves, el ilustre Epicteto dejó en el blog (pulsar) una sugerente observación que me gustaría retomar y valorar. Me refería en el post a la presencia de Hernández en el asalto final al Santuario de Nuestra Señora de la Cabeza como periodista reportero de la revista “Frente Sur”. En el texto de Epicteto se lee:
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 Pasado mañana (30 de octubre de 2010) se celebra el primer centenario del nacimiento en Orihuela (Alicante) de Miguel Hernández. Acabo de visitar la magnífica exposición, con más de 200 piezas originales, que se ha montado en la Biblioteca Nacional. Es agradable y desacostumbrado participar gratuitamente en un acontecimiento cultural de tal relieve. Adquirí el hermoso Catálogo de la Exposición, material que pienso disfrutar por artículos e imágenes.
A la derecha de estos párrafos puede contemplarse una diapositiva de la portada del Catálogo, que reproduce el retrato de Miguel soplando una armónica, dibujo de su amigo Benjamín Palencia. Como no es bueno divagar, y conviene en un blog ceñirse a un solo tema, os voy a reproducir unos párrafos escritos por la pluma del Comisario de la Exposición, José Carlos Rovira, que comentaré seguidamente:
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El post de hoy está dedicado a un solo poema, de Vicente Aleixandre: "A la salida del pueblo", versos que tienen relación con el sol y la vejez. (Para leer, ambientado musicalmente, otro poema de V.A., "El viejo y el sol", pulsar aquí.) En imagen, el espléndido claroscuro, a lo Ribera, de Mariano Fortuny, titulado "Viejo desnudo al sol". El artista catalán se ha esmerado, sobre todo, en la expresiva placidez del rostro. Me da la impresión de que el sol cae a plomo, en generoso mediodía de luz y fuego, sobre la fría y rugosa carne del anciano.
Andaba yo buscando en Google dos palabras para comentar el cuadro, "SOL" y "VEJEZ", cuando se encendió por la pantalla del ordenador, bajo las dos palabras, un delicioso artículo (pulsar). Claro que no se trataba ahora del sol de mediodía, sino del sol de atardecer... Pero leamos ya unos párrafos a lo Khalil Gibran:
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En imagen, una mano cincelada de surcos recibe la caricia de dos afectuosas manos. Para una persona demenciada, el contacto físico es importante. Recordad aquellos versos de Panero que tan bien explicaban esta necesidad de contacto del enfermo (pulsar): "Cuando se apoya, al avanzar, como un soplo, / se diría que nos roza y nos palpa, / para que la ternura / haga callo en sus manos..." El abuelo, ahora niño, demanda caricias, abrazos, besos, para sentirse amado, para sentirse vivo. Aquel nieto que él un día sostuvo entre sus brazos, y acunaba y dormía, es quien le abraza ahora y da calor, quien le sostiene y cambia los pañales.
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Tengo en mis manos un fascinante libro de Erik H. Erikson (Paidos 2000), titulado "El ciclo vital completado". Fallecido en 1994, su viuda y colaboradora Joan, con 93 años, ha repensado la teoría de Erik de las ocho etapas del ciclo vital. Como se viene prolongando notablemente, en las últimas décadas, la vida de mujeres y hombres, estima Joan M. Erikson que es necesario añadir un noveno escalón a su teoría del ciclo de la vida. Lo único que me gustaría destacar hoy es el título del último capítulo de esta revisión: "Gerotrascendencia". Así define el concepto de Trascendencia, que le parece útil para asignar nuevos retos a la etapa última de la aventura humana:
"Trascendencia no es una palabra que una se sienta dispuesta a usar libremente, pues tiene el tono, la huella de lo especial, de lo santo. Según el diccionario, "trascender" significa, simplemente, "elevarse por encima o ir más allá, de un límite, exceder, superar"; también "ir más allá del universo y del tiempo". El concepto de "trascendencia" se ha situado en el dominio de la religión, donde ha hallado un suelo sagrado..."
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¿Quién no tiene una caja con fotografías personales, o un album de fotos de familia? En algunas culturas, las imágenes están repartidas por la casa, en repisas, neveras, cómodas, mesillas de noche, cuadros de pared... O en el coche, avisando a papá que no corra. O en la cartera, para presumir de esposa o hijos ante compañeros de trabajo... Vivimos en la sociedad de la imagen. La calidad de las cámaras digitales es asombrosa y anima a disparar con pólvora de flash...
Pero esta necesidad de ver al hijo, al amigo, a la abuela, al novio, también, hace ya tiempo, rondaba el corazón de las personas mayores. ¡Cómo se agradecía que la carta, a bolígrafo o tinta, estuviera acompañada de alguna entrañable fotografía! Los ancianos de hoy repasan, con amor y nostalgia, restos gráficos arribados a sus playas, que les evocan alegrías y penas intensamente vividas en el curso de su largo viaje por el tiempo. Cada fotografía despierta emociones, rememora una época, un vínculo, una fecha, una aventura... La lámpara de aladino se ha frotado y nos transporta a la niñez, la adolescencia, la mayoría de edad. Y al primer amor, primer trabajo, a la muerte de algún ser querido, al merecido logro...
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En imagen, una escena de la vida de Maragall en el film "Bicicleta, cuchara, manzana", (pulsar). En la etapa primera de la enfermedad de Alzhéimer, se observa a la encantadora pareja Pascual/Diana en cariñosa y feliz comunicación. Así lo sienten y así lo han decidido para el futuro, con transparencia y voluntad. Nos lo explica Diana Garrigosa (Barcelona 1944):
"Intentamos convertir esta mala jugada del destino en algo mejor. No me gusta vivir con miedos ante el futuro. Siempre he sido un poco irresponsable. Sabemos que esto acabará mal pero, ¿por qué pensar en lo que será? Disfrutemos en lo que es, en un día maravilloso como hoy."
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He tenido la fortuna de asistir a la proyección del film "Bicicleta, cuchara, manzana" (bicicleta, cullera, poma, en la versión catalana). Digo fortuna, porque en mi ciudad, Madrid, sólo se puede ver en dos pequeñas salas con aforo de 120 y 132 butacas. Se trata de un magnífico reportaje de cerca de dos horas, dirigido por Carles Bosch, reconocido documentalista nominado a un Oscar en 2003 por "Balseros".
En la foto, Maragall, Diana su mujer y su nieta Maia, disfrutando del sol y del mar el día que se presentaba la película de Carles en la sección Oficial del Festival de Cine donostiarra. Han pasado tres años desde que, en octubre de 2007, daba a conocer el político catalán la terrible noticia de que le habían diagnosticado alzhéimer y la buena de que estaba dispuesto a dar la batalla con valor, inteligencia y solidaridad.
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Esta mañana pude tomar una fotografía en el jardín de la Casa de Lope, situada al fondo. Este precioso vergel hacía las delicias del inquieto poeta que, en carta dirigida a un amigo, definía esta propiedad como "mi casilla, mi quietud, mi güertecillo y estudio". Todavía hoy, hoy más que nunca, podemos hablar de este espacio verde en el corazón de Madrid, como oasis de paz y silencio, de caricias de sol y gorjear de pájaros.
Un pozo de agua fresca saciaba, y sacia hoy, la sed de plantas y hombres. El poeta que habitaba la mansión, amorosamente escuchaba la llamada de las flores y bajaba a cuidarlas y hacerlas compañía.
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La imagen de Lope de Vega que acompaña estas líneas acaba de ser descubierta en una colección particular de Munich con una antigua atribución diferente. Su autor, Juan Vander Hamen (1596-1631), madrileño como Lope y amigo, la realizó hacia 1628. El Fénix estaba exultante porque acababa de recibir de Urbano VIII la notable distinción de Caballero de la Soberana Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, Rodas y Malta, destacada su cruz a buen tamaño por el anverso del manteo. Nuestro doctor amigo Epicteto nos informa que él también tiene el honor de disfrutar esta alta distinción.
