Érase una vez que ser valido del rey de España era ser quizás el hombre más poderoso del mundo. Tanto como encargar al más cotizado tapicero de la época la ejecución de ocho gigantescos tapices que contaran una de las fábulas de Ovidio, el enamoramiento del dios Mercurio de la hija del fundador de Atenas. Son ocho gigantescas piezas de doscientos metros cuadrados, primero dibujados por un gran pintor, y luego tejidos a lo largo de casi medio siglo con miles de metros de hilo de oro y plata.
Una cena íntima que promete pero que termina frustrándose. Una chica enamoradiza cuyo sueño naufraga antes de izar el ancla. Estamos ante una coproducción de lo mejorcito del teatro europeo. 'Sweet nothings', estas dulces y decadentes naderías, es un despliegue magnífico de saber teatral al servicio de una causa discutible: la de resucitar este melodrama de finales del imperio austrohúngaro, y convertirlo al peculiar género 'british' del apunte histórico 'victoriano' -Retorno a Bridgehead, Upper and Down, Pride and Prejudice- con intento romántico de saltarse sus eternas clases sociales. A ambos lados del Canal existe un público maduro y cultivado harto de experimentaciones que está recibiendo con alborozo la propuesta. A este lado de los Pirineos la tarea parece más difícil.
Sórdido mundo éste, el de un vecindario disfuncional de una chabola vertical de un barrio marginal. Un ambiente deprimente con unas gentes baqueteadas, aferradas a la supervivencia más soez y descarnada. Daniel Veronese (Buenos Aires, 1955) escribió ésta, su tercera obra, en 1992 y desde entonces se ha convertido en otro, ahora es un triunfador. Pero ésta, es una historia de abusos sexuales en una familia desestructurada, ahora que parece como si sólo los hubiera en los colegios de curas. Hay algo en ella profundamente turbador y desagradable, el lado testimonial del teatro, ese que a menudo preferimos desconocer. Para que no duela tanto, tiene forma de farsa dentro de esa farsa que has ido a presenciar. 'Del maravilloso mundo de los animales: Los corderos' se titula enigmáticamente; ha sido bien adaptada en Granada y nos cuenta un episodio fugaz de humanidad descarnada.
De nuevo William Shakespeare, de nuevo Macbeth, de nuevo por una compañía inglesa, de nuevo éxito total. Han pasado cuatro siglos y naturalmente la codicia y sus nefastos efectos siguen siendo tema cotidiano. Shakespeare y los que añadieron trozos posteriores a la obra plantean una reflexión moralizante contra la que la sociedad actual parece inmunizada. Si llevado por la envidia, los celos, la ambición y demás venenos comienzas la escalada del mal, ya nada podrá detenerte hasta la perdición final. 'Cheek by Jowl', la compañía de Declan Donnellan y Nick Ormerod que va a cumplir dos décadas, presentó un Macbeth que en su austera ejecución y sombrío planteamiento se ciñó a lo esencial, el texto de este clásico universal; acentos y modales actuales con imágenes atemporales. Una tragedia griega ambientada en la Escocia del siglo XI, con el coro desperdigado por los rincones del escenario en actitud doble, acechante y huidiza. El destino. La tentación. El camino.
Trust es una propuesta definitivamente alemana, o si se quiere, alemana a la vieja usanza: sería, concienzuda, sólida de fondo y sobria de forma. El feliz maridaje de una compañía de danza y una compañía teatral pone de manifiesto que el teatro en su conjunto ya no será nunca más coto único de actores, que el teatro hoy necesita música y danza (y complementos audiovisuales y ensamblajes tecnológicos y...) para avanzar en la síntesis del espectáculo total hacia la que hace mucho camina la ópera. Un músico y nueve actores y bailarines en escena. La complicación de tener que atender a los subtítulos en una obra con tanto texto, mientras intentas atender al mismo tiempo al montón de cosas que ocurre en escena. Trust hace muchas preguntas sobre la crisis financiera global y el trasfondo de relaciones humanas en que se inserta, pero sensatamente no osa tener respuestas. Trust maneja datos interesantes y tiene algunos aciertos como el del personaje que reflexiona en que antes quería cambiar el mundo y ahora sólo quiere encontrar plaza de aparcamiento. Trust en definitiva es una apuesta sería, no esas cosas que se hacen con dos actores, un foco e ínfulas experimentales subvencionadas.
