Comienza la temporada del Teatro Real con danza al más alto nivel

J. C. Deus

El Nederlands Dans Theater inaugura la temporada 2007-2008 del Teatro Real de Madrid. Desde su fundación en 1959, es una de las compañías de danza más importantes del mundo. Aunque todos sus componentes tienen una formación clásica, el campo de actividades del Nederlands Dans Theater no es el ballet, sino la danza contemporánea del más alto nivel internacional. Será los días 5, 6, 7 y 9 de septiembre a las 20.00 horas, y el día 8 a las 17.00 y a las 21.00 horas.

Presentan un programa doble de acreditado interés: ‘Silent Screen’, con coreografía de Paul Lightfoot y Sol Leon y música de Philip Glass (Glassworks (1982), The Hours (2002): Why does someone have to die?), estrenado en 2005 en el Lucent Danstheater de La Haya, con una duración de 45 minutos. Y ‘Bella Figura’, con coreografía de Jirí Kylián, y música de Lukas Foss (Salomon Rossi Suite (1975), Giovanni Battista Pergolesi: Stabat Mater (Introducción), Lukas Foss: Salomon Rossi Suite (1975) (Andante), Alessandro Marcello: Concierto para oboe en Re menor (Adagio), Antonio Vivaldi: Concierto para dos mandolinas (Andante), Giuseppe Torelli: Concerto grosso, op. 8/ 6 (Grave), y Giovanni Battista Pergolesi: Stabat Mater (Quando Corpus), estrenada el 12 de octubre de 1995 en el AT&T Danstheater de La Haya, con una duración de 30 minutos.

El Nederlads Dans Theater es visitante habitual de los escenarios más importantes del mundo; así, la compañía recorre el planeta con sus producciones, desde La Haya hasta Nueva York, desde Tokio a Río de Janeiro. Además, el Nederlands Dans Theater suele acompañar a la reina Beatriz y el primer ministro holandés en sus visitas de Estado.

Anders Hellström, el director artístico del Nederlands Dans Theater, diseña programas que combinan las piezas más valiosas del repertorio propio de la compañía —obras creadas por los coreógrafos permanentes Jiří Kylián y Lightfoot/León— con nuevas creaciones de coreógrafos reconocidos o talentos emergentes.

SILENT SCREEN

Paul Lightfoot y Sol León nunca habían creado una pieza tan larga como ésta, de cuarenta y cinco minutos. La pieza comienza con un fascinante dueto ante el telón de fondo de un hombre solitario que se desvanece en el mar. Cuando los bailarines se separan de las imágenes, emanan armonía y felicidad. Entonces el mar se transforma en un bosque y la atmósfera cambia; habla de los grandes temas de la vida y tiene unas profundas resonancias emotivas.

“Lo que Paul Lightfoot y Sol León han creado juntos como coreógrafos estables del Nederlands Dans Theater es un lenguaje, ni más ni menos. Es como si hablaran baile, escribieran baile, narraran baile en una lengua de signos que incluye los pies, las piernas, los brazos y el torso. Los movimientos que conciben son tan detallistas e intrincados y se transmiten con tanta rapidez a los miembros de todos los bailarines, que se agradece la sobriedad habitual de sus vestuarios, la sencillez de sus escenografías y el acompañamiento de música minimalista. Sin este contrapeso de austeridad, sus espectáculos serían de una exuberancia tal que llegarían a marear”, afirma un artículo publicado en 2005 por el periódico holandés NRC Handelsblad.

Paul Lightfoot (Kingsley, Cheshire, Reino Unido) y Sol León (Córdoba, España) se conocieron cuando ambos entraron a formar parte como bailarines del Nederlands Dans Theater I en 1987. Ambos han participado en numerosos espectáculos de coreógrafos como Jirí Kylián o Hans van Manen. Desde que iniciaron su colaboración, en 1991, han creado cerca de treinta ballets para las tres compañías del Nederlands Dans Theater.

Han recibido recientemente el premio Herald Archangel en el Festival Internacional de Edimburgo, y el Swan holandés al mejor espectáculo de danza producido en 2006 (por Shoot the Moon). Lightfoot y León son especialmente conocidos por sus intrigantes efectos teatrales. La pared giratoria de Safe as Houses, las ondeantes tiras de seda de Signing Off o la carpeta roja como la sangre de Subject to Change son buenos ejemplos de esto.

