El documentalista y realizador de cortometrajes neerlandés Boudewijn Koole nos ofrece en su ópera prima de ficción este cuento sobre el deseo de vivir, la superación de las dificultades y la ausencia de los padres. Un niño y su alter ego, un grajo, son los protagonistas de esta historia de amistad en la que no resulta fácil aprender a volar.
Jojo, espectacular y premiado el pequeño Rick Lens, tiene 10 años y una familia que es una ruina. La madre ausente y el padre en crisis, ya que apenas logra sostenerse como para poder ser figura de referencia para su hijo. Pero el chico brega por sobrevivir y además procurará ayudar a Ronald, su padre, a llevar la casa y la vida adelante. Inesperadamente ha de salvar a un grajo que cae de su nido y cuya madre ha desaparecido. Éste se convertirá en su mejor amigo, realizando una actuación bastante aceptable para ser un animal. Aunque también habrá una chica, que le ayudará a crecer y a conquistar el torturado corazón del padre.
Nuestros dispositivos móviles están manchados. El coltán (columbita-tantalita) es indispensable para la construcción de los condensadores electrolíticos, que controlan el flujo dentro de las placas de circuitos. El 80 % de las reservas de este mineral se encuentran en la República Democrática del Congo, donde la guerrilla que se enfrenta al gobierno controla parte de la extracción del coltán y prolonga una larga guerra que algunas fuentes aseguran que ha ocasionado 5,5 millones de muertos.
Esta es la historia que cuenta “Rebelde” de Kim Nguyen. Komona una niña de 12 años que vive pacíficamente con sus padres es secuestrada y adiestrada para convertirse en una niña-soldado. Está narrada como el recuerdo que la joven madre trasmite a su hijo para hablarle de su origen y para conjurar el odio que lleva en su corazón: “no sé si Dios me dará fuerzas para quererte”. Estructurada en tres bloques al comienzo nos presenta la guerra y el papel de los niños soldados, después nos cuenta la historia de amor con el Mago, otro niño soldado albino que quiere casarse con ella, y por fin, nos lleva a la resolución donde se abre a otros personajes y otro futuro.
Con un estilo minimalista, con una puesta en escena teatral pero con un lenguaje radicalmente cinematográfico lleno de elocuencia sorprendente e insospechada, nos adentra Rafael Gordon en lo que podría ser la confesión última de Benito Mussolini. Cargada de ironía sobre el destino y la propia vida, entre la locura y el poder, frente al vacío y la muerte se nos ofrece una reflexión oportuna sobre la soberbia del poder donde se indaga en las fuentes del mal, en el ocaso de la civilización y donde se ocultan ápices de luz apenas.
Rafael Gordon es un cineasta renacentista y autodidacta que ha bebido entre los mejores del estilo trascendental Dreyer, Tarkovski, Bresson y Bergman, a pesar de todo. Sus ficciones son como testimonios biográficos donde se recrea a Isabel, “la católica” (La reina Isabel en persona, 2000), Santa Teresa de Jesús (Teresa, Teresa, 2002) y ahora el Duce. Siempre de la mano de grandes actores, sacando lo mejor de Isabel Ordaz y, en este caso, de Miguel Torres.
“Mussolini va a morir” es un monólogo donde el dictador revisa su vida ante Clara Petacci, mientras pasan juntos sus últimas horas a finales de abril de 1945, horas antes de ser ejecutados junto al lago Como. Desdoblado, entre el personaje del Duce y la persona vulnerable de Benito, intenta dejar caer su máscara ante Clareta, interpretada por Julia Quintana, que logra en su silencio provocar los escasos restos de humanidad del dictador, que es colocado bajo el epígrafe de “el suplicio de los violentos”, séptimo círculo del infierno en “La divina comedia”.
La tradición del género de la ciencia ficción conlleva un fondo filosófico que aborda grandes temas como la memoria y el olvido, el ser humano frente a las máquinas, el paraíso perdido y encontrado, el alma como dimensión de lo humano o la identidad como relación. De todo ello hay en esta película del realizador publicitario estadounidense Joseph Kosinski, aunque al final queda la impresión que se trata más de un envoltorio al servicio de la acción que de una auténtica propuesta.