Rodrigo García, quizás sin saberlo, ha realizado una desagradable e incisiva autopsia de su generación, ese fruto podrido que nunca maduró, criado en los invernaderos del posfranquismo con sobredosis de conformismo, sin más modelo que una simulación feroz, que un baile de disfraces, que una impostura general. García es todo un personaje de la farándula oficial (Premio Europa del Teatro 2009 en la categoría de Nuevas Realidades) y su última producción, 'Muerte y reencarnación en un cowboy', es un engendro pretencioso e insoportable. ¿Lo sabe él, lo ha hecho a propósito, es una provocación a sus colegas, que llenaban a reventar el teatro, que venían a jalear sus ocurrencias, y a los que se les heló la risa en los labios? Tres cuartos de hora de ruidos espantosos y media hora de moralina pedante y manida. Además de dos pobres actores talluditos obligados a andar en pelotas de aquí para allá, un pasillo lateral proyectado en una gran pantalla en el centro del escenario, dos docenas de pollitos piando desesperados, una pobre chica haciendo de muñeca, un cutrerío lamentable, un toro mecánico, dos tumbonas y 'Midnight cowboy' convertida en 'Brokeback Mountain' como los sueños de los sesenta se convirtieron en las parodias de los ochenta junto a la mentira publicitaria del anuncio de Marlboro.
Tras 'I Puritani', el otro gran logro de Vincenzo Bellini, Norma, llega al Teatro Real en versión de concierto. Una ópera en concierto, sin decorados, sin vestuario, sin movimientos, es un poco como el cine narrado, una aproximación a una realidad mayor, la cual sólo con el atractivo de grandes voces puede actuar como efecto paliativo. En el estreno de esta propuesta, no hubo grandezas 'epocales' sino un sólido oficio que satisfizo plenamente a los aficionados. La soprano lituana Violeta Urmana, una de las cantantes favoritas del público madrileño, anunció estar resfriada pero no desertó. Roberto Aronica, uno de los tenores más elegantes de nuestros días, fue sustituido aceptablemente por Francesco Hong. Fue la revelación de la noche la mezzosoprano italiana Sonia Ganassi, una de las más reconocidas belcantistas de nuestro tiempo, en el papel de Adalgisa, y el bajo Carlo Colombara se defendió como Oroveso. Dirigió con parsimonia una orquesta inspirada, el especialista italiano Massimo Zenetti, y la potencia del coro a punto estuvo de sepultar a los cantantes.
Sobre lo que se esconde en la vida cotidiana bajo su aparente discurrir monótono, llevan los artistas indagando un siglo. Se puede hacer con humor como toda una generación descubrió en los tebeos con aquella Rue del Percebe y su colección variopinta de atrabiliarios vecinos. Se puede hacer con nihilismo y desesperanza absolutos, con angustioso pesimismo, y entonces sale esta Rue Vandenbranden, que no es calle sino despoblado abierto a los temporales donde en tres bungalows prefabricados seis humanos llevan una existencia solitaria, mezquina, desgraciada y alienante. Se puede confundir esta pesadilla con la vida, pero no se debe hacer, por más que tanto se insista desde los escenarios. '32, rue Vanderbraden' es tan interesante como dañina, tan prodigiosa como negativa, tan impresionante como brutal. Una emoción fuerte, una visión tenebrosa, un espectáculo de fascinante horror.
'L’incoronazione di Poppea' es la tercera de las tres óperas que nos han llegado de Claudio Monteverdi. El Teatro Real completa así su programación en las últimas tres temporadas, tras L’Orfeo (2008) y Il ritorno d’Ulisse in patria (2009). Una trilogía coproducida con el Teatro La Fenice de Venecia a cargo del mismo equipo artístico, el director musical William Christie al frente de Les Arts Florissants y el director escénico Pier Luigi Pizzi a cargo de la puesta en escena, escenografía y figurines. Un gran broche para un gran proyecto.
Peter Brook cumple 85 años y sigue evolucionando. Toda una generación recuerda su Marat/Sade. Entonces se adelantaba a la dicotomía revolución colectiva-revolución individual que marcaría Mayo del 68 y todo el final del siglo XX. Ahora con 11/12 plantea el tema clave de este inicio de milenio: una nueva espiritualidad que encaje el rompecabezas acelerado de la globalización. Se trata siempre de lo mismo: de ser personas mejores y contribuir así a un mundo mejor. Teatro politizado pero no partidario. Teatro con mensaje pero no manipulador ni maniqueo. Teatro con mayúsculas, emocionante e indagador, de preguntas sin respuesta, de apertura de horizontes, de ayuda para seguir buscando.
Hora y cuarto de 'stripteases' continuos. Y ni una gota de pornografía. 'Coeurs croisés' parece lo que no es, un pretexto para provocar la líbido del público. Pero quien busque las emociones primarias de la excitación sexual se verá defraudado. Esta fantasía burlesca entre circo y music hall, es una inteligente deconstrucción de esa potente industria basada en la excitación erótica del cuerpo desnudo, tan lucrativa durante el siglo anterior, y tan anclada aún en la psique individual y colectiva (las páginas más visitadas y los negocios más boyantes de internet se dedican al género).