Por el Barrio de las Letras madrileño literatos y pintores se comunicaban sus trabajos, en un Siglo de Oro artístico y fecundo. Un pequeño ejemplo: el soneto "Si cuando coronado de laureles...", que el genio de Lope dedica a su retratista Vander Hamen. Universalmente reconocida la habilidad de Hamen en pintar bodegones y floreros , elogia el poeta la realista perfección de sus cuadros, que llegaron a engañar a ruiseñores y abejas: "Sepa la envidia, castellano Apeles, / que en una tabla, de tus flores llena, / cantó una vez burlada filomena, / y cercaron abejas tus claveles." Cierra los tercetos con lírico broche: "Vuelvan por ti, Vander, tantas auroras / que te coronan de tus mismas flores."
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En imagen, una escena de "Lope": el jovencísimo poeta madrileño se deja mimar por Elena Osorio, su primer gran amor. Su último gran amor, veíamos en el último post, Marta de Nevares, permaneció a su lado diecisiete años a contracorriente de su estado civil de "clérigo presbítero". Reunía Marta multitud de cualidades excelentes. Toda la égloga "Amarilis" (publicada en 1633, a sólo dos años del fallecimiento del poeta) refiere la historia de una gran pasión. La belleza espiritual de Marta no desmerecía de la belleza física: por su juventud, cultura y afecto estimuló notablemente la insaciable creatividad del genio. Podía haber sido para Lope la esposa perfecta.
Si nos fijamos de nuevo en la firma de Lope, a su materialismo, a sus hondas raíces en el instinto y la pasión (recordad el gesto descendente firme y acariciador de la letra "g", y la rúbrica final clavada como un rayo), podíamos añadir ahora el vuelo de la "L" mayúscula inicial, que asciende y se proyecta, protegiendo unas veces, sofocando otras. Árbol de hondas raíces y altos frutos. Si antes cantaba al amor humano, en estos años de madurez eleva fervorosamente la mirada hacia las altas cumbres de lo Trascendente.
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Todos recordamos, espero, algun cuarteto, algún terceto, de sonetos de Lope. Acaso el poema completo. Podría tratarse de versos de amor, en los que el conquistador Lope es verdadero especialista. Pero, al menos cierta generación de posguerra, en el colegio, en la catequesis o en clase de religión, en casa... fuimos aprendiendo, y nos fueron sonando a gloria, versos religiosos con su reconocida firma. No olvidemos que hablamos del primer sonetista de la literatura española.
Ya había publicado en 1602, en la imprenta madrileña de Pedro Madrigal, Rimas, con doscientos sonetos de amor, de aliento petrarquista refinado y pulcro (para leer los 200 sonetos, pulsar aquí). Pero doce años después, 1614, a raíz de su arrepentimiento y conversión radical que en ese mismo año le llevó a ordenarse sacerdote, dio a conocer las Rimas Sacras, donde incluye, entre otros poemas varios, cien sonetos religiosos (para leer los 100 sonetos, pulsar aquí). Os invito a recordar, a saborear, a rezar conmigo, al menos cuatro de los casi mil títulos sonetiles que se conocen de su elegante y fecunda creatividad. Y quiero aclarar que no son los mejores sonetos, pero sí de los más populares...
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En imagen, una magnífica estatua de Lope de Vega, obra de Mateo Inurria. Vestido con sotana y portando en el brazo un manteo, parece estar corrigiendo algún poema, pues se adivina en la mano derecha una pluma de ave. Está emplazado el monumento frente al Real Monasterio de la Encarnación, a pocos metros del Palacio Real de Madrid.
La personalidad de Lope de Vega es tan exuberante, extrovertida, seductora que no puede ocultarse. Y exhibe sin pudor virtudes y defectos. Como excelente narrador, refiere sutilmente sucesos de su propia vida a través de avatares o heterónimos, en juego literario de complicidad. Poetiza otras veces sin disfraz acontecimientos de su propia vida como catarsis liberadora. De cada una de esas valientes, emocionadas confidencias escribiré a continuación.
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Se alista Lope de Vega, con veintiún años, en una expedición armada a Las Azores, a la Isla Terceira, comandada por el marqués de Santa Cruz. Al regreso, se enamora perdidamente de una mujer casada, Elena Osorio (“Filis”), muy relacionada con el arte escénico. Y mantiene con ella amistad íntima durante algunos años (1584–1588). Como en un culebrón venezolano, la cosa se complica extraordinariamente, y es expulsado Lope, por varios años, de la Corte y del Reino, por escribir libelos difamatorios contra Elena y sus allegados. A punto estuvo de ser ejecutado o enviado a galeras. La bella Elena está interpretada en “Lope” por Pilar López de Ayala, a la izquierda de la imagen, una joven compleja, transgresora y valiente.
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Cerraremos hoy, de momento, la evocación de José Ángel Buesa y su romántica poesía. Estamos haciendo realidad su ferviente deseo, su impetración al Divino Poeta, de ser recordado por un puñado de poemas. O por lo menos...
Ah, que me sobreviva un poema, o siquiera una estrofa,
o un verso solamente, Señor, un solo verso...
Con el poeta de Cienfuegos ha sucedido algo mágico: que al ser proscrita de la Isla su persona y su obra, corrieron de mano en mano sus libros viejos, sus poemas nuevos. Y, a veces mal copiadas, se extendieron versiones populares, como cuando, en la Edad Media, romances y canciones nacidas del alma popular, eran transmitidas de la abuela a los nietos, del juglar al mercado.
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Algo nuevo se escancia por los fértiles pozos del alma de Cuba. Mes a mes, día a día, se viene reconociendo la excelencia de la obra lírica de Buesa. Lo último que nos llega es un escrito aparecido el pasado jueves en "La gaceta de Cuba", órgano de expresión de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, que reivindican, con honestidad y justeza, el luminoso rastro, el embriagador perfume que no cesa, de los escritos del poeta cienfueguino. Así se manifiesta Virgilio López Lemus:
"Hoy 2 de septiembre, nació en Cruces, en 1910, el poeta José Ángel Buesa. No hemos sido justos con él durante los últimos cincuenta años, sobre todo la crítica de poesía en Cuba.
El pueblo no sólo no lo ha olvidado, sino que lo sigue leyendo. No fue el poeta genial que afirmaron sus admiradores a toda costa. Pero tampoco fue el pésimo poeta cursi del que no pocos hicieron mofa, o lo omitieron en sus estudios."
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Acaba de estrenarse el pasado viernes el film "Lope", espectacular biografía del Lope de Vega más castizo. Vivió muy de prisa, escribiendo frenéticamente comedias, poemas, epístolas, cuentos... Un monstruo de la naturaleza. Para los amantes de su lírica, podría resultar problemático seleccionar sabiamente, entre su prolífica y desigual producción, sobresalientes títulos merecedores nada menos que de un humilde pedestal en una antología del Siglo de Oro.
Escribo esto como presentación de José Ángel Buesa, porque percibo cierta similitud entre la obra de Lope y la abundante, buena y desigual literatura que fue acercando a sus admiradores la generosa creatividad del poeta cubano que, como el popular madrileño del XVI, vivió en lo alto de la fama, aplaudido, sobre todo, por la gente sencilla, y menospreciado ásperamente por los escritores oficiales.
Propongo para hoy unos versos simpáticos y frescos que titula Buesa "La Obra de Jehová", y se refieren, en el amanecer de la creación, al regalo de los pechos que Dios hizo a la mujer (y al hombre) en la fiesta inaugural de la pareja humana.
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02.09.10 @ 07:00:00. Archivado en Política, Poesía
Los amantes de la poesía celebramos hoy, 2 de septiembre, el nacimiento, por el territorio de Cienfuegos, Cuba, de un sensible muchachito que, 33 años después, llegará a competir, en el corazón del pueblo americano, con la popularidad de los mágicos versos del Neruda de "20 poemas de amor y una canción desesperada". Le aupó al laurel de los "best sellers" el acaudalado fluír de sentimientos de su poemario "Oasis", publicado en enero de 1943, que llegó a conocer diez ediciones en diez años. Hacia finales de los 50, iban pasando de mano en mano, en su Isla y en todo el Continente, más de un millón de ejemplares de su obra lírica.
