Cine espiritual para todos

Un monje contra el imperio financiero

28.05.17 | 20:30. Archivado en Crítica cinematográfica


Interesante película del director italiano Roberto Andò. El mayor atractivo reside en el punto de partida: un austero hombre de Dios colocado en el centro de las decisiones económicas del mundo. Lo más limitado: una factura excesivamente teatral que carga sobre el discurso y pierde confianza en la expresión del drama. Con un innegable sentido cristiano nos presenta la figura señera del cartujo Roberto Salus que tiene sobre sí la huella del papa Francisco. Sin embargo, el tono didactista y retórico es una rémora que pesa sobre todo el metraje.
El director de teatro Andò no termina de cruzar el puente hacia el lenguaje fílmico. La excesiva urgencia del debate ideológico ante la coyuntura histórica de un mundo en crisis, desarticula un guion que hubiera dado para mucho más. Si el personaje del monje-cura, Toni Servillo resulta lo más auténtico del film, representando el contraste de Dios frente un mundo roto por la ambición. La pléyade de secundarios, encarnando los ministros de economía del G-8 que aparentemente mueven los hilos económicos, resultan erráticos y verborreicos. La búsqueda de los motivos por los que el director del Banco Mundial, un Daniel Auteuil poco convincente, muere tras la confesión inicial al padre Salus, resulta un McGuffin escenográfico más que una intriga verdadera.

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Últimos días en el desierto. La humanidad sin Dios

11.04.17 | 09:46. Archivado en Crítica cinematográfica


Nuevamente una representación de la figura de Jesús de Nazaret en el cine. En este caso, se trata de reconstruir la experiencia en el desierto donde desde las tentaciones, donde se fragua la conciencia personal y la búsqueda del Padre. El resultado es un ensayo fílmico muy personal sobre la existencia humana desde el arquetipo de Jesús, pero sin acceder al misterio de su persona y acontecimiento. Las piedras que tapan el sepulcro también oscurecen la hondura y luz de Jesucristo en comunión con los hombres y en filiación con Dios.
El cineasta colombiano Rodrigo García, hijo de García Márquez, es un especialista en retratar el mundo femenino, recordemos “Nueve vidas” (2005), “Madres & Hijas” (2009) o “Albert Nobbs” (2011), con un papel memorable de Glenn Close. Pero ahora se enfrenta a una película en la que compone un guion sobre el que vuelca sus inquietudes sobre la dureza de la existencia, las relaciones fundantes de paternidad-maternidad- filiación, la revuelta de la nuevo sobre lo viejo o la ausencia de un Dios del que solo queda fotografiar su inexistencia, como un recuerdo cultural y mitológico.
El punto de partida no son los relatos evangélicos, por lo cual se desliza en una reconstrucción de ficción de sus personajes. No se trata tampoco de una confesión de fe que el autor, experiencia que asegura no tener. Se trata más bien de una indagación en el personaje de Jesucristo como misterio de lo humano que abarca las proyecciones hacia lo divino.

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Lo que de verdad importa, cine contra el cáncer de niños

01.02.17 | 08:35. Archivado en Crítica cinematográfica


La nueva película de Paco Arango es cine pero algo más que cine. No se trata de una inversión en la industria de la diversión sino de un acto de generosidad hacia los niños que padecen enfermedades graves. Los ingresos íntegros de “Lo que de verdad importa” irán destinados para que 120 niños con cáncer puedan disfrutar de una semana alejados de hospitales y en unas vacaciones para recordar en Barretstown (Irlanda) un campamento en un castillo perteneciente a Serious Fun Children’s Network, la red fundada por Paul Newman.
Este punto de partida hace de “The Healer”, título original, un film muy especial. El espectador está llamado desde el principio a una complicidad con la narración. Alec es un ingeniero mecánico inglés que tiene su vida hecha un lío: sentimentalmente va de pareja en pareja, su negocio una tienda para arreglar aparatos eléctricos es una ruina y además tiene una adicción a las apuestas que le lleva a la perdición. Cuando todo se derrumba, aparece un tío-ángel, que le propone una opción para salvarse del hundimiento. Acudir durante un año a un pueblecito de Canadá donde están sus orígenes familiares. Más por imperativo que por convicción acepta el cable que puede sacarle del desastre. Con su llegada todo resulta como diseñado por una magia oculta y benefactora que irá concertando las piezas de su desordenada vida.
Tras el éxito de Maktud, Paco Arango se lanza con un reparto internacional: Oliver Jackson-Cohen (Salvando las distancias, Dime con cuántos), Camilla Luddington (Anatomía de Grey), Jorge García (El gurú de las bodas) y Jonathan Pryce (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra). El guion del propio director se mueve entre la comedia y el drama, el realismo mágico latino y el efectivismo hollywoodiense. La intención es clara, mover a los corazones para ayudar a la curación-lucha contra la enfermedad y el dolor, especialmente de los niños.

