Cine espiritual para todos

El reverendo. Noche, noche, noche y al final una luz

01.10.18 | 17:43. Archivado en Crítica cinematográfica


Otro drama torturado, marca Paul Schrader, se ha estrenado entre nosotros. En este caso con un fuerte componente ecológico añadido a los temas teológicos que siempre preocupan al autor: la culpabilidad humana, la difícil redención y el sentido del sufrimiento.
Paul Joseph Schrader es un tipo duro especialista en tragedias sin apenas luz, donde su formación calvinista ha pasado por fuertes crisis que se manifiestan en un cine en la cuerda floja entre el pecado y la redención. Además de su famoso texto sobre “El estilo trascendental en el cine” es guionista de títulos imprescindibles, como “Taxi Driver”, “Toro Salvaje” o “Al límite” de la mano de Martin Scorsese, y otros libretos como “Yakuza” realizada por Sydney Pollack o “La costa de los mosquitos” que llevó al cine Peter Weir. En sus películas como director los tipos torturados son su santo y seña. La galería de personajes pasan por los protagonistas de “American Gigolo” y sus arrepentimientos, “Mishima” el escritor suicida que desciende por la pendiente, el ayudante del sheriff (genial Nik Nolte) que desquiciado termina por matar a su padre maltratador en “Aflicción” junto a los locos sexuales de “El beso de la pantera” o “Hardcore, un mundo oculto”. En su guión de “La última tentación de Cristo” presenta el prototipo de la tortura interior, un Dios-padre que hace sufrir a su Hijo, allá donde el drama se sostiene hasta el último momento donde una imperceptible ilusión apenas puede levantar la losa del pesimismo lanzada sobre el espectador.

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El “yo acuso” de Wenders en defensa del papa Francisco

29.09.18 | 09:25. Archivado en Crítica cinematográfica, Crítica audiovisual


"Francisco, un hombre de palabra" no nació para ser una película en defensa del papa. El proyecto se gestó hace tres años, justo después de la salida de la encíclica Laudato Si. Eran tiempos más pacíficos donde el acoso e intento de derribo del papa no había llegado a los extremos actuales. Para el cristianismo tradicional -que no acepta en Concilio Vaticano II- y para algunas fuerzas económicas y políticas- que ven comprometidos sus intereses- el papa y la iglesia que representa son claramente enemigos a batir. La película se filmó para dar a conocer al papa Francisco, pero sobre todo para hacer llegar su mensaje a un público lo más incluyente posible. Pero hoy este documental es un alegato a favor del papa, o lo que es en el fondo una defensa de la iglesia del Evangelio.
Wim Wenders es cristiano y en su fe se siente una especial sintonía con el papa. No se trata de un advenedizo sus películas de ficción como “París, Texas” o “El cielo sobre Berlín” ya forman parte de la historia del cine. Pero últimamente prefiere el documental probablemente porque la realidad es más urgente que la ficción y porque las personas son más significativas que los personajes. Al fotógrafo brasileño Sebastião Salgado, a la coreógrafa de danza contemporánea Pina Bausch y a los “Invisibles” de la tierra ahora se une Jorge Bergoglio, que se puso por nombre Francisco.
La mirada por la cual opta Wenders, como ya ha hecho en otras de sus obras, es desde la persona ofrecer al público su mensaje como una provocación. Coloca a Bergoglio en paralelo a Francisco de Asís, y esto en fidelidad a las propias opciones del protagonista. La reconstrucción en formato de cine antiguo, imitando sin reparos a “Francisco, juglar de Dios” (1950) de Roberto Rossellini, tiene como fin establecer un paralelismo con el final del feudalismo, en un cambio de paradigma. Y a su vez con una iglesia por “reconstruir” en medio de una gran crisis de credibilidad por los abusos y en conflicto frontal con el mundo islámico en las Cruzadas. Millones de pobres, una guerra desoladora, una iglesia alejada del Evangelio y el pequeño Francisco con las únicas armas de la pobreza, una fraternidad creciente y el “fray ejemplo”, la coherencia de la vida.

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La aparición. Un icono de María traspasado por una bala en cada ojo

21.09.18 | 19:58. Archivado en Crítica cinematográfica


Las películas de apariciones suelen estar destinadas a un público convencido. “L’apparition” aporta una mirada diferente, apta para ateos, agnósticos y creyentes. Siempre hay sorpresas y muchas veces las apariencias engañan. Hay que atreverse a mirar a fondo, al corazón de las personas, y en esos pliegues Alguien sobrenatural habita. La Presencia en medio de los traumas y de las búsquedas no sigue los planes del espectáculo, sino de la música callada, del icono traspasado.