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Julio y Agosto, dos meses de descanso y aventura. Yo viajo estos meses, sobre todo, a mis soledades (¿porqué no explorar selvas interiores?). El joven de la imagen simboliza la otra salida: hacia la luz, hacia el paisaje. Pero también es necesario viajar hacia dentro. A ello os invito con pasión. A lo mejor os ayudan los poetas, los buenos poetas, con sueños y emociones, con guiños y riesgos.
No voy a escribir en el blog este verano. Pero os dejo un baúl de recuerdos que podéis abrir en cualquier rincón del ciberespacio, para ensanchar el corazón y respirar tragos de vida.
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Cerramos hoy el breve paseo de cuatro entregas por la vida y obra de Amado Nervo. Poeta singular, nunca ocultó su afiliación cristiana, tan poco valorada en los cenáculos modernistas. La lírica expresión de su fe se fue acentuando en los fecundos años de su estancia madrileña y, muy especialmente, a partir del fallecimiento de Ana Cecilia (7 de enero de 1912), su compañera inseparable y secreta.
Los siete últimos años de su vida, bíblico ciclo de hambre o abundancia, resultaron para el poeta mexicano un beneficioso período de gracia, como confiesa en el poema "Resurrección" de "La mujer inmóvil": "Yo soy tan poca cosa, que ni un dolor merezco... / Mas tú, Padre, me hiciste merced de un gran dolor. / Ha un año que lo sufro, y un año ya que crezco / por él en estatura espiritual, Señor. ¡Oh Dios, no me lo quites! Él es la sola puerta / de luz que yo vislumbro para llegar a Ti..."
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Del prólogo de "Un minuto para el absurdo", de Tony de Melo, seleccionamos, de entrada, un ilustrativo fragmento del verdadero sentido que tiene la antología del disparate (pero menos) que nos ofrece esta rolliza edición de 350 páginas:
"Sólo lleva un minuto leer cada una de las anécdotas que configuran este libro. Probablemente el lenguaje del Maestro resulte misterioso, exasperante y hasta completamente absurdo para el lector.
Desgraciadamente, éste no es un libro fácil. No ha sido escrito para instruir, sino para `despertar´. Lo que ocultan sus paginas (no las palabras impresas, ni siquiera los cuentos, sino su espíritu, su talante, su atmósfera) es una Sabiduría que no puede expresarse con palabras humanas..."
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Nos asomamos de nuevo al pozo de las palabras locas de Tony de Melo ("Un minuto para el absurdo"). En el precedente post, os acercamos cuatro pequeñas historias (pulsar); hoy nos sorprenden de nuevo otras cuatro. El sentido de todo ello lo explica muy bien el editor en el frontispicio de la presentación:
«Ese hombre no dice más que cosas absurdas», dijo el visitante tras oír hablar al Maestro.
«Tú también dirías cosas absurdas –le dijo un discípulo– si trataras de expresar lo Inexpresable».
Cuando el visitante tuvo ocasión de decírselo al propio Maestro en persona, éste se limitó a replicarle: «Nadie está libre de decir cosas absurdas. Lo malo es decirlas en tono solemne».
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Jugueteando por mi biblioteca, me topé con varios queridos libros de Anthony de Melo (1931-1987), discutido jesuita que asimiló, como casi nadie, la espiritualidad de Oriente y nos la acercó, sobre todo, más que con sus divertidos y amenos cuentecillos, con el testimonio transparente y provocador de su propia vida.
La publicación que, en este momento, más ha despertado mi curiosidad, ha sido "Un minuto para el absurdo" (Sal Terrae 1996, en su quinta edición), 350 páginas de liliputienses relatos que hacen pensar y sentir, sin título particular ni índice general. Un desordenado mosaico, extraña obra de madurez que antologiza pequeñas parábolas que, como Jesús en su catequesis, inquietan el corazón, enfervorizan el alma. Desvelemos ya cuatro de estas deliciosas fabulaciones que no nos dejarán, espero, indiferentes...
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Cuando nos encontramos, en un libro de versos, un poema largo, solemos aparcarlo para otra ocasión. Ocasión que no suele llegar nunca. Por eso intento en Nido de Poesía presentar títulos breves, fáciles de disfrutar y hacer nuestros. Pero a veces no hay más remedio que hincarles el alma. Así me ocurre con el poema de hoy, que Mauleón escribe para su hermano Eduardo, "muerto el 3 de diciembre de 2005", a dos meses del fallecimiento de la madre, que no logró sobrevivirle mucho tiempo (16 febrero de 2006).
Como un poema de casi 80 versos no suele ser cómodo para quien siempre anda corriendo en pleno siglo XXI, me he permitido reproducirlo en porcioncitas, a ver si así nos lo bebemos a sorbos como aves a orillas de la fuente.
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Entre los amigos de nuestro blog contamos con un misterioso personaje, muy culto y servicial, que nos regala permanentemente extensos y sabios comentarios a los poemas. Se ha venido llamando Epicteto y, a partir de ahora, parece que su nuevo nick será Leónidas, valiente héroe espartano del Paso de las Termópilas.
En el último post nos sorprendió con la confidencia de que habia vivido algunos poemas de Jesús Mauleón en dos dimensiones (lectura y audición musical conjuntamente). Como homenaje a su sensible y desinteresada participación, me permito incluir en el post de hoy algunos párrafos de su fascinante relato.
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Me gustaría concluir hoy la presentación del libro de poesía "Este debido llanto". Después de dos post (pulsar 1 y 2) con seis poemas, cerraremos la trilogía apretadamente, ofreciendo cuatro nuevos temas. El título "Y estás en el GRAN CORO" nos anuncia un hermoso primer poema que, según costumbre, ofrecemos completo.
Es fácil sentir los versos de Mauleón como escritos sólo para mí, para ti, para todos... Su sencilla expresión, su misticismo, su cotidianidad, su ternura, como fruto maduro en el árbol, alimentan el corazón y la alegría de quienes acercamos nuestros ojos y nuestras manos a recoger sus dones.
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En el pasado post, presentamos tres títulos del poemario de Jesús Mauleón "Este debido llanto" (pulsar). Y dejamos suspendida la lectura de la "Nota preliminar". Leamos hoy los últimos párrafos de la corazonada confesión del proceso de duelo del autor, más allá de teóricos esquemas ajenos por completo a su personalísima experiencia:
"Si mis versos fueron el producto de un duelo, éste fue un duelo mío, y halló una concreción literaria, dicho sea con toda la modestia del caso, única e irrepetible. Fueron los versos de alguien que sufre la muerte de la persona querida desde la raíz misma de la soledad y desde la noche, a un tiempo oscura y luminosa, que la fe proporciona.
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CABA de llegarme, dedicado por el autor, el último poemario de Jesús Mauleón, compañero de estudios y amigo.
"Este debido llanto" (Ediciones Vitrubio", 2010) está centrado en el fallecimiento de la madre del poeta, una pérdida dolorosa que se llena de resonancia mística, de un dolor que se agarra a la esperanza y, en el mismo espacio, a una poesía reveladora y firme.
Inicia el autor la presentación de sus versos con estas palabras:
"En mi ya larga vida he visto morir a unas cuantas personas queridas a mi alrededor. Algunas de ellas dejaron marcada en mi historia íntima la cicatriz de un poema. Pero esta vez fue distinto. Nunca la muerte de alguien amado me había sumido en una especie de sosegada furia, o de éxtasis, que se prolongó durante mes y medio y me forzó a escribir, casi como un sonámbulo, uno y, en ocasiones, dos poemas diarios. Este trance de "dolorido sentir" y de trabajada serenidad, a partes iguales, fue lo que me provocó la despedida de mi madre..."