BELLA FIGURA

Un viaje en el tiempo, la luz y el espacio que aborda la ambigüedad de la estética, la representación, los sueños. Que intenta encontrar la belleza en una mueca, en un nudo de la mente, en una contorsión. Es como hacer equilibrismos sobre la cuerda floja del propio cordón umbilical, define la pieza Jirí Kylián.

¿En qué momento comienza el acto de representación? ¿Cuando nacemos, o cuando el telón se levanta? ¿Termina cuando nos alejamos del escenario? ¿O tal vez no acabemos nunca de representar? ¿Cuál es la mascarada, los vestidos que nos ponemos para caminar por las calles o las prendas que llevamos en escena?
La zona que hay entre lo que se da en llamar arte y lo artificioso, entre la realidad de la vida o de la fantasía: esa región crepuscular crea una tensión que me interesa. Es como estar de pie al borde de un sueño. Como estar de pie en la oscuridad mirando una luz penetrante con los ojos cerrados, dudando de cada uno de los fragmentos de lo que llamamos realidad. El momento en que el sueño se inmiscuye en nuestras vidas y la vida en nuestros sueños: ese es el foco de mi curiosidad. Simplemente esto: tener la sensación de que caigo en sueños y levantarme con una costilla rota.

“Bella Figura” es una expresión italiana que significa algo así como “no dejes que se noten tus problemas” o “mantén la compostura”. Sin duda, es un consejo que a menudo deben seguir los bailarines: al fin y al cabo, el público no debe darse cuenta de los errores que cometen o de sus problemas físicos, escribe Ine Rietstap (NRC Handelsblad).

No obstante, en sus comentarios al programa, Kylián también menciona el momento inesperado en el que el sueño y la realidad se funden incondicionalmente para convertirse en una sola cosa. Es precisamente ese momento lo que el coreógrafo ha logrado capturar en Bella Figura, creando a través del movimiento imágenes y estados de ánimo tan extraños que la mente del espectador reacciona pensando: “esto no es posible, no es lógico”, mientras que, al mismo tiempo, sus emociones dicen: “lo que veo está bien, es exactamente como debe ser”.

Esas piernas temblorosas, esos pasos que se deslizan por el escenario, esos miembros serpenteantes, esas breves y mecánicas sacudidas del torso, como de robot, esas raras contorsiones, esos pies que corretean tímidamente… Son fantasías fugaces que, en conjunto, cuentan la historia más bella, pavorosa, emocionante y conmovedora de todas las que hay en la vida. La imaginación del espectador se aviva al ver una mujer casi desnuda que está entre los pliegues de un telón negro, aprisionada por otras dos que, en un espacio cada vez más reducido, consiguen con movimientos tímidos y tiernos mover a su compañera sin tocarla; por la serie de hermosos, afilados y caprichosos duetos investidos de una armonía sobrecogedora; por la rápida transición de estados de ánimo contrapuestos; por esas figuras que parecen disolverse en el espacio, un espacio que a menudo se reduce como el objetivo de una cámara fotográfica para enfocar un detalle y revelar, de inmediato, un abismal agujero negro o una región radiante. Pero lo que intriga al espectador no son sólo las formas, sino también el uso del color y la luz: las crinolinas carmesíes bajo los torsos desnudos sugieren rituales exóticos; los pantalones de color negro y carne de los hombres los hacen aparecer vulnerables y rudos a un tiempo; los corsés de un color burdeos suavemente brillante y las mallas negras transparentes de las mujeres evocan una elegancia refinada…

ANDERS HELLSTRÖM, UN DESTACADO DIRECTOR ARTÍSTICO

Nacido en Estocolmo, estudió en la Escuela Real de Ballet de Suecia. Entre 1980 y 1984 bailó en el Ballet Real Sueco; ese último año ingresó en el Ballet de Hamburgo, donde fue bailarín principal hasta 1993. Desde 1993 hasta 1999 bailó en el Ballet de Frankfurt.

Entre 1999 y 2002 fue Director artístico del Ballet de Göteborg (Gotemburgo), una compañía tradicional de ballet clásico que transformó en un grupo contemporáneo. Bajo su dirección, el Ballet de Göteborg pasó a ocupar un puesto de relevancia internacional en el mundo de la danza. Introdujo por vez primera trabajos de los coreógrafos William Forsythe, Jirí Kylián, Nacho Duato, Ohad Naharin, Jacopo Godani, Teo Saarinen, Wayne McGregor o Martino Müller.