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Hasta el último hombre. Pacifismo salvaje

08.12.16 | 19:45. Archivado en Crítica cinematográfica

Esta película puede herir la sensibilidad del espectador y éste es el riesgo de llegar hasta el extremo. Mel Gibson sigue siendo un narrador eficaz y extremoso, lo demostró en “Braveheart” (1995), en “La Pasión de Cristo” (2004) y en “Apocalypto” (2006). Su compromiso con el mensaje cristiano es radical, rotundo, omnipresente. Sabe buscar al público y al espectador no le deja indiferente ni cómodo. Más bien le pega un puñetazo en el estómago y le muestra épicamente lo valioso.
Hacksaw Ridge cuenta la historia de Desmond Doss, impresionantes los registros de Andrew Garfield, un objetor de conciencia por motivos religiosos que va a la II Guerra Mundial como ayudante sanitario. La historia es un díptico de preparación y culminación. El prólogo nos muestra a la familia del protagonista, un padre borracho y herido mentalmente por la I Guerra Mundial, convincente Hugo Weaving, y una madre sufridora (Rachel Griffiths). Allí en la violencia del maltrato forja sus convicciones pacifistas y como una luz aparece la bella enfermera que interpreta Rachel Griffiths. Doss emerge como un personaje contradictorio duro e ingenuo, fuerte y alegre, especial y tenaz. Comenzada la guerra se alista y en el campamento de entrenamiento conoce a sus compañeros guiados por el sargento Howel, sugerente Vince Vaughn. Hasta aquí todo tranquilo, bien narrado y señalando la fuerte convicción cristiana, adventista, del presunto héroe. La biblia será su bandera.
Con la segunda parte hay que resistir al vómito. La acción nos lleva a la brutal batalla Okinawa. 250.000 muertos entre las tropas del Pacífico de EEUU, los soldados japoneses y sus habitantes. En pleno frente para tomar la colina de Hacksaw, se encuentra Doss y su compañía. Allí los vemos ser despedazados, desventrados, mutilados, desfigurados. Sangre y fuego. Alaridos y espasmos. Rabia y dolor. Violencia hasta la médula, literal, y hasta los intestinos, literal. Y el bueno de Doss recogiendo uno a uno a los heridos, cuando todos se retiran, el pretendido cobarde muestra su valor trascendente. Recoge incluso a los enemigos. Lo fuerte es que se trata de una historia real. Una batalla inútil, la guerra terminaba unos días después con el bombardeo atómico de Hirosima y Nagasaki.

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The Vessel: la sombra de Malick es alargada

08.12.16 | 17:58. Archivado en Crítica cinematográfica


The Vessel es claramente una obra de la escuela de Malick. Uno de sus discípulos, Julio Quintana, compone este film-parábola sobre la intensidad de la desolación y el sacrificio de la esperanza. Con las mismas consideraciones formales cuenta con la belleza de los planos que se convierten en símbolos, la intensidad de la tragedia, el dialogo tenue contrapunteado con la voz en off y la intensidad de la banda sonora.
Tras diez años de la tragedia de un maremoto una aldea portorriqueña sigue en la tristeza de la devastación. Tras la muerte de 46 niños de la pequeña escuela, las mujeres se niegan a quitarse el luto y a tener hijos. Resistiendo el temporal el sacerdote local, impresionante Martin Sheen incluso en su castellano, intenta, tan repetida como fracasadamente, aportar un poco de luz, desde una iglesia a la que ahora ya no entra nadie.