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Recordaba otro día cómo el mexicano Amado Nervo acudió en 1900 a la Exposición Universal de Paris como corresponsal periodista. No sólo conoció allí al nicaragüense Rubén Darío, sino que vivió un tiempo con él en un pisito de Montmartre. Por su imagen de bohemio  –figura estilizada, interesante barba, penetrante mirada y cierto aire israelita– le asemejaban sus amigos al poeta/profeta de Nazaret. Llegaban a señalarle cariñosamente como "Monsieur le Christ" (Señor Jesucristo).
El mismo Rubén, en un conocido soneto improvisado de la época ("Amado es la palabra, y en querer se concreta..."), le definió, en su segunda estrofa, como "fraile de los suspiros, celeste anacoreta..." Y refería que, alguna vez, a mitad de una noche de diversión, descubrían que les faltaba, y acababan encontrándole extasiado en una iglesia escuchando un concierto de música sacra.
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Hoy, 24 de mayo, recordamos con afecto la persona y obra de Amado Nervo en el aniversario de su muerte (pulsar). Los últimos meses, su popularidad como poeta, había llegado a cotas inimaginables. Cuando desde Montevideo fueron acercando a la patria mexicana sus restos mortales, cubiertos por todas las banderas de los países del continente, la aclamación que más se repetía era: “Amado Nervo, primer poeta de América”. Se fueron sumando al cortejo naval barcos de guerra de diversos países hasta arribar al Puerto de Veracruz.
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 ace 91 años falleció en Montevideo un 24 de mayo de 1919 el poeta modernista mexicano Amado Nervo. No llegó a cumplir los 50. Su producción lírica es bastante extensa y su calidad desigual. Pero se salvan algunos poemas que llegaron a ser muy populares. Respecto de su formación religiosa escribe:
"Muerto mi padre cuando yo tenía nueve años, mi madre me envió a un colegio de Padre Romanos, al de Jacona, en Michoacán, que entonces gozaba de cierta fama. En este colegio, y después en el seminario de Zamora, Michoacán, hice mis estudios preparatorios, empezando, naturalmente, por el latín..."
El seminarista Amado Nervo tiene que abandonar precipitadamente su formación para ayudar económicamente a su familia, que era numerosa. En 1898 publica su primer poemario, "Místicas", al que fueron siguiendo títulos tan evocadores como "Serenidad" (1912), "Elevación" (1916) y "Plenitud" (1918), a escasos meses de su propio final. Dentro siempre de la ortodoxia católica, moduló Amado Nervo su sensibilidad hacia cierto panteísmo integrador.
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En el cuadro que estamos contemplando, de Joaquin Patinir, observamos al barquero Caronte dirigiendo su barcaza hacia la derecha de la imagen, el Infierno. Transporta un alma por la laguna Estigia. A nuestra izquierda podemos apreciar el Paraíso, vergel regado profusamente por las milagrosas aguas del río Leteo; quien las bebiese olvidaría su pasado y obtendría la eterna juventud.
Virgilio, en el canto VI de la Eneida, describe líricamente tan escatológico drama, que Dante, en la Divina Comedia, actualizará escenificando capítulos de teología cristiana.
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Esta interesante fotografía del poeta de Oliva está tomada, muy probablemente, en su mansión de Elca, donde nació y vive con sencillez y pasión vital, rodeado de naranjos y palomas. El magnífico artista de esta composición ha sido Mikel Ponce, y forma parte de la serie "Retrato de personalidades valencianas". La luz parece nocturna, hora feliz del poeta elegíaco. O acaso, vespertina, mágico instante del sol cayendo al mar o escondiéndose por los bajos cerros de la tarde. Pero sería mejor escuchar al machadiano poeta de mirada crepuscular, que así nos explica su emoción al caer la luz y apagarse los valles:
"Considero que el momento más bello del día es el crepúsculo, quizá porque soy hombre nocturno, y por lo tanto no vivo el amanecer. Esa luz auroral es una luz rota, es decir, la mirada la hace distinta. Y escribo más en esos momentos, sobre todo cuando estoy en el campo. Por otra parte, mi obra está fundamentada en la sensación de la vida como pérdida, por lo que es una poesía de tono crepuscular. La muerte siempre está al fondo, acechando."
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Acaba de obtener el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana el escritor valenciano Francisco Brines. Mi más cordial felicitación a tan importante poeta de la generación de los 50. Con enorme placer he bajado al atril de lectura su "POESÍA COMPLETA" (Tusquets 2000),y repasado con emocionado aliento la fecunda  galería de sus inquietantes versos. En un rincón del despacho encontré un librito, "Las brasas", su primer trabajo lírico, premio Adonais a sus 27 años.
Tiene para mí este ejemplar una significacion muy especial. Está dedicado por el autor a mi padre "Nicolás de la Carrera" (año de 1960). Lo más valioso para mí es la segunda dedicatoria que le acompaña, también firmada por Brines cuarenta años después. Esta vez está dirigida al otro "Nicolás de la Carrera" que ahora está escribiendo para ustedes. En un encuentro de poesía le acerqué el amarillento poemario. Y, sensible como siempre al paso del tiempo, su obsesión, redactó, con bellos y seguros trazos, el siguiente texto:
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Ante la obra poética de José Emilio Pacheco ("Tarde o temprano", antología del año 2.000), no acierta fácilmente el lector curioso por qué poema iniciar su safari lírico, ya que los temas son tremendamente variados y sugeridores.
En el diálogo que mantuvo en la Casa de América con nuestro poeta mexicano, Luis García Montero da en la diana de la densidad y fascinación de tan singular parque temático: "el lector de "Tarde o temprano" recibe la impresión de que José Emilio Pacheco ha ido tejiendo una inmensa tela de araña sobre los más diversos elementos naturales y culturales, señalando la unidad última de la historia y las fronteras sentimentales de la condición humana. Caminando siempre hacia el centro de esa tela de araña para dar cuenta de todo lo que cae, está la conciencia poética vigilante de José Emilio Pacheco, una de las conciencias poéticas más intensas de la literatura hispánica contemporánea."
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Hoy se celebra en España el Día de la Madre. Los pequeños escolares entregan a sus mamás el modesto trabajo que fueron elaborando a lo largo de los días, arropados por la amable profesora. También los papás celebran la fiesta, acercando al mantel familiar una suculenta tarta o reservando mesa en un restaurante para que la mamá descanse de la cocina en este su día.
¿Por qué no añadir unos pétalos de poesía al feliz suceso? Aunque sea un día comercial, no sólo es eso. Se quiere consagrar, en el corazón de la familia, el altar del amor. Os sugiero para hoy algunos delicados versos/besos que evocan y celebran el feliz acontecimiento de la transmisión de la vida y su protección y cultivo en el jardín del hogar.
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El pasado viernes, 23 de abril, en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá, recibió el mexicano José Emilio Pacheco el máximo galardón de las letras hispanas: el Cervantes. Ya hemos dedicado a tan insigne lírico algún otro post, en anteriores fechas, por la concesión de otro importante premio, el Reina Sofía (enlaces al final de este post).
Pero quisiera homenajearle hoy por la creación y edición reciente (2009) de una obra suya que interesará muy especialmente, sin duda, a los curiosos y actualizados lectores de Religión Digital. La publicación se titula nada menos que "El Cantar de los Cantares", en edición de El Colegio Nacional y Ediciones Era.
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El proyecto inicial de Serrat al dar a conocer el nuevo cancionero "Hijo de la luz y de la sombra" era recorrer España presentándolo en concierto, del 28 de marzo de este año (fecha del fallecimiento de Miguel) al 30 de octubre (centenario del nacimiento del poeta alicantino). Pero tuvo que ser operado de urgencia el pasado mes de marzo por un peligroso nódulo en el pulmón.