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El insulto: nadie tiene el monopolio del sufrimiento

19.04.18 | 17:01. Archivado en Crítica cinematográfica, Crítica audiovisual


Nominada a los Oscar a la mejor película de habla no inglesa, este film libanés -a pesar de la sencillez de medios- presenta una realización sobresaliente donde la trama se va desplegando de forma inquietante, denunciando los estereotipos del espectador. Como en las capas de una cebolla, esta historia mínima nos va conduciendo al centro de los conflictos humanos y sus resonancias políticas, allá donde profundamente se esconden, en el corazón de las personas.

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María Magdalena y el permanente ocaso del cine bíblico

18.03.18 | 15:17. Archivado en Crítica cinematográfica


Y cine basado en la Biblia se convirtió en género cinematográfico. Cecil Blount DeMille tuvo ya en 1927 con “Rey de reyes” la intuición de que aquello podía ser una fuente de espectáculo ( y dinero) recogiendo ya una consolidada tradición en el cine mudo. El film “María Magdalena” quería ser un nuevo intento de actualizar el género, esta vez de la mano de la reivindicación de las mujeres como discípulas de Jesús. La idea era sugerente como actualización, aunque los resultados son mediocres.
La representación de la historia bíblica afronta tres exigencias difíciles de traspasar a la pantalla: la adecuación histórica, la fidelidad a la inspiración del texto y la actualización en contextos culturales diversos. La opción Garth Davis se decanta por la tercera exigencia e ignora las otras dos.
El foco del guion se centra en la reivindicación de María Magdalena –bella y creíble Rooney Mara- pero el precio que se paga es que sucumben el resto de personajes secundarios incluido el Maestro, otro desastre de Joaquin Phoenix aunque en este caso no puede cargar con todas las culpas, valga de redundancia. La realización no aguanta la tensión dramática –la pasión realmente es penosa- y quedan hilvanadas algunas secuencias interesantes en medio de una película tan rocosa como los paisajes del sur de Italia donde fue filmada.

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La bolsa de canicas: fe en la vida. El drama de los judíos ocultos

27.12.17 | 20:25. Archivado en Crítica cinematográfica


La obra testimonial “Un sac de billes” de Joseph Joffo publicada en 1973 y que fue un gran éxito editorial, con 20 millones de ejemplares vendidos, vuelve a las pantallas tras la primera adaptación (1975) de Jacques Doillon. En esta ocasión de la mano de un buen artesano que se pega a la historia y nos emociona con este viaje solitario y aterrador de dos pequeños judíos por la Francia ocupada en la II Guerra Mundial.
El cineasta canadiense Christian Duguay es un especialista en series televisivas sobre personajes históricos que van desde Anna Karenina (2013) a San Agustín (2010) pasando por Pío XII, bajo el cielo de Roma (2013), Coco Chanel (2008), Hitler: El reinado del mal (2003) y Juana de Arco (1999). Este amplio bagaje le permite ser un buen contador de historias que realiza con pericia la ambientación histórica y que con una solvente dirección de actores, los dos chicos están fenomenal, logra adentrarnos en el suspense, el desamparo y la lucha por la vida de los protagonistas.
Contada como un flashback de la mano del narrador Joseph, un niño judío de 10 años en la Francia de 1941. Su familia, con siete hermanos, vive feliz en París pero todo cambia cuando es ocupado por los nazis que imponen a los judíos llevar la estrella amarilla. El padre, consciente de los peligros que se avecinan, pone a la familia en marcha y alecciona a sus hijos Maurice y Joseph para emprender una escapada hacia la Francia libre. De este viaje iniciático emergerá una experiencia de supervivencia entre el dolor y la luz.
La historia fluye con intriga permitiendo la identificación del espectador aunque los excesos melodramáticos, una banda sonora invasiva, la saturación de primeros planos y algunos personajes dibujados sin matices, como el librero petainista, restan profundidad a la propuesta.
Interesante desde el punto de vista interreligioso la ayuda de un sacerdote católico en la fuga de la familia y de los dos chicos. Mientras que la producción del film está apoyada por la Fundación para la Memoria de la Shoah.