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Blanka. El otro modo del Lazarillo de Manila

23.09.16 | 20:18. Archivado en Crítica cinematográfica


Blanka es una película sincera y trasparente que presenta la historia de amistad de un viejo músico callejero y una niña de la calle. En medio de la miseria de los barrios pobres de Manila está historia de tonos veraces y luminosos cuenta como una ladrona en ciernes se convierte en una antorcha de luz en zonas de sombras.
El escritor y director japonés Kohki Hasei emprende su primer largometraje tras su experiencia en documentales, videos musicales y de moda. Para ello acude a un elenco de actores no profesionales encabezados por Peter (Millani) un músico callejero filipino de voz y pasado desgarrado. Junto a él Blanka, interpretada por Cydel Gabutero, la niña de 11 años protagonista de la historia, y un grupo numeroso de niños que nunca se habían puesto bajo las cámaras. Como director de fotografía Takeyuki Onishi logra dar a los colores amargos de la pobreza el brillo y el contraste de la infancia y la ingenuidad.

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"Ben Hur". Nueva adaptación simplificada a la búsqueda del gran publico

01.09.16 | 14:08. Archivado en Crítica cinematográfica


Nueva adaptación, y va la cuarta, de la novela “Ben-Hur” de Lewis Wallace editada en 1880. En este caso con la intención de atraer de forma conjunta al nuevo público que desconoce la historia y a los nostálgicos de la épica de William Wyler en la famosa adaptación protagonizada por Charlton Heston en 1959 y que ganó 11 premios Óscar.
Las opciones de la producción se mueven en tres direcciones. Por una parte aligerar la historia de 212 minutos de la clásica a los 125 de la nueva dejando de lado algunas tramas secundarias. Relanzar las posibilidades de efectos especiales en la inolvidable carrera de cuadrigas y en la batalla naval convocando empresas especialistas como NASCAR y Formula One YouTube. Así como introducir la novedad de mostrar el rostro de Jesús, que había permanecido oculto en todas las adaptaciones.

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Cartas de la Madre Teresa. Biopic que aparece con motivo de la canonización

29.08.16 | 10:12. Archivado en Crítica cinematográfica


El lanzamiento del DVD de esta película, que se estrenó en el Festival de Cine de Sedona en febrero de 2014, coincide con la proclamación de la santidad de Teresa de Calcuta. Basada en el libro “Ven, sé mi luz. Las cartas privadas de la santa de Calcuta” editadas y comentadas por Brian Kolodiejchuk, portulador de la causa de canonización y amigo de la santa desde 1977 hasta su muerte.
Protagonizada por Juliette Stevenson (Quiero ser como Beckham), Max Von Sydow (El exorcista, Shutter Island) y Rutger Hauer (Blade Runner), la película está dirigida por el poco conocido William Riead.
Comienza con el encuentro del viejo amigo y consejero espiritual de la santa, el padre Celeste van Exem , con el padre Bejamin Praagh, encargado por el Vaticano de la investigación sobre la vida de la madre Teresa. A partir de aquí se suceden los flashback que nos permiten seguir la trayectoria de la santa centrada en la década de los años cuarenta y principios de los cincuenta, desde sus años como monja de Loreto, encargada de la enseñanza de niños a su opción por los más pobres y la fundación de las Misioneras de la Caridad. Este cambio de orientación supondrá un fuerte desafío espiritual que te topará con la fuerte oposición de madre general de Loreto (Mahabanoo Mody-Kotwal), la incomprensión de los habitantes de Calcuta, las dudas del Vaticano para el reconocimiento y la creciente sensación de aislamiento y abandono de Dios que nos transmiten las cartas personales.