Repuesto, este fin de semana (viernes 23) se enfrentó, con la energía y lucidez de siempre, a su primer compromiso: concierto ante tres mil personas, en la inauguración del magnífico Palacio de los Deportes de la Universidad Miguel Hernández de Elche, donde residen los herederos del poeta pastor y se conserva actualmente su legado.
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El Comisario poeta Miguel Hernández sufrió, a lo largo de algunos años, cárcel y condena a muerte conmutada por 30 años de reclusión. En este tiempo fue muy grande su sufrimiento, mayor que el de otros que no habían vivido la libertad del pastor en el campo, del muchacho testigo directo del nacimiento de las flores silvestres, del apareamiento y parto de animales, de refrescantes, desnudos baños en escondidas pozas...
Necesita moverse de nuevo, respirar la brisa salvaje de sus cerros, oler azahares, beber cielo azul sin muros, hasta volverse pájaro... Desde la prisión del Conde de Toreno escribe con tristeza a Josefina, a pocas fechas de la sentencia de Muerte:
"Me distraigo mucho mirando el cielo y la tierra como se ven detrás de estas rejas, y los dos perales del patio, que pronto harán sombra... Yo no sé a quién voy a besar, a abrazar por ti y por mí, como no sea a un tronco de un peral.
Pero hasta el peral tiene demasiada cara de preso para sentir ganas de abrazarlo, y yo tengo solamente ganas de mi niño y mi niña. Algún día desembocaré en los dos y te voy a parecer un río revuelto..."
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Buscando desesperadamente este poema por la Poesía Completa de Miguel, no había forma de dar con él. Gracias a Google, descubrí que se trataba de un fragmento lírico de su último trabajo escénico "El pastor de la muerte" (1937), probablemente lo mejor de su teatro. Acababa de regresar del viaje a la URSS, y lo escribe precipitadamente para presentarlo a concurso, obteniendo un meritorio accesit de 3.000 pesetas, en abril de 1938, al Premio Nacional de Literatura.
Protagonista principal, el pastor Pedro, con 19 años, decide, a lo largo del Primer Acto, ir a luchar, venciendo las súplicas en contra de su madre, su hermana y su novia. Es en el arranque del Segundo Acto, que transcurre en las trincheras del Guadarrama, donde descubrimos la presente canción. Ya en la Primera Escena aparece "El Cubano", figura que representa a Pablo de la Torriente (pulsar).
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Nos asomamos hoy a la canción "El mundo de los demás". En la presentación de su trabajo visual sobre el cancionero de Serrat, señala José Luis Cuerda las excelencias de este poema:
"Elegí "El mundo de los demás" porque es un poema de amor escrito a última hora, de una enorme complejidad, y en el que se pasa de lo particular a lo general con valentía poética."
Por la riqueza de estos versos y su enorme complejidad me he permitido el ensayo de una sucinta introducción, pienso que útil, casi necesaria.
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En torno al 18 de julio de 1936, se organiza en occidente un movimiento internacional de simpatía hacia la causa republicana. No sólo hablamos de declaraciones a favor del poder constituido. Nos referimos, sobre todo, a la adhesión personal, al ofrecimiento generoso para el combate.
En torno a cuarenta mil extranjeros se enrolaron en las filas del ejército popular, franceses, alemanes e italianos, sorprendidos por el fascismo emergente en sus respectivas patrias, dispuestos a luchar contra él en otras tierras. Llegaron a combatir por la república voluntarios de hasta cincuenta y cuatro nacionalidades . Dato poco conocido: varios miles de brigadistas de origen judío lucharon contra la facción rebelde. De la totalidad de extrajeros combatientes, casi la cuarta parte regaron tierra española con el generoso tributo de su propia sangre.
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Dedicaremos el post de hoy a glosar la canción "El hambre", del CD (casi seis minutos). Y nos puede servir de ambientación la imagen de esta chiquilla, tomada en Madrid a comienzos de 1939. Su casa acababa de ser bombardeada y se fue a refugiar a una iglesia próxima. Con una mano sostiene una buena rebanada de pan y aprieta, con la otra, alguna fruta.
Miguel Hernández no habla del tema del hambre de memoria: sabe lo que es pasar hambre (" Agrupo mi hambre, mis penas y estas cicatrices / que llevo de tratar piedras y hachas, / a vuestras hambres, vuestras penas y vuestra herrada carne..."). Y sabe lo que es tener noticia de que pasa hambre la familia. Con motivo del nacimiento de su segundo hijo Manuel Miguel (4 de enero 1939), informado por Josefina de que se alimentaba con sólo pan y cebolla (no es que comiera cebolla cruda, sino un guiso pobre de patata y cebolla), les escribe muy afectado pocos días después:
"Estos días me los he pasado cavilando sobre tu situación, cada día más difícil. El olor de la cebolla que comes me llega hasta aquí y mi niño se sentirá indignado de mamar y sacar zumo de cebolla en vez de leche. Para que lo consueles, te mando esas coplillas que he hecho, ya que aqui no hay para mí otro quehacer que escribiros a vosotros o desesperarme..."
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Previamente a "El rayo que no cesa" (publicado en 1936), había escrito Miguel Hernández, al calor de Sijé, poemas religiosos de calidad y compromiso (1933-1934), colección que inicialmente titularía, inspirado en san Juan de la Cruz, "Silbo vulnerado". Dentro de ese proyecto podríamos señalar tres temas, escritos en heptasílabos pareados y asonantada rima, donde se expresan fervorosos deseos de perfección espiritual: "El silbo de la llaga perfecta", "El silbo de las ligaduras" y, el que hoy nos interesa más, "El silbo del dale", que Serrat presenta en su CD como "Dale que dale", enfatizando el estribillo.
La incomprensión y dureza paternas, una angustiosa catequesis sobre el infierno y el pecado, celestiales anatemas contra el sexo, ascéticos ejercicios de doma corporal... fueron creando en Miguel la evidencia de un Dios Justiciero y Cruel que, ya desde que nacemos (pecado original), nos castiga a la infelicidad. Como lo importante es el alma, hemos de liberarnos de los Deseos del cuerpo (pulsar).
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Ha pasado, al menos, un cuarto de siglo desde que asistí, como periodista gráfico, a una peregrinación de enfermos madrileños a Lourdes, en un tren muy especial, el tren de la Esperanza. Quisiera declarar, de entrada, mi respeto, mi emocion por el mágico espacio de fe que circunda el Santuario mariano de Lourdes, en el corazón de los Pirineos.
La directora austriaca Jessica Hausner ha elaborado el argumento y realizado, con dignidad y elegancia, este film, de 100 minutos de duración. Obtuvo en 2009, en el Festival Internacional de Cine de Venecia, el premio Fipresci. Y el Giraldillo de Oro a la mejor película, en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Descubrimos, en imagen, a la protagonista Christine (Sylvie Testud), enferma de esclerosis, que ha viajado en silla de ruedas a Lourdes por curiosidad, porque le han facilitado el viaje y, acaso, también, por aquello de que en Lourdes acontece, de vez en cuando, algún milagro. La interpretación que realiza Silvie de la muchacha inválida, y su curación, es memorable.
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Torrijas, procesiones, playa, tele... Si nos descuidamos, nos pasamos estos días en el coche, o en la calle, o curioseando por la nueva TDT ceremonias litúrgicas, espectáculos de religiosidad popular de alto valor turístico, films de temática cristiana, etc.
Por si ayudan a prantearse personalmente algunas reflexiones sobre la fe, algún compromiso con el Señor, os acerco seis hermosos poemas en los que el poeta, de alguna manera, se implica emocionalmente con el hondo misterio que celebramos.
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Un 28 de marzo fallece, en una enfermería carcelaria, Miguel Hernández. En el interior de la derrota biográfica, ¿no se podría hablar de una victoria existencial? En la noche oscura de su celda de prisionero, escribió Juan de la Cruz el más bello poema de amor, un Cancionero de ausencias del Amado. Miguel, en su afonía postrera, acerca a nuestras vidas los más dulces versos de amor, vida y muerte.