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La cabaña, cuando el cine espiritual se hace parodia

06.10.17 | 19:40. Archivado en Crítica cinematográfica


Ejemplo del cine religioso que desdice lo inefable acercándolo a lo empalagoso. Nuevo producto del cine de fe norteamericano que horroriza a la crítica y encandila al público. Fílmicamente es difícil representar a Dios en la pantalla, pero más difícil todavía es representar a la Trinidad, pocos han sido los osados, la mayoría han sucumbido en el intento. “The Shack” también.
La historia parte del problema de mal personalizado en el dolor de un padre. Mack Phillips (Sam Worthington) se hunde tras la desaparición violenta de su encantadora hija pequeña. Tres años después, recibe un mensaje de Dios que le invita a pasar un tiempo en la cabaña donde todo empezó. Allí se encuentra con la Santísima Trinidad. Octavia Spencer – recordad su papel en “Criadas y señoras”- interpretará al Dios-Madre, el israelí Avraham Aviv Alush –tengan presente “El balcón de las mujeres” - nos mostrará a Jesús en persona mientras que la actriz y modelo Sumire Matsubara hace de un tan bello como poco inspirado Espíritu Santo. Allí entre paseos por el cielo y la tierra le enseñarán a creer y perdonar.

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Un monje contra el imperio financiero

28.05.17 | 20:30. Archivado en Crítica cinematográfica


Interesante película del director italiano Roberto Andò. El mayor atractivo reside en el punto de partida: un austero hombre de Dios colocado en el centro de las decisiones económicas del mundo. Lo más limitado: una factura excesivamente teatral que carga sobre el discurso y pierde confianza en la expresión del drama. Con un innegable sentido cristiano nos presenta la figura señera del cartujo Roberto Salus que tiene sobre sí la huella del papa Francisco. Sin embargo, el tono didactista y retórico es una rémora que pesa sobre todo el metraje.
El director de teatro Andò no termina de cruzar el puente hacia el lenguaje fílmico. La excesiva urgencia del debate ideológico ante la coyuntura histórica de un mundo en crisis, desarticula un guion que hubiera dado para mucho más. Si el personaje del monje-cura, Toni Servillo resulta lo más auténtico del film, representando el contraste de Dios frente un mundo roto por la ambición. La pléyade de secundarios, encarnando los ministros de economía del G-8 que aparentemente mueven los hilos económicos, resultan erráticos y verborreicos. La búsqueda de los motivos por los que el director del Banco Mundial, un Daniel Auteuil poco convincente, muere tras la confesión inicial al padre Salus, resulta un McGuffin escenográfico más que una intriga verdadera.

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Últimos días en el desierto. La humanidad sin Dios

11.04.17 | 09:46. Archivado en Crítica cinematográfica


Nuevamente una representación de la figura de Jesús de Nazaret en el cine. En este caso, se trata de reconstruir la experiencia en el desierto donde desde las tentaciones, donde se fragua la conciencia personal y la búsqueda del Padre. El resultado es un ensayo fílmico muy personal sobre la existencia humana desde el arquetipo de Jesús, pero sin acceder al misterio de su persona y acontecimiento. Las piedras que tapan el sepulcro también oscurecen la hondura y luz de Jesucristo en comunión con los hombres y en filiación con Dios.
El cineasta colombiano Rodrigo García, hijo de García Márquez, es un especialista en retratar el mundo femenino, recordemos “Nueve vidas” (2005), “Madres & Hijas” (2009) o “Albert Nobbs” (2011), con un papel memorable de Glenn Close. Pero ahora se enfrenta a una película en la que compone un guion sobre el que vuelca sus inquietudes sobre la dureza de la existencia, las relaciones fundantes de paternidad-maternidad- filiación, la revuelta de la nuevo sobre lo viejo o la ausencia de un Dios del que solo queda fotografiar su inexistencia, como un recuerdo cultural y mitológico.
El punto de partida no son los relatos evangélicos, por lo cual se desliza en una reconstrucción de ficción de sus personajes. No se trata tampoco de una confesión de fe que el autor, experiencia que asegura no tener. Se trata más bien de una indagación en el personaje de Jesucristo como misterio de lo humano que abarca las proyecciones hacia lo divino.

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Lo que de verdad importa, cine contra el cáncer de niños