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Human. El rostro de la humanidad. Un viaje imprescindible

19.08.16 | 10:54. Archivado en Crítica cinematográfica


Presentamos el documental titulado “Human” del fotógrafo y cineasta Yann Arthus-Bertrand. Podemos acceder desde internet estructurado en tres partes que se pueden visualizar independientemente. También se ha estrenado en sala en una versión que dura 191 minutos. La película se ha realizado durante casi tres años y más de 60 países, 2000 personas han ofrecido su rostro y su testimonio para acercarnos al corazón de los seres humanos.
El que la obra sea accesible gratuitamente se debe a a que Fondation Bettencourt Schueller ha financiado la producción con la intención de que esta mirada al corazón de la humanidad tenga el acceso más amplio posible. Se trata de una obra comprometida que quiere dar imágenes y voz a nuestro mundo con la finalidad que reconozcamos nuestra alianza común.
Tres son los grandes ejes de este proyecto audiovisual. El más significativo es el testimonio del rostro. En primeros planos van pasando mujeres y hombres, niñas y niños de todas las razas, religiones y países. Sobre un fondo negro la mirada se fija en las emociones y en las palabras que en forma de confesión nos hablan de la felicidad y el sufrimiento, de la violencia y el amor, del trabajo y de la familia. El segundo eje son las imágenes aéreas del mundo y la humanidad. En ellas se recoge la belleza de las formas del mundo, los paisajes que acompañan a los hombres, la dureza escondida del medio natural, el color deslumbrante en sus variaciones de Oriente a Occidente, de Norte a Sur. Y sobre el fondo de la mundanidad, la comunidad, los seres humanos como colectivo que respira formando un cuerpo que va desde los aficionados al fútbol o la música a los ejércitos, de los devotos a los que levantan un castell humano. Los seres humanos que habitan en la tierra. El último es la banda sonora compuesta por el músico francés, de origen marroquí y nacimiento en Jerusalén, Armand Amar. Su aportación nos muestra la diversidad de las músicas del mundo traspasadas de una potente fuerza espiritual que llega a mostrar la dimensión sagrada del canto que se hace danza y que acompaña el viaje por la humanidad su supone Human. “Deseaba que
hubiera un sentimiento de apertura, que el corazón y la tristeza se abrieran, que no hubiera contenciones” dice el compositor.

Para espectador “Human” es una experiencia que exige recogimiento para entrar. La belleza y el color, la música minimalista casi litúrgica y la palabra como un prisma de emociones provocan en primer lugar la curiosidad de lo distinto. Aquí se produce el efecto de atracción. Cuando los planos se van desgranando, la narración va calando y la belleza se trastoca en dolor, el sufrimiento, los otros nos comunican sus heridas y sus gozos. Esto supone un ejercicio de sintonía. Pero no es un encuentro fácil, las diferencias son tantas en las formas, colores, miradas, tonos, lágrimas, incluso en las salidas pudorosas de plano. Hay un punto que la mirada se hace impúdica entrando en un dolor que te hace responsable del maltrato de aquella mujer, de la pobreza que tritura la vida de aquel hermano, del sufrimiento del que tuvo que dejar su casa y no le he acogido, de la violencia que destroza las vidas de quienes han pasado por ella. Hay momentos incluso donde vemos de frente al mal que puede existir en nosotros. En los ojos del soldado congoleño que busca venganza o del excombatiente americano que siente la sed de matar. Y en el fondo los paisajes de la pobreza, los campos de basura, el trabajo agotador, la belleza en el padecimiento no quita un ápice al dolor pero lo mira desde más allá.

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“Si Dios quiere”, una comedia sobre la secularización

05.07.16 | 10:36. Archivado en Crítica cinematográfica


Esta comedia veraniega es la primera obra, como cineasta, del guionista Edoardo Falcone, que obtuvo el David di Donatello al mejor director novel del año 2015. Comienza como una comedia italiana de estilo costumbrista que divierte al espectador para desembocar en un drama en torno al sentido de la vida.
Tommaso (Marco Giallini) es un cirujano de prestigio y de convicción atea. En el trabajo es exigente y autoritario, rol que sigue desempeñando en su familia. Su esposa (Laura Morante) encerrada en casa y deprimida necesita escapar de un hogar asfixiante. Su hija Bianca (Ilaria Spada, casada con un sinsustancia, vive enfrente y tampoco sabe qué hacer con su vida. Solo Andrea (Enrico Oetiker), sigue los pasos del padre como estudiante brillante que quiere hacer medicina. Pero todo se tuerce, cuando un día reúne a la familia y les comunica que quiere ser cura. Este acontecimiento hace que Tommaso inicie una cruzada para que su hijo abandone esta inesperada decisión. Esto le lleva a conocer a Don Pietro (Alessandro Gassman) y entre ellos se vivirá un verdadero duelo que tendrá muchos matices. El resto de la familia también evoluciona cada uno por su lado favoreciendo el enredo.
La primera parte resulta especialmente divertida. Destaca bien el mundo secularizado y bipolar de la sociedad italiana. Tommaso representa a los ateos convencidos, hijos de la evidencia científica que consideran la fe una reliquia para inmaduros. En el otro lado los creyentes, con inclinación bastante espontánea a la fe y al sentido de la vida, que prende con cierta facilidad en el joven Andrea y en otros miembros de su familia. La comicidad arranca al “salir del armario” el hijo y desplegarse la cadena de estereotipos respecto de los creyentes: infantiles, dogmáticos y autoritarios. Tommaso critica en los creyentes los defectos de que adolece apuntando, desde la exageración, a un forma de esperpento.