Sólo la muerte, no la prision, acallará su voz de piel y sangre. La Década Prodigiosa literaria de aquel pastorcillo por el Nacimiento madrileño (1931-1941), se cerrará definitivamente en una cárcel de Alicante, con los ojos abiertos a la Luz última. Dos meses antes había manuscrito torpemente, para Carlos R. Spiteri, su última carta:
"Vicente me anticipó la noticia de la muerte de tu padre y el mío... Consuélate de todo, y lo importante, que no hay nada importante, es dar una solución hermosa a la vida."
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El próximo día 28 celebraremos un doble aniversario: la entrada triunfante de Jesús en Jerusalén el Domingo de Ramos y el fallecimiento de Miguel Hernández en la enfermería de la cárcel de Alicante. Hoy nos detendremos en el primer acontecimiento, celebrado en la costa levantina y en toda España portando ramos de olivo y blanco ramaje de centenarias palmeras, el árbol por excelencia del paisaje alicantino, que tan intensamente vivió Hernández. Y lo primero de todo, nos disponemos a regalar una blanca palma de Elche a la doncella que hoy, 25 de marzo, escucha del ángel el anuncio de su divina maternidad.
Javier Mariscal, imprescindible diseñador gráfico (recordemos la simpática mascota Cobi de los JJOO de Barcelona 92) ha querido sumarse al vídeo colectivo para los conciertos de Serrat (pulsar aquí) ilustrando el poema "La palmera levantina". Fijaos en el dibujo presente: cuanta simplicidad en sus trazos y cuantísima expresividad. Al fondo el mar, como en el poema de Miguel ("la que otea la marina"). La orilla del mediterráneo proporciona a la palmera un microclima templado, tan beneficioso para su supervivencia. Siempre provocador, así explica su trabajo el publicista valenciano, a partir de los versos de Miguel:
"Hay como pequeñas estrofitas y cada una tiene un poco su ADN con diferentes coloridos y diferentes movimientos. Una palmera que camine, una palmera que explote... Yo tengo un equipo con muy buenos animadores, pero en este caso lo he animado todo, y solo. Muy simple, muy gráfico. Y procurando todo el tiempo dar ese punto que tiene la canción..."
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¿Por qué habrá titulado Serrat su reciente album sonoro sobre Miguel Hernández "Hijo de la luz y de la sombra"? Sin duda, porque considera este poema el más importante de la producción hernandiana. Así lo explica en el DVD que acompaña al disco: "Hijo de la luz y de la sombra" es el poema de mayor aliento de Miguel Hernández. En él converge todo su mundo. Fue el que le supuso más borradores, el más hondo y ambicioso. Quizá su obra maestra..."
De todos los testimonios que conozco de críticos entusiasmados con lo mágico, lo telúrico de estos versos, por razones de espacio me limitaré a reproducir el de un crítico y poeta singular, contemporáneo y amigo de Miguel, Leopoldo de Luis:
"No te quiero a ti sola, te quiero en tu ascendencia / y en cuanto de tu vientre descenderá mañana...", se lee en el gran poema "Hijo de la luz y la sombra", tal vez síntesis de toda la poesía amorosa de Hernández y sin duda el más hermoso poema que se ha escrito cantando a los protagonistas del amor, creador del hijo.
En su canto late la fuerza cósmica del amor, el ímpetu de un viento telúrico que ciegamente arrastra a los amantes, la consagración del amor carnal, el poder genesíaco, la continuación instintiva de la especie que, de pronto, a ramalazos, se hace lúcida..."
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En vísperas de Reyes de 1937 (2 de enero) publica Miguel Hernández en la revista "Ayuda" del Socorro Rojo el interesante poema "Las abarcas desiertas". Donde recuerda, con ternura y rabia, su dolorida niñez de pastorcito cabrero. El objetivo del poema era recabar ayuda para donativos y juguetes en beneficio de la infancia necesitada. Interesante la nota aclaratoria ofrecida en primera página:
"Los niños de la España libre y en armas tendrán este año, merced a la generosidad de millones de personas, lo que la casta que nos dominaba había hecho privilegio exclusivo de sus hijos: juguetes y libros con que estimular su espíritu y crear sus castillos imaginativos de una sociedad mejor."
¿Se trata de una canción de cuna para no dormir, de una nana tristísima, de un fracasado villancico..., o, un poco, de todo ello? En el duro relato de la vida de Miguel se sentirán aludidos muchos niños y niñas que, en tiempos de hambre y miedo, echan de menos la relajada paz de sus primeros años.
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El 19 de marzo de 1937 se casa civilmente Miguel en Orihuela con su Josefina. El novio, radiante, luce uniforme de campaña. Riguroso traje de luto la novia por su padre, guardia civil asesinado en Elda a pocos días de iniciarse la contienda. Celebrarán su luna/sol de miel en Jaén, donde corregirá, ya en abril, las pruebas de imprenta de Viento del pueblo. A los cuarenta días de felicidad, tiene la esposa que desplazarse urgentemente a Cox para acompañar a su madre en sus últimos instantes.
Afortunadamente, son suficientes estas semanas de pasión y erotismo para recibir la soñada noticia el día 7 de mayo:
"No sé cómo decirte la gran alegría que tengo con lo que me dices de que voy a ser padre y cuando lo he leído te hubiera llenado de besos de arriba abajo, mujer, compañera, tormento mío. Ya me parece que eres de cristal y que en cuanto te des un golpe, por pequeño que sea, te vas a romper, te vas a malograr, me voy a quedar sin ti..."
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Isabel Coixet ha preparado un vídeo sobre la canción de Hernández, "Tus cartas son un vino", poema escrito no muy lejos del ciclo de "Perito en lunas" y sus travesuras gongorinas. No ha perdido del todo su encanto escribir cartas hoy, sobre todo cartas de amor. Nos explica Coixet que "la pieza consiste en fragmentos de cartas que no han sido escritas por Miguel Hernández. Cartas de amor, cartas de desamor, cartas de despedida y cartas de súplica..." Y aclara:
“Yo tengo una gran obsesión con las cartas. Yo creo que en todas mis películas salen cartas, cartas que llegan o no llegan, cartas que van a manos equivocadas... Estaba tentada de poner fragmentos de sms, pero luego pensé que no, que una carta sigue siendo una carta, ¿no? Y el peso que tiene una carta no lo tiene todavía, ni creo que lo puede tener, cualquier otro mensaje virtual que se borra, que casi parece que no tiene peso, que no tiene la urgencia de la respuesta...”
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Iniciemos ya el via crucis –el via lucis– de las 13 estaciones, dolorosas y gozosas, del disco "Hijo de la luz y de la sombra". He elegido para ambientar los versos de hoy la imagen de un Miguel triste, con la mirada perdida. El poema se titula "Del ay al ay por el ay", y se comprenderá mejor su significado si lo completamos un poco: "Del ay del nacer al ay del morir por el ay del vivir". Aunque poco conocido, me parece muy representativo, como veremos, de la atormentada búsqueda espiritual en su etapa católica. Desgraciadamente, tuvo Serrat que podar sabiamente la demasía sus 84 versos, y los tres ayes quedaron reducidos a dos: del ay del nacer al ay del morir...
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Precisamente en 23 F, última broma de Serrat, llegó a los escaparates musicales su último trabajo "Hijo de la luz y de la sombra", doble entrega en CD y DVD. Trece nuevos poemas de Hernández en Compact Disc y media hora en Digital Versatil Disc, introduciéndonos al vídeo que proyectará Joan Manuel en la inmediata gira en la que espera recorrer el territorio nacional del 28 de marzo (muerte de Miguel) al 30 de octubre (nacimiento de Miguel). Su recital se centrará exclusivamente en la obra lírica del poeta alicantino, que incluirá en su repertorio las trece nuevas canciones y cinco antiguas del popular vinilo de 1972.