Desde enero de 2004 es Director artístico del Nederlands Dans Theater, al que ha invitado a coreógrafos como McGregor, Saarinen, Godani, Crystal Pite, Alexander Ekman, Stephan Toss y otros. La compañía impulsa igualmente la carrera de una joven generación de coreógrafos, programando cada año a partir de 2005 la serie UpComing Choreographers, en la que tres bailarines del Nederlands Dans Theater I interpretan una pieza coreografiada por otro de sus compañeros, recibiendo todo el apoyo de los departamentos artístico, de producción, talleres y técnico, así como tiempo suficiente para los ensayos, y de las que se ofrecen tres o cuatro interpretaciones. En octubre de 2005 fue galardonado con la Swedish Carina Ari Medal.

SOL LEÓN Y LOS ESPAÑOLES

La nutrida representación española en el grupo, incluye a la coreógrafa Sol León (Córdoba) que empezó como bailarina el año 1987 dentro del Nederlands Dans Theater. Estudió en la Escuela de Danza del Ballet Nacional de España, completando su formación más tarde con Víctor Ullate.

Entre los bailarines, Iratxe Ansa, nacida en San Sebastián, estudió en el Conservatorio de su ciudad natal. Becada, estudió con John Cranko en Stuttgart. Ha trabajado en el Ballet de Basilea (1993-96), en el Ballet Gulbenkian de Lisboa (solista en 1996-97), en la Compañía Nacional de Danza (1997-2002) y en el Ballet de la Ópera de Lyon (solista entre 2002 y 2005). En 2005 bailó como freelance en Bruselas y Japón, en 2006 participó en diversos proyectos en Nueva York y en 2006 ingresó en el Nederlands Dans Theater.

Jorge Nozal, también vasco, también de San Sebastián, en cuyo Conservatorio recibió su formación como bailarín. Perfeccionó sus conocimientos en la Escuela John Cranko de Stuttgart, con los profesores Peter Brown, Alex Ursuliac, Sarah Abendroth, Ute Mitreuter, Peter Pestov y Valentina Savina. Ha pertenecido al Ballet de Stuttgart entre 1998 y 2003, entrando en 2004 a formar parte del Nederlands Dans Theater I.

Iván Pérez,nació en Alicante y estudió en el Conservatorio de su ciudad (1995-99) y en la Escuela Alicia Alonso de Madrid (2000-04), con profesores como L. Araujo, D. Wayne, M Pla, J. Solan, R. Stromgen, E. López Crevillén y S. Sancho. Ha bailado en el Ballet Nacional de Cuba (2001) como aprendiz, en el Joven Ballet de Cámara de Madrid, en el NDT II y en el IT Dansa de Barcelona. En 2007 se ha incorporado al NDT I. Ha obtenido diversos premios y nominaciones, entre ellos el primer premio de Jóvenes creadores de Madrid.

A ellos se une la soprano Beatriz Díaz, nacida en Bóo, Aller (Asturias), estudió en el Conservatorio de Aller y más tarde con Elena Pérez Herrero, habiendo recibido clases de Elena Obraztsova, Montserrat Caballé, Mady Mesplé, Mirella Freni, Sergio Bertocchi y Paola Molinari. Premiada en los Concursos Ciudad de Logroño, Julián Gayarre y Acisclo Fernández Carriedo, Y ha actuado y ofrecido recitales en salas de Madrid, Oviedo, Gijón, Vitoria, Valladolid, Peralada, Módena, en Saint Jean Cap Ferrat, Rabat y Doha.

Ha cantado el Gloria de Vivaldi, el Magnificat de Pergolesi, el Requiem de Mozart, la Misa en Re mayor de Dvorak, etc. En ópera debuta en el Teatro Campoamor ovetense como Caterina de L’amico Fritz; allí ha cantado también La Rondine (Bianca y Gabriele), Lakmé (Rose) y Tannhäuser (el Pastorcillo). Otros papeles suyos son Giannetta en L’elisir d’amore, Despina en Così fan tutte, Marguerite en Faust, Tina en La eterna canción o Juliet en The little sweep. Ha trabajado con directores como Zedda, Morandi, P. Halffter o Haider. El próximo agosto encarnará a la Princesa de Black el payaso en Teatro Español. En el Teatro Real ha cantado en “Tardes con Donizetti”, Il viaggio a Reims, The little sweep, Dulcinea, de Sotelo, e Il tutore burlato. En 2007 ha obtenido el primer premio, el de mejor cantante español y el de zarzuela del Concurso Francisco Viñas. Así como el Premio del público, el de la Ópera de Sao Paulo, etc.

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Autor

José Catalán Deus

Editor de Guía Cultural de Periodista Digital, donde publica habitualmente sus críticas de arte, ópera, danza y teatro.

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