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Francofonía. Coplas a lo efímero del arte

01.06.16 | 20:01. Archivado en Crítica cinematográfica

La elegía confiesa un amor y a la vez un destino. Esta extraña película, en la línea Alexander Sokurov, es una meditación personal sobre el museo de los museos, hogares del arte, en su belleza y en su ambigüedad respecto el poder. Un llanto sobre el tiempo que a la vez que solidifica la civilización, la somete a esa vulnerabilidad en la que todos estamos implicados.
No es un documental pero tiene imágenes de archivo de la toma de París y se nos narra la historia del Louvre. No es una ficción pero nos coloca en el año 1940, cuando las tropas nazis toman París y Jacques Jaujard (Louis-Do de Lencquesaing) , el director del museo que permanece en su puesto, entabla relación con el oficial alemán Franziskus Wolff Metternich (Benjamin Utzerath) que ha sido enviado para fiscalizar sus tesoros. No es una fantasía pero nos enfrenta a un Napoleón (Vicente Nemeth) que recorre la pinacoteca recordando que todo aquello es gracias a él, a la vez que dialoga con Marianne, la personificación de Francia, que recuerda obsesivamente el trilema: “Liberté, égalité, fraternité”. Tampoco en una película dentro de la película pero nos presenta a su director, Sokurov, que nos acompaña con su voz en off y que además de enfrentar a los dos protagonistas con su futuro, nos muestran sus intentos de conversación por skype con el capitán Dick. El marino se enfrenta a una enorme tormenta con su barco cargado de contenedores con obras de arte. El dilema es salvar el barco y la tripulación o perder los tesoros artísticos en el fondo del mar.

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Altamira. Ni ciencia ni fe, una película de encargo para ensalzar una clase social

06.04.16 | 10:25. Archivado en Acerca del autor, Crítica cinematográfica


El autohomenaje de una clase social. Ni una serie de postales sobre la belleza de Cantabria, ni el ensalzamiento edulcorado de Marcelino Sanz de Sautuola, ni la edición de una guía turística para las cuevas de Altamira dan para hacer una película. El Hugh Hudson que nos admiró con “Carros de fuego” (1981) trabaja en este caso para los Botín que también han decidido hacer su película. La ausencia de inteligencia para abordar la relación entre fe y razón se une a un cierto mesianismo de una clase de elegidos.
Apuntando al melodrama costumbrista, llegamos a añorar el imaginario Cerralbos del Sella de José Luis Garci, esta película de antagonistas nos cuenta la historia del hallazgo de la cueva de Altamira con sus pinturas y grabados del Paleolítico. Marcelino Sanz de Sautuola -Antonio Banderas hace lo que puede sin mucha convicción y un tanto de exageración- y su hija María Faustina- Allegra Allen es la que mejor se desenvuelve en el film- de 8 años descubren casualmente las pinturas. Pero una coalición de malos intenta desprestigiar el fabuloso hallazgo, encabezados por un monseñor inquisitorial interpretado en plan bulldog por Rupert Everett y por un científico celoso de su ciencia, el profesor Cartailhac con Clément Sibony, tras barbas cada vez más canas. En la parte buenísima, su creyente esposa Conchita interpretada por Golshifteh Farahani. ¿Qué hace una actriz iraní interpretando a la doña Concha de Escalante cántabra?

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Miércoles, 28 de junio

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