Adquirí este paquete videomusical en la FNAC de Madrid al precio de 16,95 euros. Sintonizar de nuevo con las sensibilidades de Serrat y el poeta oriolano, está siendo para mí un regalo muy especial, que me ha llevado a hojear de nuevo el ensayo que escribí sobre Miguel hace quince años, "El Dios de Miguel Hernández", Verbo Divino 1995. Y a aventurarme, una vez más, por el fascinante laberinto, de 1.172 páginas, de la Poesía Completa que Espasa Calpe acababa de editar para la celebración del 50 aniversario de la muerte del poeta.
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Nuestro santo Valentín, obispo en la Umbría, ante la prohibición de efectuarse matrimonios en la jurisdición de Carlos II, casaba en secreto a los enamorados que se lo pedían. Conversaba afectuosamente con ellos y les escribía cartas de amor. Repetidas veces fue encarcelado por su celo apostólico. Despertó, bajo Aureliano, la admiración de su carcelero, que le presentó un día a su hija Julia, ciega de nacimiento, para que la curara. En el nombre de Jesús se realizó el milagro.
En imagen, Valentín y Julia dando gracias a Dios. También aparecen en escena ramas de almendro que, a mediados de febrero, se adelantan a la primavera y se cargan de rosadas flores.
Con la ceremonia del matrimonio se inicia un hermoso camino de diálogo y entrega, que acaso llegue un día a florecer en la alegre presencia de un tercero, espejo donde reconocerse los amantes. Se construye así una nueva familia (de "famulus", servidor), núcleo primero de toda sociedad. De este imprescindible nido de amor hablaremos hoy, presentando tres interesantes poemas con Dios al fondo.
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Seguimos escribiendo bajo la protección de san Valentín, santo de los enamorados. En el pasado post sobre las manos de los amantes (pulsar) incluimos un texto de Gerard Leleu sobre las manos de la mujer. Con sensibilidad, una amiga, lluvia, inspirada por el escrito, se animó a presentarnos unos versos recién descendidos del corazón. En ellos vinculaba las manos con el amor, y parece que nos hablaba de una experiencia personal... "Cuando proporcionan caricias, dan alegría, vida y amor. / Cuando rechazan, sólo consiguien provocar dolor. / Manos las que yo tenía de mi amor, / ¿por qué las retiró sin ninguna explicación?..." El final decía así:
"Manos palma arriba, ayudan a vivir y a crecer aún sin amor.
Las mismas hacia abajo oprimen y angustian al corazón.
Tengámoslas siempre abiertas y evitemos, en todo lo posible, el dolor."
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La imagen que preside el post de hoy, "La catedral", del genial escultor Rodin, señala, con amor y espiritualidad, el tema de hoy: las manos. Una pareja acerca sus manos y edifica con su confianza y su cariño un Templo al Dios del Amor. Pero iniciemos el viaje con unos textos del sexólogo doctor Gerard Leleu que, en su extraoridinario ensayo "Las caricias" (Plaza y Janés 1997) reserva un sugerente espacio a ensalzar la belleza, la ternura, de unas manos humanas encendidas de amor. ¿Por qué no asomarnos ya al paisaje lírico del sexólogo poeta Leleu?:
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Para celebrar el Día de los Enamorados preparé el Domingo un post comentando, con poemas de hoy, páginas del Cantar de los Cantares (pulsar aquí). Hoy cerraremos esta sencilla investigación. Parece que interesa el tema porque en estos días se ha multiplicado el número de visitas a Nido de Poesía. De entrada, quisiera leeros un interesante texto del libro de Victor Morla, Doctor en Sagrada Escritura, "Poemas de amor y de deseo. Cantar de los Cantares" (Verbo Divino 2004, 416 páginas). En el capítulo introductorio explica con sensibilidad por qué le es útil al hombre de hoy una lectura cuidadosa del Cantar:
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Hoy, 14 de febrero, celebramos el Día de los Enamorados. Una bonita oportunidad para asomarnos, una vez más, a poemas que hablan de amor. Se me ha ocurrido, para hoy y el próximo jueves, redescubrir el Cantar de los Cantares, que tiene mucho de antología: canciones de amor, cantos de boda, hábilmente injertados en una fascinante composición.
Seguro que fue mujer, una mujer enamorada y libre, quien entretejió, con sabiduría y ternura, el encendido diseño de este curioso poema, que, entre otras excelencias, ofrece al creyente el placet de oro de su divina inspiración. Presentaremos unos breves textos de poetas actuales y señalaremos, como fondo a investigar, versículos del Cantar de los Cantares relacionados con aquellos.
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Dentro de tres fechas celebraremos, por san Valentín, el Día de los enamorados. Como todas las fiestas tienen su octava, ¿por qué no dedicar unas entregas a presentar en Nido de Poesía entrañables poemas de parejas que viven su amor con alegría, entrega, trascendencia, fidelidad... Podrían ser útiles para la pastoral familiar y facilitarían sugerentes modelos de convivencia a matrimonios que acaso estén interesados en mejorar su relación.
Y como el espacio es limitado, iniciaremos ya el recital de hoy con versos del poeta guadalajareño Miguel Alonso Calvo, más conocido por el seudónimo de "Ramón de Garciasol" (1913-1994). Por desgracia, no se ha publicado una buena edición crítica de toda su lírica, que anda dispersa a lo ancho y largo de dos docenas de agotados poemarios. Si buscáis por internet versos de Garciasol, os encontraréis con que las contadas antologías que contienen alguno de sus poemas, ¡repiten los mismos doce o trece títulos, como si no hubiera otros!
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 Nos encontramos en el oleaje de una serie de reflexiones sobre los sueños. Sueños nocturnos, desde luego. Pero también sueños con sol, con el sol de la fantasía iluminando el corazón. Nos asomamos hoy a versos del poeta sevillano (de Paradas) Javier Salvago (1950). No necesita la almohada para soñar. Recoge la manta a cualquier hora y se encierra a rumiar viejas historias.
Intensa la vida del artista paradeño definido por Raúl Doblado como "un poeta con la herida de la vida abierta, que sabe de caminos, de noches, de amores, de fondos de botella, de miedos valientes, de derrotas celebradas, de soledades concurridas". Desde mediados de los 80, trabaja como guionista de los espacios de Jesús Quintero, y es el autor de casi todas las "Reflexiones" que el personaje de El loco de la colina ha pronunciado desde entonces. Queremos conocer ya alguno de los ensueños que se hicieron poema por su pluma, y hoy encandilan y emocionan...
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El pasado lunes me impactó emocionalmente este dibujo del genial Mingote. Venía explicado por el siguiente texto: "Gracias a Mónica Fernández Aceytuno nos hemos enterado de que han florecido los almendros. ¡Cuánto tienen que aprender de esta chica esos portavoces...!" (Se refiere el dibujante a M.F.A., licenciada en Ciencias Biológicas, columnista de ABC y editora del portal de la Naturaleza "aceytuno"(pulsar) .
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Recomendando la lectura del manual de Ángeles Martín "Los sueños en psicoterapia gestalt" (pulsar aquí), presentamos un expresivo ejemplo de sueño resucitado gestálticamente en una sesión terapéutica. Se incluía el cuerpo en la dinámica. Pero se oye, muy frecuentemente, desde el desaliento: "¿Cómo voy a comprender su sentido, si no recuerdo los sueños?". Reserva Ángeles un capítulo para las "personas que no recuerdan sus sueños"...
"Para recuperar los sueños y poderlos hacer realidad es imprescindible recrearlos, perderles el miedo y vivirlos como un modo creativo del ser humano de estar en el mundo. Pensar que en cualquier momento algo es posible si le dedicamos el tiempo necesario y la ilusión mínima para poner en marcha cualquier acción, ya que la energía y el deseo dan sentido al empeño y lo prorrogan en el tiempo".