La peripecia juega con varias ambigüedades. El protagonista Jack Harper (Tom Cruise) es uno de los mecánicos vigilantes que en el año 2077 protegen las plataformas que extraen el agua marina y que son atacadas por unos extraterrestres llamados “carroñeros” que después de invadir la tierra y ser derrotados siguen haciendo lucha de guerrillas en el planeta asolado por la destrucción nuclear ocasionada por esta invasión. En esta misión está acompañado por Victoria (Andrea Riseborough) con la que forma pareja y un equipo eficaz de trabajo. Pero no hay que fiarse de las apariencias. ¿Quién es Jack verdaderamente ya que ha perdido sus recuerdos? ¿Quién son en realidad los extraterrestres? ¿Quién es la bella Julia (Olga Kurylenko) que aparece primero en sus sueños y luego en la realidad? ¿Ha dejado de ser la tierra la casa de los seres humanos? La trama salpicada de acción de video juego nos irá despejando estos interrogantes.
"¿Qué mejor manera de morir puede tener un hombre/ que la de enfrentarse a su terrible destino/ defendiendo las cenizas de sus padres/ y los templos de sus dioses?" esta cita del Barón Macaulay, poeta y político británico, nos acompaña como guía. Vale la pena luchar como el capitán romano Horacio Cocles protagonista de algunos de estos “Cantos de la antigua Roma”. Esta es la misión de Jack, luchar sin desmayo para descubrir la verdad, recobrar la memoria, encontrar el amor, conquistar el paraíso y, de paso, salvar a la humanidad. El héroe de las viejas epopeyas trasladado a un futuro apocalíptico donde solamente su arrojo puede abrir una grieta a la esperanza.
Terrence Maclick, tras la magistral “El árbol de la vida” centrada en la presencia de la gracia divina junto a la naturaleza, nos enfrenta ahora a la cuestión última sobre la posibilidad del amor. ¿Somos capaces de amar? es la pregunta.
El relato de Malick tiene un paradójico efecto, se presenta como una confesión, las voces en off terminan por dominar constituyéndose en el lazarillo para interpretar las imágenes. Pero tiene, a la vez y como toda su obra, se presenta con una impúdica pretensión anunciadora, firmar imágenes fundantes, como quien desea decir o mostrar algo definitivo sobre el drama del amor. No es extraño que algunos críticos digan que van a sus películas como el que va a la iglesia..
Lo que pasa es el más elemental melodrama. Neil (Ben Affleck), el que quiere y no puede, se enamora de Marina (Olga Kurylenko, la trasparencia de la belleza), una emigrante que se sumerge poco a poco en una locura de amor. A su lado Tatiana la hija del anterior matrimonio de la ucraniana que acompaña y sufre el amor imposible. En medio la separación y otra relación. Jane (Rachel McAdams, el principio de realidad), la mujer de la pradera representa la esposa llamada a ser madre. Y como telón de fondo el padre Quintana (impresionante la capacidad de registros de Javier Bardem) que en medio de una crisis de fe busca a Dios en el rostro y en las vidas de los pobres. ¿Será posible el amor de Marina y Neil? ¿Se revelará el Dios escondido en medio de la noche oscura del sacerdote?
Moscati, el médico de los pobres es una producción de Lux Vide para la RAI que tiene nuevamente como director, como hemos visto recientemente en “Prefiero el paraíso” a Giacomo Campiotti. En Italia tuvo un gran éxito y se estrenó con el título “Moscati, el amor que cura”, mientras que entre nosotros vemos una versión reducida respecto de las 3 horas del original, más adecuada para el cine que le versión televisiva.
San Giuseppe Moscati fue un médico, investigador y profesor italiano que fue canonizado por Juan Pablo II en 1987. Es, sin duda, uno de los grandes modelos recientes de vocación laical que aúna la pasión por la medicina, la tarea investigadora, el servicio a los pobres y la profundidad de su fe.
Comienza el festival de las alfombras rojas y puede ser una buena ocasión para hacer un repaso de las películas más interesantes desde el punto de vista espiritual que están entre las seleccionadas.