01.02.17 | 08:35. Archivado en Crítica cinematográfica


La nueva película de Paco Arango es cine pero algo más que cine. No se trata de una inversión en la industria de la diversión sino de un acto de generosidad hacia los niños que padecen enfermedades graves. Los ingresos íntegros de “Lo que de verdad importa” irán destinados para que 120 niños con cáncer puedan disfrutar de una semana alejados de hospitales y en unas vacaciones para recordar en Barretstown (Irlanda) un campamento en un castillo perteneciente a Serious Fun Children’s Network, la red fundada por Paul Newman.
Este punto de partida hace de “The Healer”, título original, un film muy especial. El espectador está llamado desde el principio a una complicidad con la narración. Alec es un ingeniero mecánico inglés que tiene su vida hecha un lío: sentimentalmente va de pareja en pareja, su negocio una tienda para arreglar aparatos eléctricos es una ruina y además tiene una adicción a las apuestas que le lleva a la perdición. Cuando todo se derrumba, aparece un tío-ángel, que le propone una opción para salvarse del hundimiento. Acudir durante un año a un pueblecito de Canadá donde están sus orígenes familiares. Más por imperativo que por convicción acepta el cable que puede sacarle del desastre. Con su llegada todo resulta como diseñado por una magia oculta y benefactora que irá concertando las piezas de su desordenada vida.
Tras el éxito de Maktud, Paco Arango se lanza con un reparto internacional: Oliver Jackson-Cohen (Salvando las distancias, Dime con cuántos), Camilla Luddington (Anatomía de Grey), Jorge García (El gurú de las bodas) y Jonathan Pryce (Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra). El guion del propio director se mueve entre la comedia y el drama, el realismo mágico latino y el efectivismo hollywoodiense. La intención es clara, mover a los corazones para ayudar a la curación-lucha contra la enfermedad y el dolor, especialmente de los niños.

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Hasta el último hombre. Pacifismo salvaje

08.12.16 | 19:45. Archivado en Crítica cinematográfica

Esta película puede herir la sensibilidad del espectador y éste es el riesgo de llegar hasta el extremo. Mel Gibson sigue siendo un narrador eficaz y extremoso, lo demostró en “Braveheart” (1995), en “La Pasión de Cristo” (2004) y en “Apocalypto” (2006). Su compromiso con el mensaje cristiano es radical, rotundo, omnipresente. Sabe buscar al público y al espectador no le deja indiferente ni cómodo. Más bien le pega un puñetazo en el estómago y le muestra épicamente lo valioso.
Hacksaw Ridge cuenta la historia de Desmond Doss, impresionantes los registros de Andrew Garfield, un objetor de conciencia por motivos religiosos que va a la II Guerra Mundial como ayudante sanitario. La historia es un díptico de preparación y culminación. El prólogo nos muestra a la familia del protagonista, un padre borracho y herido mentalmente por la I Guerra Mundial, convincente Hugo Weaving, y una madre sufridora (Rachel Griffiths). Allí en la violencia del maltrato forja sus convicciones pacifistas y como una luz aparece la bella enfermera que interpreta Rachel Griffiths. Doss emerge como un personaje contradictorio duro e ingenuo, fuerte y alegre, especial y tenaz. Comenzada la guerra se alista y en el campamento de entrenamiento conoce a sus compañeros guiados por el sargento Howel, sugerente Vince Vaughn. Hasta aquí todo tranquilo, bien narrado y señalando la fuerte convicción cristiana, adventista, del presunto héroe. La biblia será su bandera.
Con la segunda parte hay que resistir al vómito. La acción nos lleva a la brutal batalla Okinawa. 250.000 muertos entre las tropas del Pacífico de EEUU, los soldados japoneses y sus habitantes. En pleno frente para tomar la colina de Hacksaw, se encuentra Doss y su compañía. Allí los vemos ser despedazados, desventrados, mutilados, desfigurados. Sangre y fuego. Alaridos y espasmos. Rabia y dolor. Violencia hasta la médula, literal, y hasta los intestinos, literal. Y el bueno de Doss recogiendo uno a uno a los heridos, cuando todos se retiran, el pretendido cobarde muestra su valor trascendente. Recoge incluso a los enemigos. Lo fuerte es que se trata de una historia real. Una batalla inútil, la guerra terminaba unos días después con el bombardeo atómico de Hirosima y Nagasaki.

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The Vessel: la sombra de Malick es alargada

08.12.16 | 17:58. Archivado en Crítica cinematográfica


The Vessel es claramente una obra de la escuela de Malick. Uno de sus discípulos, Julio Quintana, compone este film-parábola sobre la intensidad de la desolación y el sacrificio de la esperanza. Con las mismas consideraciones formales cuenta con la belleza de los planos que se convierten en símbolos, la intensidad de la tragedia, el dialogo tenue contrapunteado con la voz en off y la intensidad de la banda sonora.
Tras diez años de la tragedia de un maremoto una aldea portorriqueña sigue en la tristeza de la devastación. Tras la muerte de 46 niños de la pequeña escuela, las mujeres se niegan a quitarse el luto y a tener hijos. Resistiendo el temporal el sacerdote local, impresionante Martin Sheen incluso en su castellano, intenta, tan repetida como fracasadamente, aportar un poco de luz, desde una iglesia a la que ahora ya no entra nadie.

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Sábado, 15 de diciembre

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