Reclama la autora ilusión y tiempo para recordar y recrear los sueños. Sólo desde una encendida motivación pediríamos a los ángeles de la noche que velen nuestro espacio MOR (Movimientos Oculares Rápidos), y respondan fielmente a los interrogantes que necesita aclarar nuestro corazón.
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28.01.10 @ 07:00:00. Archivado en Psicología
Hace pocos días me llegó a casa el último libro de Ángeles Martín, "Los sueños en Psicoterapia Gestalt", de editorial Desclée (editado en noviembre de 2009). Me dio mucha alegría por el tema, central en el trabajo clínico con técnicas gestálticas, y por la autora, que hace ya 24 años firmaba, con Francisco Peñarrubia, mi participación en un Primer Curso de Formación Gestalt. Cinco años después, concluiría mi ciclo formativo con la acreditación de miembro titular de la AETG. Viví con intensidad, cómo no, varios de sus magníficos Talleres de Sueños, fuente manantial de esta publicación.
"UN SUEÑO NO INTERPRETADO ES COMO UNA CARTA NO LEÍDA".
Por no escuchar la voz de los síntomas corporales (dolor de estómago, jaquecas, pérdida de vista o audición, dermatitis, hipertensión, asma...) nos perdemos lecciones particulares de salud física y bienestar espiritual. También nos presentan los sueños, disfrazados de imágenes, de historias vivas, verdades ocultas que necesitamos escuchar. Lúcidamente lo expresa Ángeles Martín...
"Los sueños siempre nos transmiten un mensaje que nos conviene descifrar, como que olvidamos nuestras necesidades, que estamos atascados en alguna situación que no sabemos resolver, que no queremos arriesgarnos a actuar, que estamos dando demasiada prioridad a una polaridad en detrimento de otra, que no miramos donde debemos mirar..."
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Acaba de anunciar Joan Manuel Serrat el pasado jueves, en la sede de la SGAE, su colaboración muy especial para el Centenario de Miguel Hernández. Después del éxito, en 1972, del disco titulado escuetamente “Miguel Hernández” (aparecía en la portada, en letra muy pequeña, el nombre de Serrat), presentará en breve, a finales de febrero, un nuevo CD que se llamará “Hijo de la luz y de la sombra”, e incluirá, musicados, trece nuevos títulos hernandianos de diversas etapas. Casualmente, de diez poemas que seleccioné para destacar en mi web “Nido de poesía”, escogidos entre los 640 que componen la totalidad de la obra lírica de Miguel Hernández, casi la mitad, al menos, estarán incluidos en esta segunda antología cantada: “Del ay al ay por el ay”, “Las abarcas desiertas”,“Canción del esposo soldado”, y la primera parte de “Carta” titulada “Tus cartas son un vino”. El título del album lo he desarrollado en el blog "Hijo de la luz y de la sombra”.
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Dedicamos el último post a reflexionar brevemente sobre el film "El cónsul de Sodoma" (pulsar aquí). Prometimos incluir algunos versos del vate barcelonés. ¿Y qué mejor título que uno de los más bellos poemas de erotismo y amor que se han escrito en castellano? Como es largo (hemos contado casi 100 versos) lo trocearemos, con pequeñas introducciones.
En imagen, la diosa griega del amor Afrodita. A ella alude Gil de Biedma en el título de hoy, "Pandémica y celeste". Se refiere el poeta catalán, siguiendo a Platón en "El convite", a las dos modalidades de Eros que representa la divinidad griega (que se llamará Venus en Roma):
 Afrodita Pandemos (Vulgar o Común, en castellano). Seduce desde lo corporal, el deseo, la pasión... Amor puramente erótico, al que se accede a través de múltiples y diversas experiencias. Es la más joven de las dos.
Afrodita Celeste (hija de Urano, dios del cielo). Seduce desde el alma y, ¿porqué no?, también desde el cuerpo. Favorece la fidelidad a un único amor, espiritualizado. Es la más antigua de las dos divinidades.
Como veremos a lo largo del poema, integra Gil de Biedma ambas energías como ideal a vivir.
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18.01.10 @ 07:00:00. Archivado en Sexualidad, Poesía
Hace veinte años (8 de enero de 1990) fallecía en Barcelona el poeta de la Generación de los 50 Jaime Gil de Biedma. Para sumarse al aniversario acaba de estrenarse, dirigido por Sigfrid Monleón, el film "El cónsul de Sodoma", que, basado fundamentalmente en la biografía de Miguel Dalmau "Jaime Gil de Biedma" y los Diarios del propio escritor, refiere la trayectoria existencial y literaria de Gil de Biedma desde la publicación en 1959 del poemario "Compañeros de viaje" hasta la edición, en 1968, de sus últimos versos, con el provocador y profético título de "Poemas póstumos" (tenía sólo 40 años, pero la imagen de sí que había creado en sus versos no le dejaba ser él mismo).
Prosigue sucintamente la biografía fílmica veinte años más, hasta la trágica noticia de padecer el sarcoma de Kaposi, un tipo de cáncer de piel aparecido en aquella década de los 80 y que posteriormente llamaríamos Sida. Fallece a los pocos meses, en 1990. En imagen, el verdadero Jaime, con bastón, descansando en un banco de piedra.
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Hemos iniciado ya el esperado 2010, aniversario del nacimiento en octubre de 1910 del pastor poeta Miguel Hernández. Estaré muy atento a novedades importantes a lo largo de esta celebración anual. Os recomiendo, de entrada, una página imprescindible para conocer y amar la figura de Hernández: "Miguel Hernández Virtual" (pulsar aquí).
En el post de hoy me voy a limitar a espigar algunas reflexiones sobre el nacimiento de tan gran poeta de la generación del 36 (año que publicó "El rayo que no cesa"). Edité en 1995 un ensayo, "El Dios de Miguel Hernández" (Verbo Divino), hoy agotado. De él iré cosechando pensamientos que no dudo os van a interesar.
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"Gloria a Dios en el cielo, y en la tierra PAZ..." proclaman los ángeles a los pastores. Vivir la Navidad es, para muchos, comer dulces, hacerse regalos de grandes almacenes, jugar a la lotería, entronizar en casa un iluminado abeto, etc. Pero sabemos que el 25 de diciembre nos exige mucho más: pregonar y vivir la Justicia y el Amor que Jesús nos anuncia ya desde los primeros latidos de su Corazón de Emmanuel, Dios con nosotros.
En el sugerente comic, de Santiago Bellido, señala un ángel, a dos contendientes enfrentados con armas, la luz de una estrella y el misterio del portal de Belén. Su mano izquierda ruega silencio: al Niño le sobresalta la violencia. Predicará la concordia, el respeto, la fraternidad de la gran familia humana. Y el amor a Dios, Padre de todos.
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Sentado cómodamente frente a una pantalla gigante, he tenido la suerte de disfrutar el film "Todos están bien" el día de su estreno en mi ciudad. Se trata de una nueva versión de la película italiana "Stanno Tutti Bene", de Tornatore, que fue exhibida en 1990 con gran éxito de público y crítica. Protagonizó la cinta, en aquella ocasión, un genial Marcello Mastroianni.
Diez y nueve años después, el británico Kirk Jones nos ha regalado un interesante remake protagonizado por un Robert de Niro en plenitud interpretativa. Posible candidato al Oscar, iguala, si no supera, la puesta en escena del italiano. Anotemos, de entrada, la diferente factura de ambas, aquella más mediterránea, más latina. Ésta típicamente made in USA.
Frank, jubilado y viudo desde hace escasos meses, ha invitado a sus cuatro hijos, ya treinteañeros, David, Amy, Robert y Rossie, a una celebración doméstica con motivo de la Navidad. Pero los cuatro se excusan con sutiles argumentos que dejan al padre tan preocupado que decide hacerles una visita, haciendo caso omiso de su mala salud, que le impide viajar en avión, y cerrando los ojos al alejamiento de los domicilios de sus hijos, dispersos por la amplia geografía de Estados Unidos.
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Nicolás de la Carrera
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