En cuanto a las nominadas para la mejor película contamos con varias interesantes. “Los miserables”, es una discreta realización cinematográfica, que resulta de gran interés al adaptar con solvencia el musical que aborda temas espirituales como la recepción de la fe, el camino del perdón, la oración en la prueba, la conversión siempre posible o la fuente de la bondad. “La vida de Pi” plantea la pregunta religiosa y la búsqueda de Dios de forma bastante abierta aunque también incompleta. «El lado bueno de las cosas (Silver Linings Playbook)” es una sugerente película sobre la esperanza más allá de las heridas personales de unos protagonistas imperfectos y rotos. “Argo” es una película tapadera sobre una operación de rescate de seis refugiados de EEUU en Teherán durante la crisis de 1979, doblez que se pasa al contenido, ya que aparece la fe pero también una visión demasiado unilateral de la realidad política como ocurre también «La noche más oscura (Zero Dark Thirty)». “Lincoln” es una de las favoritas, dirigida por el oscarizado Steven Spielberg, presenta un estudio psicológico del personaje y sus medios maquiavélicos para lograr fines deseables, todo un icono de la ambigüedad. En “Amor” Haneke vuelve a realizar una gran película pero que se queda en la noche, la desesperanza y el sinsentido. Nos gustan más propuestas sobre la tercera edad como la de Dustin Hoffman en "Cuarteto", Jake Schreier en "Un amigo para Frank" o John Madden "El exótico Hotel Marigold". “Bestias del sur salvaje” es una película de fantasía interesante sobre la vida de Hushpuppy (Quvenzhané Wallis), una niña de 6 años que vive al amparo fiel y desastroso de su padre, en una tierra sin piedad solamente salva el amor trascendente de padres a hijos. Mientras que “Django desencadenado” es una sobredosis de Tarantino en estado puro.
El próximo día 1 de febrero se presenta al público y a la prensa el Congreso sobre Cine y Nueva Evangelización con la película "Las flores de la guerra" de Zhang Yimou. El acto da la salida a las actividades que tendrán lugar en torno al Congreso que forma parte de una amplia red de propuestas en torno al cine.
Con la intervención de los directores de cine Paco Arango, Antonio Cuadri y Lluís Josep Comeron, la reflexión de críticos como Juan Orellana, José María Caparrós y Peio Sánchez, la experiencia de la Muestra y la Semana de Cine Espiritual, Cinemanet o los jurados internacionales de SIGNIS, la promoción de la Facultad de Comunicación Blanquerna y la directora de cine y presidenta de los Congresos Liana Marabini, con el alto patrocinio del Consejos Pontificios para la Cultura y la Promoción de la Nueva Evangelización y con la presencia de los cardenales Martinez Sistach y De Paolis se celebrará el 15 y 16 de febrero en Barcelona el Congreso sobre Cine y Nueva Evangelización.
Uno de los maestros más significativos del cine contemporáneo, el chino Zhang Yimou, presenta esta superproducción que es una adaptación de la novela de Yan Geling titulada ‘Las 13 mujeres de Nankíng ’. En la estela de otras películas recientes sobre esta tragedia - como “La ciudad de la vida y la muerte” (2009) de Lu Chuan y “City of War: La historia de John Rabe” (2009) de Florian Gallenberger- en este caso el director de “El camino a casa” (1999) se centra en una mirada femenina sobre el sacrificio de la bondad en medio de la depravación del mal.
En 1937, la ciudad de Nanking es el principal frente de la Guerra entre China y Japón. John Miller (Christian Bale, el hombre bajo la máscara de Batman) llega a un colegio y una iglesia católicos para ejercer de embalsamador de su párroco muerto. A su llegada, este vividor, arribista y alcohólico, se hace pasar por el sacerdote responsable para salvar el pellejo. Sin quererlo se encuentra de protector de un grupo de chicas, jóvenes estudiantes del colegio y coro de la iglesia. Pero no estará solo en este empeño, inesperadamente un grupo de prostitutas de alto nivel, que tienen que refugiarse en el recinto sagrado, le ayuda en la resistencia al ejército japonés invasor.