“El género oblicuo es nuestro género común”, declara la Compagnie Toujours Après Minuit. Sería el espacio individual y al mismo tiempo colectivo de nuestras neurosis y paranoias, esa 'superestructura' en términos marxistas y 'noosfera' en términos jesuítico theillardianos que engorda a medida que lo hace la complejidad de las estructuras sociales y las prótesis no reptilianas de nuestro cerebro. Tema capital. Tema bien resuelto, con originalidad y contundencia, desde la Francia provinciana para mayor mérito, por la asociación de dos mujeres interesantes, Roser Montlló Guberna y Brigitte Seth.
El Museo Reina Sofía acoge una de las muestras de mayor envergadura que presentará este año. Ya el nombre sorprende: 'Principio Potosí ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajena?'. Aún más lo hará el contenido. Plantea que la modernidad europea nació en la colonización de América. Enfrenta pintura colonial andina con instalaciones de artistas actuales. Para Manuel J. Borja-Villel, el activo director del museo, la exposición relee críticamente las dinámicas del capitalismo global desde la óptica oblicua del imaginario del imperio colonial español. Y se enmarcaría en esta nueva etapa del museo que él representa con la vocación de estimular interpretaciones alternativas y políticamente comprometidas de nuestro tiempo frente a la narración lineal y evolucionista de la modernidad ilustrada.
Veintiuna canciones alemanas, con textos de poetas románticos entre los que figuran Heine y Goethe, a los que pusieron música Franz Schubert y Robert Schumann, seleccionadas del extenso repertorio de 'lieder' de la época, ordenadas en tres series con un argumento etéreo pero consistente, y orquestadas en un 'continuum' para 'ensemble' de cuerda y viento con trece componentes, conforman “Im wunderschönen Monat Mai” (“En el maravilloso mes de mayo”), una experiencia sublime de sesenta minutos de enorme calidad en que ha consistido la segunda entrega del festival 'operadhoy' de este año. Un complemento estupendo para esta primavera excepcional.
'La función por hacer' es una adaptación libre de de 'Seis personajes en busca de autor' de Luigi Pirandello. Esta obra supuso para su autor el premio Nobel. La revisión que se nos propone consiste en insertar el drama original en un contexto de serie televisiva, mezclar aceite con agua. El aceite sigue siendo de oliva y sigue impresionando, aunque los seis personajes hayan sido reducidos a cuatro. El agua son una sucesión de chascarrillos, gestitos y ademanes sacados de la calle o de la tele, que para el caso es lo mismo, por parte de los dos actores que ponen la nota actual. El agua no consigue mezclarse con el aceite. La obra aguanta formalmente gracias al buen trabajo interpretativo general, pero el trasfondo filosófico resulta velado por la inyección de realismo cheli huyendo del cual precisamente algunos, no sé si pocos, acudimos al teatro todo lo que podemos y jamás vemos una serie española de televisión.
'Vanitas vanitatum omnia vanitas' (vanidad de vanidades, todo es vanidad), es la cita eterna del Eclesiastés. Salvatore Sciarrino (Palermo, 4 de abril de 1947), es un compositor italiano de música clásica contemporánea. El Teatro Real acoge por primera vez su ya larga obra eligiendo Vanitas, subtitulada 'naturaleza muerta para voz, piano y violonchelo', en una destacada puesta en escena de Rita Cosentino. Una música de sonoridades aisladas y silencios 'pesantes' que parece rememorar retazos de una bella partitura desperdigada por el inexorable e inaprensible paso del tiempo. Un escenario que colabora al misterio explorando rincones de la memoria. Una propuesta interesante para quienes pugnan por acercarse a la música clásica que se hace hoy, uno de los territorios más difíciles ideados por la creatividad humana.
The Bridge Project presentó ayer la segunda entrega de su vista a Madrid, "La Tempestad", de William Shakespeare, confirmando su absoluta excelencia. Si hacer una versión como ésta es ya enorme, hacerlo a continuación de As you like it (Como gustéis) en días anteriores, es descomunal. Dos 'shakespeares' seguidos con la misma compañía, los mismos intérpretes y el mismo equipo. Cinco horas largas en dos entregas inauditas.
Vuelve The Bridge Project al Teatro Español, del 29 de abril al 9 de mayo y esta vez Sam Mendes dirige dos obras de Shakespeare: As you like it (Como gustéis) y The Tempest (La Tempestad). La primera está considerada una obra menor, pero nos pareció una descomunal comedieta, simplona de argumento ciertamente, pero repleta de agudezas, que un reparto genial bordó hasta los puños. Si usamos la palabra memorable a ustedes les parecerá una exageración. Pero es que teatro así se ve pocas veces, y menos en nuestros lares.
Sábado, 26 de mayo
Juan Granados
José Andrés Prieto
Juan Luis Recio
Ángel Sáez García
Mª Rosario Aldaz Donamaría
Atticus-444
Julián Moreno Mestre
Chris Gonzalez -Mora
José Pómez
Javier Orrico
Juan Carrasco de las Heras
David Felipe Arranz