El 2012 no ha tenido una cosecha brillante y múltiple como el año pasado. La producción, distribución y exhibición cinematográfica están navegando en medio de una crisis económica tan brutal para los débiles como para la cultura. El pensamiento único impera y el negocio de las grandes compañías monopoliza las carteleras, así las pequeñas producciones, si logran llegar a término, no pasan a los cines; al mismo tiempo que se reducen los doblajes o las propuestas subtituladas, originando que muchas películas premiadas en festivales o de reconocido valor no consigan estrenarse ni siquiera pasar al DVD. El cine espiritual que sobrevive es el de las grandes operaciones comerciales pero se resiente de una estética efectista y una narración que sacrifica la hondura y la verdad al espectáculo. Aunque, por contraste, emerge la intuición de que esta grave crisis antropológica encierra oportunidades que exigen otras formas reconstruir relatos de sentido, de reorganización la exhibición cinematográfica, y se agudiza el ingenio, ante la concentración del poder comunicativo, abriéndose paso propuestas creativas y espirituales. Hoy sobre todo tenemos que estar atentos al cine que no llega a las salas de exhibición o pasa fugazmente, probablemente por allí estarán las perlas preciosas y los tesoros escondidos.
1. “La invención de Hugo” de Martin Scorsese
La película de Scorsese tiene una estupenda realización poniendo los efectos de las 3D al servicio de una historia sobre la vocación como servicio y sentido de la vida. Con un homenaje al cine desde la figura de Méliès, se convierte en una reivindicación del papel de la imaginación para mostrar la dimensión trascendente de la aventura humana. Drama, comedia, relato de iniciación, historia de amor y fantasía se reúnen en una propuesta que confirma el cine como contador de relatos que hacen mejores a las personas.
Basada en el libro para jóvenes del escritor e ilustrador Brian Selznick "La invención de Hugo Carbet" (2007), la novela parecía reclamar la película, ya que se presenta con palabras e imágenes que Scorsese ha recreado en la pantalla grande. El pequeño corto de Méliès “Viaje a la luna” se convierte en el icono hacia el que confluyen la trama del niño huérfano, la encantadora amiga y su misterioso padre así como una serie de curiosos personajes que habitan en la estación de Montparnasse en 1931.
Como relato iniciático resulta especialmente indicada para jóvenes y educadores además de ser adecuada para toda la familia.
El gran éxito del musical que adapta a “Los miserables” se traspasa a la pantalla en una realización del oscarizado Tom Hooper. Fiel a la obra romántica de Víctor Hugo mantiene la inspiración profundamente cristiana del original, trasladada un libreto teatral con poco diálogo hablado y 50 canciones del compositor Claude-Michel Shonberg y letristas Alain Boublily Herbert Kretzmer. La novedad de esta adaptación es que toma la obra de teatro musical como punto de partida y asume el reto, del que sale bastante airoso, de trasplantarlo al lenguaje cinematográfico.
La obra literaria es un clásico de la novela romántica con connotaciones políticas, éticas y religiosas. El antagonismo entre la bondad del ex-convicto redimido Jean Valjean y la persistente persecución del inspector Javert atrapado en el mal se despliega durante la insurrección de junio de 1832 en París. La situación de miseria económica, las consecuencias devastadoras de la peste y los abusos de la monarquía explotan en una pequeña rebelión republicana, tras la muerte del general Jean Maximilien Lamarque, que es aplastada por las tropas del rey Luis Felipe I. La novela se sirve de este arquetipo de rebelión frente a la explotación para mostrar la posibilidad del cambio desde la trasformación personal en clave social y utópica inspirada por el sentido cristiano.
Lunes, 20 de mayo
Alejandro Palacios Alvarez
Manuel Mandianes
Juan Fernandez Krohn
Religión Digital
Francisco Baena Calvo
Josemari Lorenzo Amelibia
Rufo González Pérez
Asoc. Humanismo sin Credos
Francisco Margallo
Jose Gallardo Alberni
Peio Sánchez Rodríguez
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